4 artisti dell'era vittoriana che hanno fatto arte per amore dell'arte

Dettagli da Giugno fiammeggiante di Sir Frederic Leighton, 1895; e Il sogno ad occhi aperti by Dante Gabriel Rossetti, 1880

La frase arte per l'arte può sembrare semplice, ma queste quattro parole hanno inaugurato un movimento artistico nuovo di zecca nella Londra vittoriana. L'arte per l'arte nasce come traduzione inglese dello slogan francese arte per l'art . Negli anni '60 dell'Ottocento, il concetto fu reso popolare da Walter Pater , un influente critico d'arte britannico. Il suo lavoro ha contribuito a gettare le basi per il Movimento Estetico, che ha unito un gruppo eterogeneo di artisti, artigiani e poeti d'avanguardia dell'era vittoriana sotto il motto arte per l'arte.

Arte per amore dell'arte: uno sfondo

Walter Pater era famoso per aver usato una prosa fiorita nei suoi saggi di storia dell'arte e recensioni critiche sull'arte e la letteratura dell'epoca vittoriana. Il suo lavoro si è spesso concentrato su il desiderio del bello, l'amore dell'arte per l'arte, e spesso predicava che l'arte migliore viene da te professando francamente di non dare nient'altro che la massima qualità ai tuoi momenti mentre passano, e semplicemente per il bene di quei momenti. Queste filosofie contraddicevano direttamente le tradizioni secolari del prestigioso Reale Accademia d'Arte e le norme sociali dell'era vittoriana.

Sinfonia in bianco, No.III di James Abbott McNeill Whistler , 1865-67, via Barber Institute of Fine Arts, Birmingham

Nella Gran Bretagna del diciannovesimo secolo, la cultura dominante dettava una morale rigorosa. L'arte era usata principalmente per esprimere messaggi etici, politici, sociali o religiosi. Nel frattempo, la Royal Academy insegnava ancora una gerarchia dell'arte che favoriva Classico e alto Rinascimento italiano soggetti e stili. Costruito sul concetto di arte per l'arte, il Movimento Estetico mirava a rovesciare tutto questo, insistendo sul fatto che gli artisti non dovrebbero giustificare il loro lavoro oltre il suo valore intrinseco.

È stato all'interno di questo contesto culturale che i creatori di varie discipline hanno adottato l'arte per il bene dell'arte come loro credo, incluso il Fratellanza preraffaellita , i pittori del Movimento Estetico guidati da James Abbott McNeill Whistler , interior designer del Movimento Arti e Mestieri guidato da William Morris , e i poeti della Fleshly School guidati da Algernon Charles Swinburne . Tutti credevano che il mezzo prescelto dovesse poter esistere al di fuori di qualsiasi funzione didattica o utilitaristica. Nel regno della pittura, l'argomento e la narrativa non erano più rilevanti - un approccio rivoluzionario per l'epoca - e l'arte per il bene dell'arte diede vita a un nuovo entusiasmante genere artistico che includeva i contributi di questi quattro importanti artisti dell'era vittoriana.

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1. James Abbott McNeill Whistler: Poesia della vista

Arrangiamento in grigio e nero n. 1 (Ritratto della madre dell'artista) di James Abbott McNeill Whistler , 1871,via Museo d'Orsay, Parigi

Whistler era un artista di origine americana che divenne uno dei leader del movimento estetico. Sebbene non abbia mai eccelso particolarmente in ambito accademico, Whistler ha studiato a Parigi insieme al Impressionisti e poi si stabilì a Londra, dove si associò con gli artisti dell'avanguardia dell'era vittoriana. Da queste influenze, Whistler ha contribuito a spianare la strada all'arte per il bene dell'arte di prendere davvero piede.

Lo ha affermato Walter Pater tutta l'arte aspira costantemente alla condizione della musica. Anche Whistler era attratto dall'idea che la musica fosse la forma d'arte più esemplare per il bene dell'arte. Questo perché un brano musicale senza testo, e quindi senza narrazione o soggetto definitivi, può essere apprezzato solo per la sua bellezza. Whistler aspirava infatti a ottenere questo effetto nell'arte visiva, arrivando al punto di nominare i suoi dipinti non in base ai loro soggetti, ma con termini musicali come Armonia , Disposizione , Notturno , e Sinfonia . Per quanto riguarda il suo stile di denominazione non convenzionale, Whistler ha spiegato , Come la musica è la poesia del suono, così è la pittura la poesia della vista, e l'argomento non ha nulla a che fare con l'armonia del suono o del colore.

Anche il famigerato ritratto della madre di Whistler è soprattutto una disposizione estetica di colori e forme. È colloquialmente noto solo come Ritratto della madre dell'artista, mentre il suo titolo ufficiale: Disposizione in grigio e nero n. 1 —suggerisce che il dipinto non è altro che una composizione estetica di colori tenui.

Notturno: blu e oro — Vecchio ponte di Battersea di James Abbott McNeill Whistler , circa. 1872-75, via Tate, Londra

Allo stesso modo, Whistler dipingeva spesso scene del nebbioso fiume Tamigi di notte in una serie che chiamava Notturni . A testa Notturno presenta una composizione straordinariamente piatta e semplice, una tavolozza di colori monotona e pennellate ampie e traslucide. Il risultato finale è un effetto visivo sognante di luce e colore piuttosto che un dipinto di paesaggio convenzionale di un luogo familiare. Gli spettatori dell'era vittoriana sono rimasti scioccati dall'aspetto apparentemente incompiuto di questi dipinti e dall'argomento indefinito, tanto che a causa seguito.

2. Albert Moore: lusso piacevole

Sognatori di Albert Moore , 1882, via Birmingham Museum and Art Gallery, Birmingham

Da giovane artista, Moore era affascinato da scultura antica . Ha trascorso ore a studiare e disegnare il Marmi di Elgin , una collezione di antiche sculture greche del Partenone al British Museum di Londra. La sua abilità accademica e Stile neoclassico gli concesse uno spazio espositivo presso la Royal Academy of Art, ma la sua fiera indipendenza artistica alla fine gli impedì di partecipare pienamente al fianco degli accademici più tradizionali.

Moore è noto per le sue composizioni decadenti di figure femminili in vari stati di riposo e relax, tipicamente poste in un ambiente classico immaginato e altamente decorativo. A differenza del tipo di arte promosso dalla Royal Academy, i dipinti di Moore non contengono narrazioni storiche o messaggi distinguibili. Le figure femminili non esistono come soggetto, ma piuttosto come uno dei tanti elementi di una composizione estetica. Le loro identità e persino le loro espressioni facciali sono volutamente vaghe, ma i corpi, i tessuti, le trame e le armoniose tavolozze di colori resi ad arte dimostrano l'abilità di Moore nel combinare una pletora di dettagli decorativi per ottenere un effetto lussuoso, ma piacevole.

Melograni di Albert Moore , circa. 1875, alla Guildhall Art Gallery, Londra, via Art UK

In effetti, la maggior parte dei suoi dipinti, come Melograni , prendono il nome da cose belle come fiori e frutta, o ore del giorno e stagioni. Questi titoli non descrivono la narrativa o l'argomento, né richiamano nemmeno gli oggetti più notevoli nei dipinti. Al contrario, sottolineano l'effetto decorativo complessivo che il dipinto intende ottenere. Mentre ogni parte dei dipinti di Moore rappresenta una forma riconoscibile, tutti gli oggetti e le figure sono così astratti da qualsiasi caratteristica identificativa in modo che esistano solo per completare una composizione estetica che è apprezzata per la sua bellezza, un ottimo esempio di arte per l'arte.

3. Dante Gabriel Rossetti: Ritrattistica sensuale

Il sogno ad occhi aperti by Dante Gabriel Rossetti , 1880, via Victoria and Albert Museum, Londra

Sia pittore che poeta, Rossetti è ricordato per i suoi ritratti di donne altamente decorativi, molti dei quali hanno poesie incise sulle cornici o incluse nella composizione. Rossetti fu un membro fondatore della confraternita preraffaellita e come tale fu attratto da fonti di ispirazione medievali precedenti Raffaello ,il preferito della Royal Academy Vecchio Maestro Pittore rinascimentale. Rossetti era anche interessato a sperimentare ciò che Walter Pater chiamava poesia pittorica, o opere d'arte che raggiungono la completa espressione disegnando e colorando, invece che raccontando una storia.

Rossetti non espose spesso lavori pubblicamente durante la sua vita, ma la sua reputazione crebbe comunque man mano che i visitatori del suo studio diffondevano la voce delle sue audaci innovazioni. Era anche noto per tenere la compagnia di varie muse femminili. Rossetti era particolarmente attratto dalle donne che avevano lineamenti forti e spigolosi, acconciature voluminose e una presenza seducente, molto in contrasto con il Ideale dell'era vittoriana di femminilità delicata e pudica.

Bocca Baciata by Dante Gabriel Rossetti , 1859, via Museum of Fine Arts, Boston

Bocca Baciata è stato il primo vero ritratto a figura singola di Rossetti. Ispirandosi a un proverbio italiano omonimo, di cui un estratto è in realtà inciso sul retro della tela, Bocca Baciata raffigura la musa, modella e talvolta amante di Rossetti, Fanny Cornforth . In questo dipinto, Cornforth e l'ambiente circostante si fondono per creare un effetto estetico: i suoi sorprendenti capelli arancioni, i suoi vestiti verde vellutato e gli accessori dorati si fondono con la composizione floreale sullo sfondo e il tessuto decorato in primo piano, entrambi appiattiti in modo innaturale per sottolineare ulteriormente l'importanza della composizione nel suo insieme. Non vi è alcun luogo, storia, persona o periodo riconoscibile Bocca Baciata —è semplicemente un oggetto di bellezza.

4. Frederic Leighton: classicismo dell'era vittoriana

Madre e figlio (ciliegie) di Frederic Leighton , 1865, via Blackburn Museum and Art Gallery

Leighton ebbe successo commerciale durante la sua vita grazie al suo stile di ispirazione classica e di formazione accademica. Studiò pittura e scultura a Firenze e Parigi, poi si stabilì a Londra, dove si associò con vari artisti dell'epoca vittoriana e disegnò un residenza opulenta per se stesso. A differenza di altri artisti del Movimento Estetico, che si mantenevano ai margini della scena artistica londinese, Leighton divenne un membro a pieno titolo della Royal Academy of Art e ne fu persino presidente. Lì, è stato in grado di promuovere il concetto di arte per l'arte dall'interno dello stabilimento.

Giugno fiammeggiante di Sir Frederic Leighton , 1895, al Ponce Art Museum, tramite Google Arts & Culture

Considerato il più grande dipinto della carriera di Leighton, l'illustre Giugno fiammeggiante è stato riscoperto negli anni '60 dopo essere scomparso dalla vista del pubblico dopo la morte dell'artista. Mentre Giugno fiammeggiante mostra la formazione accademica di Leighton in anatomia umana, piega sottilmente le regole della rappresentazione per utilizzare la figura della donna e il resto della scena come strumenti decorativi piuttosto che illusioni convincenti. La monumentalità della figura della donna è enfatizzata allungando le gambe per riempire eccessivamente i mobili ed esagerando la tonalità infuocata e il movimento dinamico del suo drappeggio, che è quasi indistinguibile dai suoi capelli alla larga.

Come le donne tranquille di Albert Moore, Giugno fiammeggiante Il riposo di lei la rende una parte passiva, forse anche inanimata, di una scena decorativa onirica, anche se, se tentata nella vita reale, la sua posa probabilmente non sarebbe riposante. Sebbene Leighton sarebbe stato in grado di dipingere perfettamente una figura umana che si allontana nello spazio tridimensionale, Giugno fiammeggiante dimostra come il suo interesse per l'arte fine a se stessa potrebbe ispirare una comprensione del classicismo non come tecnica accademica o riferimento storico, ma come estetica malleabile.

Eredità dell'arte per amore dell'arte

Secondo James Whistler , l'arte dovrebbe essere indipendente da tutte le chiacchiere, dovrebbe stare da sola e fare appello al senso artistico dell'occhio o dell'orecchio. Praticando la loro convinzione condivisa nell'arte per il bene dell'arte e osando avventurarsi oltre i confini dell'arte didattica tradizionale, questi quattro pittori dell'epoca vittoriana hanno contribuito a preparare il terreno per modernisti del Novecento per spingere ulteriormente i limiti dell'arte per i decenni a venire.