4 iconiche collaborazioni tra arte e moda che hanno plasmato il 20° secolo

Tre abiti da cocktail, omaggio a Piet Mondrian di Eric Koch , 1965, tramite Vogue Francia

Le connessioni tra arte e moda definiscono momenti specifici della storia. Entrambi questi mezzi riflettono i cambiamenti sociali, economici e politici dai ruggenti anni Venti allo sfarzo degli anni Ottanta. Ecco quattro esempi di artisti e stilisti che hanno contribuito a plasmare la società attraverso il loro lavoro.

1. Halston e Warhol: una borsa di studio sulla moda

Quattro ritratti di Halston , Andy Warhol, 1975, Collezione privata

L'amicizia tra Roy Halston e Andy Warhol è uno che ha definito il mondo artistico. Sia Halston che Warhol sono stati leader che hanno aperto la strada per rendere l'artista/designer una celebrità. Hanno strappato via lo stigma pretenzioso del mondo dell'arte e hanno portato la moda e lo stile alle masse. Warhol ha utilizzato la serigrafia per produrre immagini più volte. Anche se certamente non ha inventato il processo, ha rivoluzionato l'idea della produzione di massa. Halston utilizzava tessuti e modelli semplici ed eleganti, ma glamour con il suo uso di paillettes, ultrasuede e sete. È stato uno dei primi a rendere accessibile e desiderabile la moda americana. Entrambi hanno dato un'impronta definitiva all'arte e allo stile per tutti gli anni '60, '70 e '80 che dura ancora oggi.

Collaborazione e successo commerciale

Fiori di Andy Warhol , 1970, via Princeton University Art Museum (a sinistra); insieme a Liza di Andy Warhol , 1978, tramite Christie's (al centro); e Fiori di Andy Warhol , 1970, via Tacoma Art Museum (a destra)

Sia Halston che Warhol hanno collaborato insieme a molti progetti diversi. Warhol avrebbe creato campagne pubblicitarie che presentavano i vestiti di Halston e persino lo stesso Halston. In una collaborazione più diretta, Halston ha utilizzato la stampa floreale di Warhol su alcuni dei suoi capi, da un abito da sera a un set da loungewear.

Halston usava modelli semplici nei suoi abiti, il che li rendeva molto di successo. Erano semplicistici e facili da indossare, ma si sentivano comunque lussuosi con il suo uso di tessuti, colori o stampe. Warhol avrebbe anche semplificato i suoi materiali e il suo processo, il che ha reso più facile riprodurre le sue opere e renderle più vendibili.

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Abito da sera di Halston , 1972, via Indianapolis Museum of Art (a sinistra); insieme a Abito e mantello abbinato di Halston , 1966, via FIT Museum, New York City (centro); e Lounge Ensemble di Halston , 1974, tramite la University of North Texas, Denton (a destra)

Il successo commerciale ha avuto le sue sfide per entrambi i designer. Halston sarebbe stato il primo a collaborare con una catena di vendita al dettaglio, JCPenney, nel 1982 con lo scopo di offrire ai clienti un'opzione a basso prezzo per i suoi progetti. Questo non ha avuto successo per il suo marchio perché sembrava sminuirlo, ma ha aperto la strada ai futuri designer per fare lo stesso. Anche Warhol è stato accolto con critiche poiché la sua produzione è stata vista come superficiale e superficiale. Tuttavia, entrambi hanno modernizzato l'uso della vendita al dettaglio e del marketing nei rispettivi spazi per creare marchi da vendere al mercato di massa.

Lo sfarzo e il glamour

Scarpe con polvere di diamante di Andy Warhol , 1980, via Monsoon Art Collection, Londra (a sinistra); insieme a Abito da donna, paillettes di Halston , 1972, via LACMA (a destra)

Sia Warhol che Halston erano visitatori frequenti dello Studio 54. Hanno festeggiato, progettato e prodotto lavori per celebrità come Liza Minnelli, Bianca Jagger ed Elizabeth Taylor. Queste uscite si riflettono nei loro lavori poiché hanno ispirato e definito l'era della discoteca degli anni '70.

Halston è noto per la creazione di abiti da sera in paillettes. Avrebbe posato le paillettes sul tessuto orizzontalmente. Questo crea un effetto luccicante del materiale, che userebbe per creare ombre o disegni patchwork. I suoi modelli erano semplici sagome che creavano facilità e movimento per ballare. Il suo uso di paillettes era molto popolare tra le star, inclusa Liza Minnelli che indossava i suoi modelli per spettacoli e uscite per Studio 54 .

La serie Diamond Dust Shoes di Warhol esemplifica anche la vita notturna dello Studio 54 e l'influenza delle celebrità. Diamond Dust è ciò che ha usato sopra serigrafie o dipinti, creando un ulteriore elemento di profondità al pezzo. Le impronte di scarpe di Warhol erano inizialmente l'idea per una campagna pubblicitaria per Halston. Ha persino usato alcuni dei modelli di scarpe di Halston come ispirazione.

Il designer che è diventato una celebrità è iniziato con Warhol e Halston. Non si trattava solo del tipo di arte e degli indumenti che creavano, ma anche delle loro vite sociali. Oggigiorno ci sono stilisti e artisti che sono personaggi famosi e questo contribuisce al successo dei loro marchi.

2. Sonia Delaunay: dove l'arte diventa moda

Sonia Delaunay con due amici nello studio di Robert Delaunay, 1924, via Bibliothèque Nationale de France, Parigi

Sonia Delaunay non solo ha rivoluzionato una nuova forma di Cubismo ma immaginava anche le connessioni tra arte e moda. Sia Delaunay che suo marito sono stati i pionieri Orfismo e sperimentato diverse forme di astrazione nell'arte. È stata la prima del suo genere a utilizzare il proprio stile artistico ea passare al mondo della moda utilizzando i suoi disegni, stampe o motivi tessili originali. È più ricordata per la sua arte e il legame con suo marito piuttosto che per la sua moda. I suoi capi furono in prima linea nel cambiamento dell'abbigliamento femminile negli anni '20. Il suo catalogo di indumenti è ricordato più nelle fotografie e nei riferimenti alla sua arte piuttosto che negli stessi indumenti fisici. Per Delaunay non esiste una linea di confine tra arte e moda. Per lei sono la stessa cosa.

Moda simultanea e ribelle

Abiti simultanei (tre donne, forme, colori) di Sonia Delaunay , 1925, via Museo Nazionale Thyssen-Bornemisza, Madrid (a sinistra); insieme a Abito simultaneo di Sonia Delaunay , 1913, via Museo Nazionale Thyssen-Bornemisza, Madrid (a destra)

Delaunay iniziò la sua attività di moda negli anni '20 creando abiti per i clienti e disegnando tessuti per i produttori. Ha chiamato la sua etichetta Contemporaneamente e ha ulteriormente migliorato il suo uso del colore e del motivo su una varietà di mezzi diversi. Simultaneismo ha giocato un ruolo importante nel suo processo di progettazione. Il suo uso della tecnica è molto simile a una trapunta patchwork o tessuti dell'Europa orientale. I colori si sovrappongono e i motivi sono usati per creare armonia e ritmo. I suoi temi comuni includono quadrati / rettangoli, triangoli e linee diagonali o sfere, che si sovrappongono l'una all'altra nei suoi vari disegni.

Tavola 14 di Sonia Delaunay: I suoi dipinti, i suoi oggetti, il suo tessuto simultaneo, le sue mode di Sonia Delaunay , 1925, via National Gallery of Victoria, Melbourne

Delaunay era una giovane donna durante il Era edoardiana dove corsetti e conformismo erano la norma. La situazione è cambiata negli anni '20, quando le donne indossavano gonne sopra il ginocchio e capi larghi e aderenti. Questo aspetto è qualcosa che può essere visto nei modelli di Delaunay, ed era appassionata di creare capi per soddisfare le esigenze delle donne. Ha disegnato costumi da bagno che hanno permesso alle donne di partecipare meglio a sport che in precedenza inibivano il modo in cui li praticavano. Ha posizionato i suoi tessuti su cappotti, scarpe, cappelli e persino automobili, rendendo ogni superficie la sua tela. I suoi disegni hanno creato libertà di movimento ed espressione attraverso il colore e la forma.

La transizione di Delaunay al cinema e al teatro

Le P'tit Parigot di René Le Somptier , 1926, tramite IMDB (a sinistra); insieme a Costume per 'Cleopatra' nella produzione dei Balletti Russi di 'Cleopatra' di Sonia Delaunay, 1918, via LACMA (a destra)

Delaunay è passata al cinema e al teatro durante la sua carriera. Ha disegnato i costumi per il film del 1926 Le P'tit Parigot ('Il piccolo parigino') di René Le Somptier. Sia Delaunay che suo marito hanno contribuito al film con suo marito che ha contribuito alle scenografie utilizzate nei film. Sulla sinistra, la ballerina rumena Lizicai Codreanu è raffigurata in uno dei costumi disegnati da Delaunay. Il suo uso di sfere, zigzag e quadrati è un altro esempio di simultanismo. Gli zigzag dello sfondo si fondono con i leggings dei costumi. Il disco che circondava il viso della ballerina era un tema ricorrente nella moda di Delaunay.

Ha anche creato disegni per 'Cleopatra' , dai Balletti Russi. Simile alle sue collaborazioni nei film, ha creato i costumi e suo marito ha lavorato alla scenografia. Entrambi hanno collaborato tra loro per creare un'esperienza armoniosa per lo spettatore. Il costume di Cleopatra ha strisce e semicerchi multicolori che fondono il suo stile astratto degli anni '20 al balletto tradizionale.

3. Le collaborazioni di Elsa Schiaparelli e Salvador Dalí

Scarpa Schiaparelli a forma di cappello di Elsa Schiaparelli e Salvador Dalì , 1937-38, tramite Vogue Australia

L'avanguardia di arte surrealista è abbinato al leader della moda surrealista. Salvador Dalì e stilista Elsa Schiaparelli hanno collaborato e si sono ispirati a vicenda durante le rispettive carriere. Hanno creato immagini iconiche come il Abito aragosta , Il cappello a scarpa (La moglie di Dalí, Gala vista sopra), e L'abito a strappo , che ha scioccato e ispirato il pubblico sia nell'arte che nella moda. Dalí e Schiaparelli hanno aperto la strada a future collaborazioni tra stilisti e artisti, colmando il divario tra ciò che è considerata arte da indossare e la moda.

L'aragosta e Dalí

Abito da sera da donna di Elsa Schiaparelli e Salvador Dalì , 1937, via Philadelphia Museum of Art (a sinistra); Salvador Dalì di George Platt Lynes , 1939, via The Metropolitan Museum of Art, New York City (a destra)

Sebbene un'aragosta sia apparentemente innocua, in realtà è piena di controversie. Dalì usato le aragoste come tema ricorrente nel suo lavoro ed era interessato all'anatomia dell'aragosta. Il suo guscio funge da scheletro all'esterno e ha un interno morbido all'interno, il contrario degli umani. L'aragosta nel lavoro di Dalí ha anche toni sessuali, derivanti da dinamiche femminile-maschio.

L'abito Lobster è una collaborazione tra i due artisti con Dalí che disegna l'aragosta da utilizzare sull'abito. Ha suscitato molte polemiche quando ha debuttato per la prima volta Voga . In primo luogo, ha un corpetto trasparente e una gonna in organza bianca. Questa trasparenza, che mostra l'immagine appena visibile del corpo della modella, era qualcosa di completamente nuovo nella moda visto su larga scala. L'uso del tessuto bianco contrasta anche con il rosso dell'aragosta. Il bianco può essere considerato verginale o significa purezza rispetto al rosso, che può significare sessualità, potere o pericolo. L'aragosta è convenientemente posizionata sulla gonna per coprire l'area pelvica di una donna. Questa posizione è simile alla foto di Dalí sopra, che indica ulteriormente la sessualità delle donne rispetto alla reazione degli uomini ad essa.

Il modello che ha indossato il capo Voga era Wallis Simpson, la moglie di Edoardo VIII, che abdicò al trono inglese per sposarla. Questo è un altro esempio di come prendere una figura o un'immagine controversa nella cultura e trasformarla in qualcosa da venerare.

Stile agghiacciante

Donna con una testa di rose di Salvador Dalì , 1935, via Kunsthaus Zurigo (a sinistra); insieme a L'abito da scheletro di Elsa Schiaparelli , 1938, tramite il Victoria and Albert Museum, Londra (a destra)

Gli scheletri sono un altro tema visto nell'arte surrealista e sono stati utilizzati in più collaborazioni tra Dali e Schiaparelli. L'abito da scheletro è stato il primo del suo genere per il soggetto, ma anche per la sua tecnica. Schiaparelli usava una tecnica chiamata trapunto dove due strati di tessuto sono cuciti insieme creando un contorno. L'ovatta viene inserita nel profilo creando un effetto in rilievo. Questa tecnica crea una superficie strutturata sul tessuto piatto dando l'illusione che le ossa umane sporgano attraverso il vestito. Ha causato uno scandalo perché l'abito era fatto di un materiale appiccicoso che si attaccava alla pelle. L'immaginazione dei dipinti e dei disegni di Dalì è stata realizzata nel mondo fisico tridimensionale dagli abiti di Schiaparelli. Dali, come accennato in precedenza, era interessato all'anatomia, e questo si traduce anche nel suo lavoro.

4. Yves Saint Laurent: dove arte e ispirazione si scontrano

Abito ispirato a Picasso di Yves Saint Laurent di Pierre Guillaud , 1988, tramite Times LIVE (a sinistra); insieme a Gli uccelli di Georges Braque, 1953, nel Museo del Louvre, Parigi (a destra)

Dov'è il confine tra imitazione e apprezzamento? Critici, spettatori, artisti e designer allo stesso modo hanno lottato per determinare dove viene tracciata quella linea. Tuttavia, quando si discute Yves Saint Laurent , le sue intenzioni erano a dir poco lusinghe e ammirazione per gli artisti e i dipinti che usava come ispirazione. Osservando il suo ampio portfolio, Saint Laurent si è ispirato alle culture e all'arte di tutto il mondo e lo ha incorporato nei suoi capi.

Sebbene Yves Saint Laurent non abbia mai incontrato gli artisti che lo hanno ispirato, ciò non gli ha impedito di creare opere in omaggio a loro. Laurent ha raccolto ispirazione da artisti come Matisse , Mondrian, Van Gogh, Giorgio Braque ,e Picasso . Era un collezionista d'arte e aveva dipinti di Picasso e Matisse nella sua stessa casa. Prendere le immagini di un altro artista come ispirazione a volte può essere considerato controverso. Saint Laurent, tuttavia, utilizzerà temi simili a quelli di questi artisti e li incorporerà in capi indossabili. Ha preso un motivo bidimensionale e lo ha trasformato in un capo tridimensionale che rende omaggio ad alcuni dei suoi artisti preferiti.

La Pop Art e la Rivoluzione degli anni '60

Abito da cocktail indossato da Muriel, omaggio a Piet Mondrian, collezione haute couture autunno inverno 1965 di Yves Saint Laurent, fotografato da Louis Dalmas , 1965, via Musée Yves Saint Laurent, Parigi (a sinistra); insieme a Abito da sera indossato da Elsa, Omaggio a Tom Wesselmann, Collezione Haute Couture Autunno-Inverno 1966 di Yves Saint Laurent, fotografato da Gerard Pataa, 1966 , via Museo Yves Saint Laurent, Parigi (a destra)

Gli anni '60 furono un periodo di rivoluzione e commercializzazione e furono una nuova era per la moda e l'arte. I modelli di Saint Laurent hanno avuto successo commerciale quando ha iniziato a trarne ispirazione Pop Art e astrazione. Ha creato 26 abiti nel 1965 ispirandosi ai dipinti astratti di Piet Mondrian. Gli abiti incarnavano l'uso di Mondrian di forme semplicistiche e colori primari audaci. Saint Laurent ha utilizzato una tecnica in cui non sono visibili cuciture tra gli strati di tessuto, facendo sembrare che il capo fosse un pezzo intero. Saint Laurent ha preso l'arte di Mondrian dagli anni '20 e l'ha resa indossabile e riconoscibile agli anni '60.

Gli abiti in stile mod sono classici esempi dello stile degli anni '60 in cui la praticità stava diventando un problema più grande per le donne. Erano simili agli indumenti degli anni '20, che erano meno vincolati e avevano maniche e orli che mostravano più pelle. Le silhouette squadrate di Saint Laurent consentivano alle donne facilità e movimento. Ciò ha portato anche alla sua ispirazione da artisti pop art come Tom Wesselmann e Andy Warhol. Ha creato una linea di modelli ispirati alla pop art che presentavano sagome e ritagli sui suoi capi. Si trattava di rompere i vincoli su cosa fosse l'astrazione nell'arte e commercializzare il design. Laurent ha unito queste due idee per creare capi per le donne che fossero liberi e attraenti per la donna moderna.

Arte nella moda Haute Couture

Completi da sera, omaggio a Vincent van Gogh, indossati da Naomi Campbell e Bess Stonehouse, collezione haute couture primavera-estate 1988 di Yves Saint Laurent, fotografato da Guy Marineau , 1988, via Museo Yves Saint Laurent, Preso

Il Vincent van Gogh Le giacche di Saint Laurent sono un esempio di come Saint Laurent abbia combinato l'ispirazione di altri artisti e i suoi talenti di design. Come gli altri suoi capi, i temi legati agli artisti non sono stati copiati e incollati sui capi di Saint Laurent. Quello che ha scelto di fare invece è stato prenderli come ispirazione e creare pezzi che riflettessero il suo stile. La giacca è rappresentativa dello stile anni '80 con le sue spalle forti e un look squadrato molto strutturato. È un collage di girasoli ricamati nello stile pittorico di Van Gogh.

Dettaglio giacca girasole di Yves Saint Laurent , 1988, tramite Christie's (a sinistra); insieme a Girasoli-dettaglio di Vincent Van Gogh , 1889, tramite il Museo Van Gogh, Amsterdam

Yves Saint Laurent ha collaborato con la casa di Casa di locazione , leader nel ricamo haute couture. La giacca di girasole è ricamata con perline tubolari che rivestono i bordi della giacca e petali e steli di girasole. I fiori sono pieni di diverse sfumature di paillettes arancioni e gialle. Questo crea un pezzo di texture multidimensionale simile alla tecnica di Van Gogh di stratificare vernice spessa su tela. Si stima che sia uno dei pezzi di haute couture più costosi da realizzare, venduto per 382.000 euro da Christie's. Saint Laurent ha aperto la strada a come si potrebbe indossare la moda come un'opera d'arte in sé e per sé.