Come Clement Greenberg ha plasmato l'arte modernista

Terranova di Helen Frankenthaler , 1975, Collezione privata

Il famoso critico d'arte Clement Greenberg è stata una delle voci più influenti e rispettate degli anni '20thsecolo. Conosciuta oggi come la voce dell'arte americana, la sua celebrazione audace e schietta dell'arte astratta americana negli anni Quaranta e Cinquanta si trasformò in artisti tra cui Jackson Pollock, Willem de Kooning e Barnett Newman in nomi familiari. Credendo che l'arte debba essere distillata nelle sue proprietà più pure, semplici e poetiche di linea, colore e superficie piatta, le idee di Greenberg hanno influenzato un'intera generazione, portandola a creare alcune delle opere d'arte più iconiche di tutti i tempi. Il modernismo, scrisse, usava l'arte per richiamare l'attenzione sull'arte.

Le prime idee di Clement Greenberg

Clemente Greenberg , 1982, Il giornale d'arte

Nato nel Bronx da immigrati ebrei-lituani, Clement Greenberg ha studiato letteratura inglese a Università di Siracusa. Dopo la laurea è andato alla deriva tra un lavoro e l'altro prima di trovare la sua strada nella banda di scrittori e critici che si definiva il Intellettuali di New York , tra cui Susan Sontag e Harold Rosenberg. Molti erano ebrei e sostenevano la politica di sinistra, integrando la teoria letteraria con le convinzioni marxiste, ma rifiutavano Stalin, inclinandosi invece verso le idee liberalistiche del trotskismo.

Molte delle idee di Greenberg inizialmente provenivano da Karl Marx, in particolare la convinzione che l'arte astratta d'avanguardia fosse un audace e rivoluzionario allontanamento dai regimi politici oppressivi guidati dai nazisti o dai comunisti. Un'altra grande influenza sulle idee di Greenberg fu l'artista ed educatore tedesco Hans Hofmann. Nel 1938 e nel 1939 Greenberg partecipò a molte delle conferenze di Hoffmann che sottolineavano l'importanza di una comprensione formale nell'arte, dove il colore, la linea, la superficie e la relazione tra i piani su una superficie piana erano ritenuti più importanti del contenuto figurativo o letterario.

Celebrando l'avanguardia

Basta di Hans Hoffman , 1960, Collezione privata

Gran parte dei primi scritti critici di Clement Greenberg è apparso nel liberale di New York Rassegna partigiana , ed è stato fortemente influenzato dalle idee di Hans Hoffmann. Era nel Rassegna partigiana che Greenberg pubblicò il primo dei suoi saggi più influenti, intitolato Avanguardia e Kitsch, 1939, che ha costituito la base per molte delle sue idee future.

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Nel saggio Greenberg sostiene che l'arte d'avanguardia dei primi anni '20thsecolo era l'unica cultura vivente ancora esistente, mentre l'emergere di materiale kitsch, popolare o prodotto in serie era una grande minaccia per la sua esistenza. Sostenendo che le immagini kitsch fossero un sottoprodotto di una società industrializzata di cattivo gusto e a buon mercato, affermò con forza che sia l'arte che la letteratura dovrebbero offrire un percorso verso una verità superiore al di là di questo linguaggio degradato. Questa convinzione dell'importanza sociale per un'arte d'avanguardia incentrata sul processo e sulla sperimentazione è stata la chiave di tutte le idee di Greenberg sull'arte, arrivando a informare i suoi saggi futuri sulla teoria e la pratica dell'arte.

Un nuovo Laocoonte

Solo un anno dopo, Clement Greenberg pubblicò il secondo dei suoi saggi strumentalmente importanti: Verso un Laocoonte più recente , 1940. Il testo era una continuazione del famoso articolo di Gotthold Lessing Laocoonte: un saggio sui limiti della pittura e della poesia , pubblicato nel 1766. Lessing aveva iniziato a fare distinzioni tra diversi mezzi artistici tra cui poesia, pittura e scultura, sostenendo come ognuno avesse il proprio linguaggio di sviluppo distinto che dovremmo riconoscere e apprezzare.

Basandosi sul saggio di Lessing, le idee di Greenberg hanno delineato una logica storica che descrive da dove provenissero le origini della pittura moderna e dove fosse ora diretta. Ha sostenuto che la pittura è diventata sempre più appiattita dai tempi storici, spostandosi oltre il contenuto narrativo o letterario verso un'enfasi su motivi e superfici astratte, scrivendo, ma soprattutto, il piano dell'immagine diventa sempre più superficiale, appiattendo e premendo insieme il piani fittizi di profondità finché non si incontrano come un tutt'uno sul piano reale e materiale che è la superficie effettiva della tela.

Espressionismo astratto

Isole gialle di Jackson Pollock , 1952, Tate

Per tutti gli anni '40 Clement Greenberg si stabilì nell'area del Greenwich Village di New York dove lavorò come editore per Rassegna partigiana, editore associato per Rivista di commento e critico per La nazione . È stato uno dei primi a individuare e sostenere il lavoro della fiorente scuola dell'Espressionismo Astratto, tra cui Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell e David Smith e attraverso la sua scrittura le carriere di questi artisti sono state lanciate sotto i riflettori internazionali. Man mano che le loro carriere crescevano, cresceva anche quella di Greenberg, che divenne un gigante della scena artistica americana, assumendo incarichi di insegnamento presso Collegio della Montagna Nera, Università di Yale, Bennington College e università di Princeton dove ha avuto una marcata influenza sulla prossima generazione di pensatori creativi.

Senza titolo B di Robert Motherwell , 1970, Tate

La crisi dell'immagine da cavalletto

Diversi saggi pubblicati negli anni '40 hanno permesso a Greenberg di espandere la sua argomentazione sull'importanza della pittura astratta, incluso Arte astratta, pubblicato nel 1944, e La crisi del quadro da cavalletto, 1948. In quest'ultimo testo, introduce il concetto radicale e influente del quadro all-over, descrivendo una tendenza appiattita e ripetitiva nell'arte americana praticata da Jackson Pollock, Lee Krasner e Barnett Newman come un dipinto decentralizzato, polifonico, all-over, che si fondeva in pura trama, pura sensazione. Ha anche affermato che la pittura all-over è nata come una reazione logica a una società capitalista industrializzata, in cui tutte le distinzioni gerarchiche sono state esaurite ... nessuna area o ordine di esperienza è intrinsecamente o relativamente superiore a nessun altro.

Paesaggio gotico di Lee Krasner , 1961, Tate

Greenberg contro Rosenberg

Uno dei più grandi rivali di Clement Greenberg era il suo collega critico d'arte Harold Rosenberg; si dice che a volte finissero quasi in manette durante i loro dibattiti chiassosi. Sebbene ci fossero molte sovrapposizioni tra le loro idee, Rosenberg ha elogiato quello che ha chiamato Action Painting, un filone di astrazione basato su gesti energici e performativi praticati da Jackson Pollock, Franz Kline e Arshile Gorky. Rosenberg ha anche sostenuto vari artisti espressionisti astratti che avevano riportato elementi figurativi o narrativi nei loro dipinti liberi ed espressivi come Willem de Kooning e Philip Guston.

Donna di Willem de Kooning , 1952, Metropolitan Museum of Art

Al contrario, Greenberg ha spinto avanti il ​​suo sostegno a uno stile di astrazione più puro e pulito, respingendo attivamente gli ultimi studi figurativi di de Kooning. Invece, ha spostato il suo sostegno verso i pittori della Washington Colour School come Barnett Newman, Kenneth Nolan e Anne Truitt, che praticavano un linguaggio essenziale e minimale basato sulle sensazioni ottiche dei modelli di colore piatto. Nel suo saggio Pittura di tipo americano, 1955, Greenberg sostenne che questa nuova scuola di pittori stava conducendo una naturale progressione verso la vera arte modernista.

Pittura modernista

Man mano che le idee di Clement Greenberg si sviluppavano, diventavano sempre più polarizzate ed estreme. Quando l'ascesa del kitsch, multistrato Pop Art ,e gli stili Neo Dada iniziarono ad emergere attraverso gli artisti di New York Robert Rauschenberg e Jasper Johns, Greenberg reagì ancora più duramente. Ha combattuto a gran voce la sua argomentazione secondo cui la pittura modernista deve essere un processo di riduzione che l'ha districata da altri mezzi o metodi. Ha inoltre affermato che l'astrazione era uno sviluppo logico e necessario nell'arte moderna che ha riportato l'arte alla sua essenza più nuda e distillata, che ha descritto come la progressione naturale del formalismo, una teoria avanzata per la prima volta dal critico d'arte Ruggero Fritto nei primi anni 20thsecolo.

Queste idee sono state esemplificate nel saggio più iconico di Greenberg, Pittura Modernista, 1961. Ha sostenuto che la pittura dovrebbe essere un'attività in definitiva 'pura', rifiutando qualsiasi forma di riferimento al mondo esterno, inclusa l'espressione emotiva, l'illusionismo o qualsiasi spazio in cui oggetti riconoscibili possono abitare. Greenberg ha continuato a spiegare come un dipinto dovrebbe essere interamente autoreferenziale, solo in relazione a se stesso e nessun altro riferimento esterno al mondo reale o a qualsiasi altro mezzo artistico come la scultura o il disegno.

Astrazione post-pittoresca

E di Morris Louis , 1961, Collezione privata

Sebbene fossero estreme, le idee di Clement Greenberg riflettevano lo spirito dei tempi e hanno avuto una forte influenza sui principali sviluppi artistici degli anni '60. I dipinti Color Field semplificati e saturati di Helen Frankenthaler, Morris Louis e Jules Olitski sono oggi sinonimi delle idee di Greenberg, definendo l'apice dell'era modernista con un atteggiamento spietatamente rigoroso e analitico nei confronti di forma, colore, consistenza, scala e composizione. Greenberg ha curato una mostra intitolato Astrazione post-pittoresca nel 1964 al Museo d'arte della contea di Los Angeles che comprendeva opere di trentuno artisti diversi; ebbe un tale successo che Post Painterly Abstraction è ora riconosciuto come un movimento a sé stante.

Arnolfini bambino! di Jules Oliski , 1964, Collezione privata

Influenza sulla critica d'arte

Basandosi sia sulle sue idee sul formalismo che sulle teorie del 18thIl filosofo tedesco del secolo Immanuel Kant, sostenne Greenberg Pittura modernista per un nuovo, oggettivo modo di vedere l'art. Credeva che l'arte dovesse essere vista e scritta su di essa in modo del tutto distaccato, osservando solo le proprietà fisiche dell'oggetto stesso. Queste idee hanno avuto una profonda influenza su una nuova generazione di critici d'arte modernisti che sono diventati noti come la Scuola di Greenberg, tra cui Rosalind Krauss, Michael Fried e Barbara Rose, ognuno dei quali ha adottato un approccio analitico simile durante la dissezione di un'opera d'arte.

Il contraccolpo contro Clement Greenberg

Verso la metà degli anni '60 artisti e critici si stavano già muovendo oltre le estremità delle idee di Clement Greenberg. Molti vedevano il suo punto di vista come troppo polarizzato e dogmatico, mentre il suo spogliarsi di illusionismo, narrativa ed emozione nella pittura aveva messo il mezzo in un angolo, senza nessun posto dove andare. E come ha capito la critica d'arte Rosalind Krauss, l'eccessiva semplificazione di Greenberg dell'arte modernista e formalista ha sradicato gran parte delle idiosincrasie e irrazionalità della vita. Le scuole dirompenti della Pop Art e Fluire che è sorto sulla scia di Greenberg ha riportato molte delle complesse diversità della vita ordinaria nelle pratiche artistiche negli anni '60 e '70, scuotendo gran parte di ciò per cui aveva sostenuto con tanta veemenza.

Senza titolo, Pronto soccorso di Fiona Raw , 1996, Royal Academy of Arts, Londra

Anche se il contraccolpo contro le idee di Greenberg intorno allo stato puro Modernismo e il formalismo è continuato per diverse generazioni, l'enfasi che ha posto sull'autoreferenzialità e sulla materialità degli oggetti d'arte è un atteggiamento che persiste ancora oggi. Molti dei pittori contemporanei più sperimentali ed emozionanti di oggi hanno in fondo alla loro mente la consapevolezza di un dipinto come un oggetto fisico, anche se ora lo hanno inondato di riferimenti alla vita moderna, come dimostrato nell'arte di Callum Innes, Tomma Abts , Fiona Rae e Peter Doig.

Mentre la visione in qualche modo semplificata di Greenberg della storia dell'arte come singolare marcia verso l'astrazione è stata ampiamente riscritta oggi, la sua argomentazione secondo cui dovremmo vedere i dipinti solo come se stessi prima, senza metterli in relazione con nient'altro, è un atteggiamento che indugia ancora oggi sullo sfondo e colora il modo in cui molti di noi guardano all'arte, in particolare la sua fede nell'arte come un'esperienza unica che è irraggiungibile da qualsiasi altra fonte.