10 delle opere d'arte più celebri di Arnold Böcklin

Le opere di Arnold Böcklin sono considerate le opere paradigmatiche del simbolismo tedesco, che hanno fatto guadagnare all'artista un seguito di culto nel mondo di lingua tedesca del XIX secolo. Lo scrittore Max Halbe ricorda che tra il 1885 e il 1890 quasi tutte le case dell'alta borghesia in Germania possedevano una copia del L'isola dei morti O Villa al Mare di Bocklin. Il consumo di massa delle sue immagini conferma l'opinione contemporanea che Böcklin fosse tenuto al di sopra dei suoi colleghi nella mente del pubblico. Le opere di Arnold Böcklin, così come la sua personalità, hanno influenzato i giovani artisti simbolisti in Germania e in Europa. Il dipinto L'isola dei morti mantenne uno status canonico oltre i confini dei territori di lingua tedesca, contribuendo alla fama internazionale di Böcklin. Ecco 10 delle sue opere più importanti.

1. L'isola dei morti , 1880-1886

L'isola dei morti è l'opera d'arte più famosa di Arnold Böcklin, sia durante la sua vita che oggi. Böcklin realizzò cinque versioni di questo inquietante dipinto tra il 1880 e il 1886.

L'isola immaginaria dell'emisfero australe fa rivivere l'antico motivo della sepoltura isolana. La figura in piedi del defunto in bianco e il barcaiolo sono al centro del dipinto, che è un simbolo misterioso destinato a guidare desideri nascosti e desideri non detti. Come per molti dei paesaggi tra le opere d'arte di Arnold Böcklin, questo non è un luogo reale ma uno stato d'animo dipinto o visualizzato.

Le opere di Arnold Böcklin sono una sintesi soggettiva del mondo interno ed esterno. Sono nozioni modificate di ricordi che l'artista aveva. Con l'intenzione di rappresentare l'anima, Böcklin memorizzava le sue osservazioni sulla natura e le materializzava sulle sue tele. IL L'isola dei morti è descritto da Böcklin come: 'Sarai in grado di tuffarti sognante nel mondo oscuro delle ombre'.

2. Autoritratto con la morte che suona il violino , 1872

Arnold Böcklin realizzò il suo autoritratto più famoso a Monaco nel 1872. Il tema è il rapporto antitetico tra la vita e la morte e il significato di questo rapporto per l'artista. Sebbene sembri malinconica, la composizione parla di una maggiore consapevolezza della vita. Fin dai suoi primi anni, l'esplorazione della morte come metafora ha permeato le opere di Arnold Böcklin. La sua città natale di Basilea si vantava di molte varianti del Danza della morte , che potrebbe aver ispirato l'artista.

Nel Auto ritratto con la morte che suona il violino, l'artista ascolta attentamente la melodia della Morte, trasformando questa visione in una metafora dell'ispirazione artistica. In linea con la sensibilità dell'epoca, l'ispirazione artistica era legata all'idea di esperienze borderline. La mano che regge il pennello e la tavolozza sono la base da cui la composizione si eleva in una piramide culminante nella testa dell'artista. La Morte attiva è allo stesso tempo un attributo dipinto, opera dell'artista. Il significato di quest'opera si vede nelle sue versioni realizzate da altri artisti tedeschi del XIX secolo, Hans Thomas , Lovis Corinth e Oskar Zwintscher.

3. Giocare tra le onde , 1883

Dipinto nel 1883, Giocare tra le onde ha ricevuto un'accoglienza mista da parte della critica d'arte, ma l'entusiasmo per l'opera d'arte di Arnold Böcklin è cresciuto rapidamente. Al tempo della Terza mostra internazionale di Monaco nel 1888 e certamente nel 1899, la mania per il lavoro di Arnold Böcklin era in pieno svolgimento. Lo storico dell'arte Cornelius Gurlitt (il fratello del commerciante berlinese di Böcklin Fritz Gurlitt) ha scritto che il pubblico tedesco considerava questo dipinto come 'uno dei più grandi successi del nostro secolo'.

A differenza della maggior parte della sua opera, il dipinto ricorda un incidente quotidiano assistito da Böcklin durante una vacanza sulla costa italiana. Il suo amico, lo zoologo Anton Dohrn, ha sorpreso un gruppo di donne bagnanti, avvicinandosi a loro sott'acqua e riemergendo improvvisamente. Nonostante questa interpretazione più comica della mitologia greca, l'immagine non è semplicemente giocosa. La tavolozza dei colori è cupa e malinconica e la paura sul volto della donna sembra abbastanza reale. Noi, in quanto spettatori, ci troviamo quindi di fronte a uno strano miscuglio di energia sensuale, spaventosa e umoristica.

4. Venere Anadiomene , 1872

Poco dopo essere arrivato a Monaco, Böcklin iniziò a lavorare su una nuova versione di La nascita di Venere nel 1872. La versione precedente a cui aveva lavorato a Basilea fu messa da parte, in parte come reazione alle critiche dello storico della cultura e amico Joachim Burckhardt. Lo studioso, che era familiare con la cultura greco-romana e rinascimentale , si oppose alla mancanza dei delfini e delle grandi onde tipiche della scena della nascita di Venere.

Questa versione, intitolata Venere Anadiomene , includeva un delfino, ma uno che era lontano da ciò che Burckhardt immaginava. Il mostro marino è forse un riferimento ai dibattiti darwiniani contemporanei in Europa. Venere stessa contraddice l'iconografia tradizionale del tema classico. Secondo il mito, sarebbe emersa dalla schiuma delle onde o da un guscio di cozza. Gli amorini, un'altra parte tradizionale della scena, con ali di farfalla, la vestono di schiuma marina e la incoronano con una ghirlanda.

5. Villa al Mare , 1865

Arnold Böcklin concepì questa composizione nel 1863, subito dopo il suo ritorno a Roma, dopo un difficile periodo di lavoro al Nord. Il dipinto fu originariamente commissionato dal grande sostenitore di Arnold Böcklin Conte Schack e divenne molto popolare. In totale, l'artista ha prodotto cinque versioni del dipinto. Il suo successo ha incoraggiato Böcklin a continuare a produrre paesaggi intensivi simili, come il L'isola dei morti E Prometeo incatenato .

L'ambientazione della scena è classica, ma evoca uno stato d'animo di nostalgia che ricorda la tradizione della pittura paesaggistica romantica del nord. Questa era una tradizione che Böcklin aveva assorbito mentre studiava all'Accademia di Düsseldorf. Il primo schizzo della composizione mostra una coppia appoggiata a un muro in una dolce fantasticheria serale. Questa versione successiva, come tutte le altre, ha un aspetto più tragico e solitario, con un'unica donna avvolta nel sudario che guarda il mare. C'è un senso di presagio, intensificato dal vento che soffia tra i pioppi sopra la villa.

6. Prometeo incatenato , 1885

Il tema del dipinto è il Titano Prometeo dalla mitologia greca, che rubò il fuoco agli dei e lo diede all'uomo. Fu punito per questo da Zeus, che lo fece incatenare a una roccia, dove un'aquila veniva ogni giorno a nutrirsi del suo fegato. Alla fine è stato rilasciato da questa prigionia da Ercole .

Durante il XIX secolo, Prometeo divenne un simbolo di libertà, un campione dell'umanità contro la tirannia. Divenne anche un prototipo dell'artista, che ricevette dal cielo il fuoco dell'ispirazione creativa. L'immagine di Prometeo ha svolto un ruolo chiave nella formazione del pensiero di Carlo Marx E Friedrich Nietzsche , che si vedevano entrambi come figure simili a Prometeo, rubando nuove intuizioni dai poteri per ispirare l'umanità alla ribellione o all'autocoscienza.

Arnold Böcklin ha modellato il proprio Prometeo sulla base di un classico dipinto murale di Tizio, un gigante della mitologia greca che ha subito un destino simile. L'artista ha dato un'interpretazione originale del tema immaginando Prometeo in termini di un paesaggio atmosferico carico di sventura. Una delle figlie di Böcklin ha affermato che l'ambientazione è stata ispirata dalla vista delle nuvole sulle colline di Monte Morello sopra Fiesole.

7. Battaglia dei Centauri , 1873

Uno dei motivi e delle creature più comuni del bestiario di Arnold Böcklin è il mezzo cavallo, mezzo uomo, centauro . La battaglia dei centauri , completato a Monaco, è stato ampiamente esposto e ha rapidamente guadagnato popolarità nel mondo di lingua tedesca. Il dipinto è un omaggio al rilievo in marmo incompiuto del 1492 di Michelangelo Battaglia dei Centauri , rielaborando il classico tropo mitico dell'arte rinascimentale.

La grandiosità del tema e dell'atmosfera parlavano del nazionalismo tedesco della fine del XIX secolo. Ancora più importante, riflette l'idea di un centauro come espressione della duplice natura dell'umanità. Mostra gli impulsi animali dell'umanità e lo spirito che la spinge in avanti.

I centauri nelle opere di Arnold Böcklin sono enormi, impegnati in battaglia, ribollenti e sputanti di rabbia, con i bulbi oculari gonfi di rabbia. La descrizione contemporanea del dipinto recita:

“…evidentemente in un'epoca in cui le forze elementali lottavano ancora selvaggiamente l'una con l'altra e la terra era ancora tenuta in continua trasformazione dalle forze del fuoco e dell'acqua, vediamo le creature viventi di questo terribile periodo tempestoso della giovinezza del nostro pianeta che si ergono in stupefacente conformità con la Creazione che emerge da questo Caos”.

8. Caccia di Diana , 1896

Le opere di Arnold Böcklin tornavano continuamente a soggetti mitologici. Con questo dipinto, datato 1896, Böcklin torna a un soggetto che aveva dipinto all'inizio della sua carriera per il museo della sua città natale, Basilea. Pertanto, quest'opera si riferisce alla sua giovinezza ma è anche un omaggio di un artista anziano alla grande tradizione della pittura di paesaggio classica.

L'ispirazione per questo lavoro è stata una parte di di Ovidio Metamorfosi . L'episodio ricorda come l'eroe Atteone si perde durante una caccia , scontrandosi e sorprendendo la dea Diana mentre si bagna nuda in una pozza d'acqua. La dea, indignata, lo trasforma in un cervo, e viene braccato e divorato dai suoi stessi cani.

Böcklin decise di dipingere Diana armata del suo arco, accompagnata da numerosi cacciatori e cani, all'inseguimento di un cervo ferito. Sono ambientati in un paesaggio quasi soprannaturale in cui alcuni dettagli sono stati curati con grande precisione.

9. Idillio (panoramica tra le colonne) , 1875

Il lascivo pagano dio greco Pan è uno dei motivi più ripetitivi nelle opere di Arnold Böcklin. Apparendo tra le colonne ricoperte di vegetazione e ghirlande di vite di un tempio in rovina, Pan disturba la calma idilliaca di una giornata estiva in campagna con la sua musica malinconica. Suona su una pipa di canna a otto steli, che prende il nome dall'Arcadian Ninfa Syrinx, che è stata salvata nella sua fuga dalle sue lussuriosi avances attraverso la sua trasformazione in una canna. Per consolarsi della sua delusione amorosa, Pan realizzò una pipa di canna con la pianta. Nelle sue rappresentazioni visive, lo strumento è servito come attributo di Pan.

Gli elementi principali della composizione sono trattati come i pezzi di una scenografia. Pan scruta lo spettatore attraverso la palude e la sua vita vegetale. Viene spogliato della sua incarnazione mitologica dei poteri della natura e assume una qualità in qualche modo umoristica.

10. Una taverna nell'antica Roma , 1867

Durante il suo primo soggiorno a Roma dal 1850 al 1857, Arnold Böcklin partecipò a un festival di danza che ispirò questo dipinto. In esso, combina liberamente dettagli topografici osservati con elementi che erano pura invenzione. Sulla destra troviamo una delle osterie situate presso la Porta del Popolo, importante ritrovo dei pittori tedeschi a Roma nell'Ottocento. Sulla sinistra c'è una piccola struttura rotonda che ricorda Tempio di Sant'Andrea di Vignola . Si dirige verso di essa una giovane donna guidata da un Cupido. Un sant'uomo vestito di una lunga veste bianca accompagnato da un giovane nudo ha già raggiunto il luogo di culto. In contrasto con loro ci sono le figure danzanti e cantanti, che simboleggiano la lussuria sfrenata. La dicotomia ricorda il Principi apollinei e dionisiaci di Friedrich Nietzsche (che l'artista conosceva). L'opera d'arte di Arnold Böcklin combina elementi di una scena di genere contemporanea con una festa pagana in onore di Bacco/Dionigi come celebrato nell'antichità.