La dura materialità di Frank Auerbach alla School of London

Il pittore Frank Auerbach è nato in Germania nel 1931. Per sfuggire al regime nazista, i genitori di Auerbach lo mandarono in Gran Bretagna nel 1939, dove da allora vive. Auerbach ha tenuto la sua prima mostra personale nel 1956 ed è rimasto un appuntamento fisso dell'arte britannica per tutta la sua carriera. In genere ha goduto di un ruolo molto meno importante rispetto ad altri pittori nella sua orbita, come Francis Bacon e Lucian Freud. Nel corso di quasi 70 anni sotto gli occhi del pubblico, Auerbach è rimasto coerente. L'artista si è impegnato nella sua dura materialità e nel suo stile pittorico intenso, pur rimanendo rivelatore e rilevante per l'arte contemporanea.

Frank Auerbach e la Scuola di Londra

Testa di Gerda Boehm di Frank Auerbach , 1979-80, via Marlborough Gallery, Londra

I dipinti di Frank Auerbach mostrano una figurazione aspra, emblematica dell'arte britannica del dopoguerra. Emergendo al fianco di pittori come Leon Kossoff , Francesco Bacone, e Luciano Freud , il lavoro di Auerbach ha delle somiglianze tra loro. Tuttavia, i dipinti di Auerbach si distinguono e sono particolarmente abrasivi tra i Scuola di Londra , che ospita numerosi e famosi pittori abrasivi. Il suo lavoro dimostra forse la più grande tolleranza, non solo per astrazione , ma per distorsione, anche bruttezza.

Immediatamente, Frank Auerbach attacca i sensi con masse di pittura densa e satura applicata con violenza che è conservata nella topografia. Ciò che lo definisce è la volontà di indulgere in una pittura fantasticamente disordinata, con i suoi ritratti che spesso lasciano solo una forma vagamente a forma di testa, segnata da linee, premuta sulla superficie, alla ricerca dei lineamenti.

In Capo di Gerda Boehm , un vortice di colori, che si mescolano e si allontanano l'uno dall'altro, variando nella consistenza, iniziano a suggerire una testa più per la densità dei segni dove dovrebbe essere la testa, piuttosto che per la leggibilità visiva. I dipinti di Frank Auerbach mantengono le loro rappresentazioni per la minima quantità. Solo il palese contrasto dei suoi colori e la forza delle sue pennellate fanno sì che tutti i segni sui suoi dipinti rimangano visivamente distinti in mezzo alla violenza del suo processo.

Il colore di Auerbach

Capo di JYM di Frank Auerbach , 1978, via Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

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Quei colori sono un'altra delle firme di Frank Auerbach. Sebbene i primi lavori di Auerbach tendessero a essere più neutri, a volte anche in scala di grigi, ha chiarito che questa non è mai stata una decisione motivata artisticamente. I primi lavori furono realizzati in tenui toni della terra perché fino agli anni '60 non poteva permettersi pigmenti più luminosi nella quantità necessaria per il suo processo. Una volta che la sua preoccupazione finanziaria è stata ovviata, la tavolozza di Frank Auerbach è cambiata radicalmente a favore dei colori intensi e saturi che vediamo nei suoi dipinti maturi.

La maggior parte dei suoi contemporanei tendeva a una tavolozza molto più contenuta. Anche nel caso di qualcuno come Francis Bacon, che coinvolge alcuni colori più puri e più saturi, si limita a una o due di queste tonalità alla volta, spesso coinvolgendo il colore solo come sfondo generale.

Park Village East di Frank Auerbach , 2002-03, via Marlborough Gallery, Londra

I dipinti di Auerbach sono composti da striature di colori brillanti, direttamente dal tubo, che si alternano l'una contro l'altra e si confondono in un fango grigiastro. Questi colori attraversano la tela, all'interno di forme distinte e senza di esse. La tavolozza ricorda più gli antenati stilistici di Auerbach, il espressionisti dei primi del 900: ai pittori piace Ernest Ludwig Kirchner e Franz Marc , con il loro colore sgargiante, esagerato, quasi arbitrario.

Bacco e Arianna di Frank Auerbach , 1971, via Tate, Londra

di Frank Auerbach Bacco e Araidne , ad esempio, presenta lo stesso arcobaleno non trattato di cadmio e blu oltremare di un pezzo come quello di Franz Marc La sfortunata terra del Tirolo . Tuttavia, Auerbach a volte applica questi colori vividi con un fervore che supera qualsiasi precedente storico. Forse tra i Espressionisti astratti in America, un simile senso del colore può essere trovato nei dipinti di Willem de Kooning . Anche se il colore di Auerbach è in gran parte senza precedenti nel suo immediato gruppo di artisti britannici della metà del secolo.

Sebbene il lavoro di Auerbach sia basato su molte delle stesse preoccupazioni filosofiche e teoriche del resto della School of London, il suo senso del colore non ha eguali tra loro nella sua magnificenza. Anche il più stretto collaboratore stilistico di Auerbach, Leon Kossoff, che praticava uno stile pittorico altrettanto intenso dal punto di vista materiale, era sempre più sobrio con il colore. Fisicamente, visivamente e nella totalità, Auerbach archivia una forza tutta sua.

Auerbach contro Espressionismo

La sfortunata terra del Tirolo di Franz Marc , 1913, via Guggenheim, New York

Le somiglianze di Frank Auerbach con i primi espressionisti tedeschi cessano con queste questioni formali, perché le questioni formali sono, di per sé, il punto del lavoro di Auerbach. Gli espressionisti distorto e intensificato la loro visione del mondo per rendere palpabile una risposta emotiva al mondo. Auerbach è, invece, in uno spazio in cui si interroga sul potenziale per la pittura anche solo di iniziare a comunicare tali esperienze. Per lui l'esagerazione visiva è un tentativo di catturare qualcosa di reale del soggetto con il linguaggio impreciso della pittura. I dipinti di Auerbach diventano così carichi di pittura a causa della sua determinazione a collegarli alla realtà materiale del soggetto.

La difficoltà di questo compito si traduce in un processo che richiede molto tempo. All'inizio, Auerbach avrebbe stratificato all'infinito i suoi dipinti fino ad arrivare a qualcosa di accettabile. Negli ultimi anni è arrivato a favorire un approccio alla prima; crea un dipinto tutto in una seduta, dipingendo bagnato su bagnato, quindi raschiando la tela per pulire se non è soddisfatto del risultato.

Nel contenuto così come nella forma della sua pittura, Frank Auerbach non è altro che dedito. Si fa strada in bicicletta attraverso alcuni argomenti familiari; una serie ricorrente di siti a Londra per i paesaggi, e una serie di modelli affidabili, abituati alle sue laboriose abitudini lavorative, per i ritratti. Mentre gli espressionisti erano guidati dall'immediatezza dell'emozione, Auerbach è più riservato. La sua pittura dimostra una convinzione ineguagliabile nel lavoro impiegato per esprimerla, in contrapposizione all'urgenza con cui viene scarabocchiata sulla tela.

La dura geometria e materialità di Auerbach

Mornington Crescent di Frank Auerbach , 1965, via Tate, Londra

Un altro segno distintivo del lavoro di Auerbach è l'angolosità. Sebbene la pittura di Auerbach si mescoli sulla tela in un'indistinzione dai bordi morbidi, questi momenti di incertezza sono spesso racchiusi da barre spesse e dritte di vernice nera. La geometria nella pittura di Auerbach è forse più evidente nei suoi paesaggi di Londra, con tutti gli angoli retti dell'architettura della città. In particolare, questo è evidente nella sua serie di cantieri, come ad esempio Mornington Crescent , con gli scheletri di edifici eretti tra le macerie del dopoguerra, disegnati come strisce di colore incrociate.

Sebbene queste scene architettoniche riflettano l'attenzione geometrica di Auerbach nel modo più semplice, questa preoccupazione persiste nella sua pittura figurativa; le stesse barre dritte e costruttive delineano le forme della testa e del busto umani. Degno di nota è anche il modo in cui Auerbach posiziona i suoi modelli. Le loro teste e tori sono inclinati o adagiati in modo tale da iniziare a imitare la dura angolarità della città che li circonda. A livello compositivo, quello di Auerbach Testa distesa di Giulia II appare tanto allineato con i suoi paesaggi urbani quanto i suoi ritratti.

Auerbach nell'arte contemporanea

Testa distesa di Giulia II di Frank Auerbach , 1997, via Marlborough Gallery, Londra

Nel contesto dell'arte contemporanea, Auerbach si distingue non per le sue differenze con i suoi contemporanei, ma per la sua pura espressione. L'espressione della loro comune preoccupazione: la reale matericità della pittura, in contrasto con la natura illusoria della rappresentazione. La pittura di Auerbach proveniva da una tradizione di pittura rappresentativa e decostruttiva che si stava sviluppando a metà del XX secolo, incentrata sul nuovo funzionamento teorico della pittura dopo un periodo di turbolenze sociali e riordino.

David Landau seduto da Frank Auerbach , 2013-15, via Marlborough Gallery, Londra

Anche se Auerbach ha qualche compagnia al giorno d'oggi, con altri resti di quest'epoca e tradizione della pittura, come Anselmo Kiefer e Giorgio Baselitz , il lavoro di questi artisti appare distinto rispetto ai pittori più recenti interessati alla stessa travolgente matericità che definisce tutto il loro lavoro. Quando Auerbach è diventato famoso, la pittura ha sofferto un'ansia immensa: rispecchiare il trauma delle guerre mondiali, entrare in una crisi, mettere in discussione la propria fattibilità come mezzo per andare avanti.

A partire da ora, quell'ansia è stata risolta in molti modi. La pittura ha mantenuto una nuova nicchia, ulteriormente allontanata dalla sua posizione egemonica nella cultura visiva; Auerbach è arrivato al suo stile quando la vecchia forma di pittura stava morendo, gli artisti più giovani stanno tornando al loro quando un dipinto è nato di nuovo. La pittura ha accettato un ruolo meno faticoso e artisti che potrebbero avere una superficiale somiglianza con Auerbach in termini di intensa matericità, come Protezione Dana o Alison Schulnik , dimostrano un tono molto diverso da qualsiasi altra cosa intorno alla metà del secolo. Piuttosto, le loro opere sono giocose nella loro sperimentazione con la forma della pittura e della pittura, non influenzate dalla tremenda ansia del dopoguerra.

Ciò che Frank Auerbach rivela sulla pittura oggi

Ricostruire l'Empire Cinema, Leicester Square di Frank Auerbach , 1962, tramite The Courtauld Institute of Art, Londra

I dipinti di Auerbach ci ricordano un dipinto che ha paura di se stesso. Arrivano in un momento in cui la posizione dominante della pittura nel mondo dell'arte era minacciata da mezzi più immediati come la fotografia e il cinema. La materialità della pittura era una realtà inevitabile e terribile. In arte contemporanea, la pittura è ai margini della cultura mainstream e la materialità appare come una sorta di sollievo dal modo immateriale digitale attraverso il quale sperimentiamo la maggior parte dell'arte contemporanea attualmente.

Il lavoro di Frank Auerbach ci ricorda la contingenza della pittura e il nostro rapporto con essa. Le specifiche ansie del suo tempo hanno plasmato il lavoro di Auerbach fino ai giorni nostri, dove sono in netto contrasto con le preoccupazioni più recenti. Ciò non implica in alcun modo che il lavoro di Auerbach sia meno vitale ora. Piuttosto, è a causa del suo rapporto alternativo con la pittura che il suo lavoro è sempre più necessario. Si avvicina alla pittura da una posizione al di fuori della nostra comprensione collettiva e attuale. Mette in guardia dall'identificare la nostra attuale concezione della pittura come inalterata o naturale.

Frank Auerbach e i suoi dipinti svolgono una crudeltà e una diligenza che non hanno paralleli recenti. Attualmente, la sua opera si pone come una reliquia, originata da una concezione perduta della pittura e come un elemento emergente cruciale, che indica la traiettoria della pittura verso qualcosa di nuovo.