Case d'artista: spazi creativi e studi d'arte di pittori famosi

Claude Monet a Giverny , 1920 (a sinistra), Ritratto di Frida Kahlo , Firenze Arquin , 1948, Archives of American Art (al centro), e Georgia O'Keeffe , 1968, National Portrait Gallery, Smithsonian Institution (a destra)

L'ambiente circostante di un artista può in definitiva intrecciarsi con il suo lavoro e la sua eredità. Claude Monet è associato a Giverny, in Francia, come lo è Frida Kahlo Coyoacán, Messico. Guardare questi artisti attraverso la lente di ciò che li circonda può portare a nuove intuizioni sulle loro tecniche, processi e credenze artistiche. Alziamo il sipario e guardiamo nelle case e negli studi d'arte dei pittori più influenti della storia.

Le nuove case messicane e lo studio d'arte della Georgia O'Keeffe

O'Keeffe apre le tende del suo studio di Tony Vaccaro , 1960, Museo Georgia O'Keeffe

Le ampie finestre nello studio d'arte di Georgia O'Keeffe guarda i paesaggi tentacolari del New Mexico. È stato questo paesaggio ad affascinare per la prima volta O'Keeffe e alla fine sarebbe diventata la sua casa per il resto della sua vita e carriera. Il suo legame con la terra le ha fornito un rinnovato senso di indipendenza. Le ha dato la possibilità di creare uno spazio che fosse distintamente suo.

Ghost Ranch: lo scenario selvaggio del sud-ovest di O'Keeffe

Ranch fantasma, patio di Todd Webb , 1955-1981, Georgia O'Keeffe Museum

Ci sono due posti nel New Mexico che Georgia O'Keeffe usava come sua casa/studio. Ghost Ranch, o Rancho de los Burros, era un ranch dove le persone potevano affittare stanze e lavorare nella terra. O'Keeffe sarebbe rimasta durante le estati e sarebbe tornata a New York per visitare suo marito, Alfred Stieglitz, fino alla sua morte.

Il mio cortile, estate di Georgia O'Keeffe , 1941, Museo Georgia O'Keeffe

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Il ranch è incastonato tra gli aspri strati di una mesa e la pianura desertica. La mesa è stratificata con arenaria color ruggine e sedimenti che vanno dal viola, al blu e al giallo. Un deserto è disseminato di arbusti verdi e alberi che punteggiano il paesaggio. Sebbene la terra sia mozzafiato, Ghost Ranch era difficile da gestire. Era isolato senza telefono e aveva un sistema di irrigazione scadente. La ricerca di una casa che fosse coltivabile, ma bella, portò O'Keeffe nella sua seconda casa.

Fattoria Abiquiú: dove la natura incontra l'architettura

Abiquiu House, Vigas e Studio Door di Georgia O'Keeffe di Georgia O'Keeffe , 1964, Museo Georgia O'Keeffe

L'impegnativo sforzo di gestione di Ghost Ranch ha portato O'Keeffe a scoprire la casa di Abiquiú. Era in cattive condizioni e inizialmente inabitabile, ma O'Keeffe sapeva che doveva averlo. Quando ha visitato la proprietà, la sua presenza enigmatica l'ha attirata. I lavori di ristrutturazione includevano l'incorporazione dell'architettura vista nella regione dalle influenze dei nativi americani e degli spagnoli. Vigas fatti di tronchi di cedro rivestono i soffitti e i mattoni di adobe sono stati realizzati dalla terra di O'Keeffe.

Interno della casa e dello studio di Georgia O'Keeffe di Jack Boucher , Servizio del Parco Nazionale

Questi temi attraversavano anche l'interno della sua casa. O'Keeffe aveva lucernari, finestre panoramiche e porte aperte per far entrare la luce naturale nella sua casa. I suoi mobili sono abbinati a pareti di adobe lucide e disadorne e decorazioni minimali. La casa di Abiquiú crea una presenza calmante rispetto alla selvaggia fauna selvatica fuori dalla sua porta. È in armonia con il paesaggio selvaggio e rustico del sud-ovest americano.

Il nuovo paesaggio messicano: dove l'arte riflette la vita

Abiquiu House di Georgia O'Keeffe, Patio di Georgia O'Keeffe , 1964 (a sinistra) e Porta attraverso la finestra di Georgia O'Keeffe , 1956,Museo Georgia O'Keeffe (a destra)

La terra circostante del deserto ha ispirato molto i dipinti di O'Keeffe nella sua carriera. Le sue case, in particolare ad Abiquiú, sono geometricamente lineari con le sue vigas, le pareti lisce di adobe e i percorsi. Le porte e le finestre aperte lasciano entrare la luce naturale creando forme, linee e tonalità diverse. Questi dipinti lineari ricordano i suoi dipinti degli eleganti grattacieli moderni di New York. La differenza nel New Mexico è l'uso dei toni naturali della terra che vedeva ogni giorno fuori dalla sua finestra.

Mentre il New Mexico attrae ancora artisti attualmente è diventato sinonimo di Georgia O'Keeffe. Sono le sue raffigurazioni delle sue maestose mesas e degli ampi paesaggi che continuano a confondere e creare discussioni sul suo lavoro.

Jackson Pollock e l'East Hampton Art Studio di Lee Krasner

Jackson Pollock e Lee Krasner in un campo di Wilfrid Zogbaum , 1949, Archivi di arte americana, Smithsonian Institution

Lo skyline di New York City è stato ignorato per le pacifiche valli e ruscelli di East Hampton Jackson Pollock e Lee Krasner . Pollock, che soffriva di depressione e alcolismo, scelse di vivere in campagna lontano dalla città esigente. Il terreno circostante era pieno di praterie e paludi con una varietà di fauna selvatica e fiori. Scelsero una casa che un tempo apparteneva a un pescatore e trasformarono la casa e il fienile per il loro studio d'arte. La campagna offriva non solo più libertà nello spazio, ma anche la possibilità per entrambi gli artisti di espandere le proprie ambizioni creative.

The Art Studio: Processo e forniture di Pollock

Jackson Pollock di Hans Namuth, 1950, National Portrait Gallery, Smithsonian Institution

Il fienile offriva a Pollock più spazio per creare i suoi dipinti su larga scala rispetto a New York. Un esempio di ciò è quando Peggy Guggenheim ha commissionato a Pollock un murale. Secondo quanto riferito, ha abbattuto un muro nel suo appartamento per adattarlo al dipinto su larga scala. Lo spazio appena acquisito gli ha permesso di posare la tela sul pavimento e avere spazio per muoversi attorno all'immagine. Questo studio d'arte è stato lo spazio in cui Pollock ha mostrato la sua tecnica pittorica per il fotografo Hans Namuth come mostrato sopra.

Jackson Pollock nel suo studio di Rudy Burckhardt , 1950, Archivi di arte americana, Smithsonian Institution

Lo spazio sarebbe stato riempito con le varie forniture che ha usato. Ci sono barattoli di vernice, pennelli spessi, stracci e altri materiali come si vede nella foto sopra. La casa o le pitture a smalto che usava erano molto fluide e schizzavano sul pavimento sotto di lui. Ancora oggi sul pavimento in legno rimangono macchie di vernice. Pollock userebbe materiali non convenzionali come bastoncini, vecchi pennelli o bastoncini di tacchino per dipingere. Usava anche pietre, vetro, spago o sabbia mentre dipingeva.

L'influenza dello scenario di East Hampton

Jackson Pollock, Long Island di Marta Holmes , 1949, Rivista Vita

È stato dibattuto quanto il mondo naturale abbia ispirato il lavoro o i processi di Pollock. Tuttavia, molte delle serie che Pollock ha creato mentre viveva a East Hampton hanno titoli ispirati alla natura. Ha completato lavori come Ritmo autunnale (Numero 30) e Nebbia di lavanda (Numero #). I suoi titoli di serie includono Suoni nell'erba e il Insenatura di Accabonac serie, che prende il nome dal torrente che scorreva dietro la sua casa.

Le stagioni di Lee Krasner , 1957, Whitney Museum of American Art, New York

Rispetto a Pollock è più noto che Krasner ha usato la natura come fonte di ispirazione. di Lee Krasner Le stagioni era un dipinto che ha creato dopo la morte di Pollock. Krasner avrebbe utilizzato lo studio d'arte del fienile dopo la morte di Pollock, ma ha attaccato la tela al muro piuttosto che al pavimento. Le pennellate gestuali e le figure organiche portano all'idea del mutare delle stagioni a cui avrebbe assistito. Ha completato lavori come Milkweed , Parlare di uccelli , o Uccello destro sinistro che hanno immagini o titoli ispirati alla natura.

Sia Pollock che Krasner hanno creato alcuni dei loro dipinti più memorabili a East Hampton. Lo scenario ha anche attirato artisti come Willem de Kooning , Roy Lichtenstein , e Marco Rothko . Ancora oggi è un'attrazione per i visitatori per il suo legame con la complessa vita di Jackson Pollock.

La casa blu di Frida Kahlo

Ritratto di Kahlo seduto fuori nel patio della Casa Blu, la sua casa a Coyoacán, in Messico di Firenze Arquin, 195-?, Archivi di arte americana, Smithsonian Institution

Azul de añil è la vernice al cobalto brillante tradizionalmente usata per allontanare gli spiriti maligni e per proteggere i suoi abitanti. Questo è ciò che copre di Frida Kahlo Casa Azul, un paradiso che ha creato. Le sue pareti dai colori vivaci riparano un lussureggiante giardino tropicale al centro. La casa è piena di oggetti, piante, animali e opere d'arte che Frida ha raccolto. Questi oggetti e la sua casa sono rappresentazioni della sua eredità e dell'amore per la sua casa, il Messico.

La camera da letto: un ritratto della realtà

Frieda Kahlo nella sua camera da letto di Bernard G. Silberstein , 1940, Detroit Institute of Arts

La camera da letto di Frida era un luogo in cui trascorse gran parte della sua vita. Ha contratto la poliomielite da bambina e da giovane ha subito diverse ferite quando è rimasta ferita in un incidente d'autobus. Il padre e la madre di Frida le hanno dato materiale artistico e uno speciale cavalletto da usare a letto, dove ha studiato e praticato la sua arte. Sopra il suo letto c'era uno specchio che usava per dipingere i suoi autoritratti.

Il sogno (Il letto) di Frida Kahlo , 1940,Collezione privata

Verso la fine della sua vita, fu nuovamente confinata nel suo letto. Questi tempi di isolamento portano Kahlo a dipingere immagini delle cose che la circondano. Questi includono la sua famiglia, gli oggetti nella sua camera da letto e, naturalmente, se stessa. Nella vita reale, una figura scheletrica di Giuda riposava sopra il letto di Kahlo e appare nel dipinto Il sogno . Era usato non solo come promemoria della morte, ma anche come simbolo dei cicli della vita in continua evoluzione.

Le Collezioni di Diego e Frida

Frieda Kahlo nel soggiorno di Diego Rivera con la figura di Giuda di Bernard G. Silberstein , 1940, Detroit Institute of Arts

Frida e suo marito, Diego Rivera , manufatti raccolti e arte popolare del Messico. Questi includono figurine, giocattoli, pale d'altare (piccoli dipinti d'altare), figurine di argilla di Metepec e figure di Giuda (o figurine di fiesta) in cartapesta. Queste figure e la loro collocazione all'interno della casa rappresentano tutte la loro passione per l'orgoglio nell'arte e nella cultura indigena. La collezione di questi oggetti riflette messicanità , o l'orgoglioso atto di celebrare i propri antenati e la propria eredità. Questi oggetti hanno anche creato una connessione per Frida e il mondo esterno.

Il giardino: la rinascita di una casa

La piramide di Miguel Tovar, Museo Frida Kahlo

Quando Casa Azul divenne proprietà di Frida e Diego, fu ristrutturata, compreso il giardino. Frida raccolse anche piante e le incorporò nel cortile di Casa Azul. Un elemento eccezionale è la piramide situata nel giardino. Questo è uno dei pochi pezzi che rappresentano distintamente la presenza di Diego in casa. La piramide si basa sulla piramide di Teotihuacan e viene utilizzata per visualizzare manufatti preispanici. Altre piante situate nel giardino includono calendule, cactus, palme a foglia e altre piante tropicali originarie del Messico e dell'America centrale e meridionale.

Natura morta: Pitahaya di Frida Kahlo , 1938, Museo di Arte Contemporanea Madison

Piante, fiori e frutta/vegetazione erano immagini costanti viste nei dipinti di Kahlo. Sono stati usati per le nature morte, lo sfondo dei suoi autoritratti o come ibridi uomo/pianta. Le sue immagini di piante che crescono dall'uomo o viceversa mostrano il rapporto intrecciato tra la vita e la morte. Fa continuamente riferimento a questo tema in una varietà dei suoi dipinti come il dipinto mostrato sopra.

I dipinti e le collezioni di oggetti di Frida sono esempi del suo amore per la cultura messicana indigena e moderna. È questo desiderio di connettersi con i suoi legami con il Messico che definisce Casa Azul. È qui che è iniziata la sua vita e carriera ed è qui che la sua eredità continua a fiorire oggi.

La casa di Charleston di Vanessa Bell e Duncan Grant

Duncan Grant di Godfrey Argent , 1968, National Portrait Gallery, Londra (a sinistra), e Vanessa Bell di Duncan Grant , 1917, National Portrait Gallery, Londra (a destra)

Il gruppo di Bloomsbury è stata fondata su un ideale collettivo di rifiutare i vincoli sociali istituiti dai loro genitori di epoca vittoriana. L'arte di questi membri non è esemplificata meglio della Charleston Home nel Sussex, in Inghilterra. Nessun muro, telaio del letto, camino o vasca da bagno è stato lasciato non dipinto all'interno della casa. C'erano due membri che vivevano e dipingevano in casa Vanessa Bell e Duncan Grant . La loro casa è una manifestazione letterale delle loro idee di design, nonché un'espressione delle loro opinioni sul loro modo di vivere. La casa è un santuario che è stato separato dalle costrizioni della società tradizionale che hanno rifiutato.

Superfici dipinte e decorazioni di Charleston

Porta dipinta nello studio di Clive Bell , The Charleston Trust (a sinistra) e La stanza del giardino, Charleston Trust (a destra), East Sussex, Inghilterra

È il sogno dei bambini di disegnare impuniti sui muri delle loro case. Questo sogno è realizzato dal gruppo di Bloomsbury perché non ha avuto paura di scoprire sbocchi di libertà artistica. Sia gli stili artistici di Bell che quelli di Grant sono evidenti nelle decorazioni della casa. Le stanze e gli oggetti della casa sono decorati con forme semplicistiche, colori audaci e pennellate espressive. I soggetti spaziavano dalla natura morta di frutti, fiori o la forma umana. Sedie, tappeti, divani, cuscini e lampade furono persino progettati da Bell e Grant, che furono poi prodotti dalla Officine Omega .

Duncan Grant Studio, Camino, Charleston Trust, East Sussex, Inghilterra

Bell e Grant hanno utilizzato motivi di stampe paisley o a scacchi e combinazioni di cerchi, strisce e punti per creare un ritmo tra le diverse parti della casa. Il loro utilizzo del colore varia dal giallo senape, al celeste pallido, al ricco arancio ruggine o al verde menta pallido. Anche se all'interno della casa vengono utilizzati diversi colori, tutti riescono a coincidere insieme nell'unità. Ciò è dovuto al loro stile espressivo coerente ed è una testimonianza del loro uso magistrale della teoria dei colori.

Un giardino incantevole: pieno di incontri e fiori

Duncan Grant e Angelica Garnett nel giardino di Charleston , Charleston Trust, East Sussex, Inghilterra (a sinistra) e Gigli Arum di Vanessa Bell , 1919, The Courtauld Institute of Art (a destra)

La campagna inglese del Sussex con alberi e frutteti attirò Vanessa Bell nella proprietà. Alla fine, Bell riempì i giardini di fiori, che divennero fonte di ispirazione per i suoi dipinti. Il giardino è il luogo in cui si sarebbero svolti gli incontri tra i membri di Bloomsbury. La creazione del giardino è simile a quella del Giverny di Monet o del giardino di Frida a Casa Azul. Fu fonte di ispirazione artistica, ma anche di tregua. Il giardino ha influenzato la pittura di Bell Gigli Arum , che raffigura una natura morta con oggetti simili a quelli trovati nella loro casa di Charleston.

La casa e il giardino di Charleston sono un insieme di persone che si uniscono per creare qualcosa che fosse identificabile in modo univoco per loro. Dal continuo via vai di persone e dall'arredamento in continua evoluzione, la casa di Charleston è ancora in definitiva una casa condivisa da molti.

I giardini di Claude Monet: uno studio d'arte all'aperto

Claude Monet davanti alla sua casa a Giverny , 1921, Museo d'Orsay, Parigi

Dopo essersi spostato da un posto all'altro durante la sua carriera artistica, è diventato Giverny di Claude Monet casa finale. Ci sono rose rampicanti e viti che inghiottono la facciata della casa di Giverny. Le porte verde brillante contrastano con i rossi vividi dei roseti in primo piano. La facciata della sua casa è solo l'inizio della capacità di Monet di creare un capolavoro di terra e giardino. Giverny è diventato la fonte di ispirazione per alcune delle sue opere più riconoscibili che ancora oggi continuano ad affascinare gli spettatori.

I giardini fioriti di Giverny

Claude Monet a Giverny , 1908, Denver Art Museum

Monet era particolarmente attento ai tipi di fiori che piantava e dove li piantava. Avrebbe sistemato i suoi fiori per colore mescolando specie rare con i fiori più comuni che vanno da rose, tulipani, margherite, girasoli o digitali. I suoi giardini potevano crescere in abbondanza con alberi che drappeggiavano le sue aiuole e rose rampicanti che si estendevano lungo le pareti della sua casa. Monet trattava il suo giardino come se stesse creando un dipinto. Il colore dominava sopra ogni cosa e le combinazioni di questi colori sarebbero state pianificate meticolosamente come i suoi dipinti impressionisti .

Il giardino dell'artista a Giverny di Claude Monet , 1900, Museo d'Orsay, Parigi

I giardini di Monet danno la sensazione di immergere gli spettatori nel suo mondo proprio come fanno i suoi dipinti. Simile alle pennellate confuse dei suoi dipinti non si può dire dove finisce la casa e inizia il giardino, fondendo i due in uno. Un esempio è il dipinto Il giardino dell'artista a Giverny . I fiori viola brillante in questo dipinto sono a fuoco sullo sfondo verde sfocato della sua casa e degli alberi. Anche in questo dipinto lo spettatore può vedere il posizionamento mirato delle sue aiuole per creare forme e colori distinti all'interno del dipinto.

Il ponte giapponese e lo stagno delle ninfee

Fotografia senza titolo, Archivi Durand-Ruel, album n. III , Metropolitan Museum of Art, New York

Monet fece costruire il ponte in stile giapponese circondato da glicini, bambù, iris e sotto uno stagno di ninfee. Creare le proprie scene nei giardini gli ha permesso di avere uno spazio costante in cui concentrarsi e studiare una scena specifica. I dipinti dello stagno di Monet si concentravano sui riflessi dell'acqua piuttosto che sugli oggetti fisici stessi. L'idea di riflessioni e immersioni porta Monet a creare molteplici rappresentazioni di questa scena.

La passerella giapponese di Claude Monet , 1920-22, MoMA

Una di queste interpretazioni del ponte giapponese è visibile nel dipinto sopra. Negli anni '20 l'uso del colore e l'applicazione della vernice da parte di Monet cambiarono a Giverny. I suoi colori si sono trasformati dai rilassanti verdi e blu a rossi e gialli energici. Le sue pennellate erano meno controllate e le linee erano posizionate liberamente sulla tela. Ciò potrebbe essere dovuto alla vista che invecchia di Monet, ma tuttavia c'è ancora un cambiamento visibile in questo lavoro rispetto ai suoi precedenti.

The Art Studio: La creazione della serie di ninfee di Monet

Claude Monet nel suo studio a Giverny di Henri Manuel, 1920

Monet è noto per aver creato i suoi dipinti nel all'aperto stile. Camminava per le campagne francesi o galleggiava su uno studio in barca lungo la Senna per creare i suoi dipinti a cielo aperto. Tuttavia, per i suoi dipinti su tavola su larga scala delle sue ninfee, aveva bisogno di trasferirsi in uno studio d'arte. Monet aveva sessant'anni quando ha iniziato la serie e sono tra le più grandi su cui abbia mai lavorato.

Giverny è cresciuto nel corso degli anni e Monet con esso. Ha continuamente aggiunto ai suoi giardini e frutteti esistenti, che gli hanno permesso di non viaggiare mai lontano da casa. La sua ispirazione è sempre stata a passi di distanza e ha portato alla creazione delle sue opere più famose.