Caravaggio: gli scandalosi crimini di un artista barocco

Caravaggio è noto per le tecniche che utilizzava nei suoi dipinti per creare un'atmosfera drammatica. È stato il pioniere del tenebrismo, la tecnica utilizzata per creare luci e ombre estreme all'interno di un dipinto, creando un'atmosfera oscura e lunatica. Tuttavia, le sue opere d'arte non furono l'unico aspetto oscuro della sua vita. La vita di Caravaggio era piena di gioco d'azzardo, alcol e criminalità. Nel 1606, questo comportamento culminò nel commettere un omicidio, costringendolo a fuggire da Roma e cercare nuove zone d'Italia per creare opere d'arte e caos.

Lo stile drammatico di Caravaggio

La chiamata di San Matteo è un esempio dello stile drammatico di Caravaggio e, successivamente, dell'arte barocca in generale. L'atmosfera è buia per rendere l'illuminazione minima più visivamente potente. La scena raffigura la storia di San Matteo quando Gesù trova Matteo seduto al suo posto e gli dice: 'Seguimi'. Gesù è situato nell'ombra, proprio sotto la luce della finestra. La luce si posa sul volto di Matteo, che appare sorpreso dalla richiesta di questo visitatore, chiedendosi se è proprio a lui che Gesù sta parlando. Gesù lo indica per confermare che è Matteo a cui si rivolge Gesù.

I dipinti di Caravaggio consistevano spesso in immagini religiose, eppure vestiva i soggetti delle sue opere con abiti contemporanei. Ciò era dovuto alla Controriforma. Ha permesso alle scene bibliche di essere più riconoscibili per gli spettatori contemporanei. Durante la Riforma protestante del XVI secolo, gli iconoclasti protestanti erano fermamente contrari alla rappresentazione di figure religiose nell'arte e spesso ne distruggevano gran parte nelle loro città locali. L’Italia, come sede della Chiesa Cattolica, rimase cattolica. Il Papa cercava modi per contrastare la riforma e sapeva che l’arte era uno strumento potente, soprattutto per gli analfabeti che avevano bisogno di immagini per raccontare le storie della Bibbia. La Chiesa cattolica era una delle istituzioni più grandi e importanti a commissionare opere d'arte ad artisti di spicco, e Caravaggio era uno di questi. Sarebbe ironico se alla fine sarebbe stato costretto a fuggire da Roma per evitare l'esecuzione per i suoi crimini.

Tuttavia, i dipinti di Caravaggio non avevano sempre soggetti religiosi. Creava spesso opere d'arte raffiguranti figure e storie mitologiche. Durante il Rinascimento, l’Umanesimo si diffuse sempre più come stile di vita filosofico, con una maggiore enfasi sul valore dell’esperienza umana sulla Terra, più che nei secoli precedenti. L’ultima volta che l’Umanesimo ha avuto un ruolo così dominante nel mondo occidentale è stato nell’antica Grecia e a Roma.

La rinascita dei valori classici portò nei secoli successivi al Rinascimento, compreso il Barocco era. Dipingere scene mitologiche significava vantare la conoscenza della materia, indice della ricca preparazione educativa e formativa dell’artista. Scene come queste venivano spesso commissionate privatamente per essere esposte nelle case aristocratiche per incontri sociali. Caravaggio dipinse Bacco nel 1596 per il cardinale del Monte. Bacco è reclinato e si rilassa con un bicchiere di vino che offre allo spettatore. Intorno a lui c'è molta frutta e i suoi capelli sono circondati da un alone di foglie di vite. È il dio del vino e della follia. È possibile che la reputazione di questo dio piacesse a Caravaggio, la cui vita era piena di cose del genere.

La reputazione di Caravaggio

La reputazione personale di Caravaggio non fu mai ammirevole tra i suoi contemporanei a causa delle sue riprovevoli abitudini nel bere, nel gioco d'azzardo e nel combattere, ma probabilmente avrebbe avuto una qualche forma di prestigio. Dopotutto, ai suoi tempi era un artista di spicco, che accettava commissioni da individui e istituzioni di alto rango in posizioni di potere spirituale e politico.

Quello di Narciso La storia è un antico monito contro l'offesa della vanità. Narciso scruta l'acqua, innamorato del suo riflesso e intrappolato infinitamente da esso dove siede. Non c'è sfondo nella scena, solo Narciso e il suo riflesso. Il riflesso di Narciso lo travolge e il resto del mondo svanisce, tanto è forte il suo amore per se stesso. Non c'è nessun altro, Narciso è solo. È una storia cupa con una rappresentazione opportunamente oscura di Caravaggio.

La violenza nell'opera di Caravaggio

Giuditta decapita Oloferne è uno dei tanti dipinti di Caravaggio che raffigura una decapitazione. Le decapitazioni sono un tema comune, così come la violenza stessa, nell’opera di Caravaggio. Caravaggio aveva una propensione alla violenza. Veniva spesso visto nella taverna, ubriaco, giocando d'azzardo e litigando con coloro che lo circondavano. Nonostante fosse stato accolto dal suo prestigioso mecenate, il cardinale del Monte, venne regolarmente arrestato per diversi reati, come aver lanciato un piatto di carciofi in faccia a una cameriera o squarciato il mantello di un avversario durante una partita di tennis.

Questi crimini culminarono nel 1606, quando una discussione in una taverna sfociò in uno scontro con la spada in cui Caravaggio uccise il suo avversario, Ranuccio Tomassoni. Non è chiaro di cosa si trattasse la discussione mortale, con alcuni resoconti che spiegano che si trattava di una partita di tennis, mentre altri dicono che si trattava di una discussione su una donna a cui entrambi gli uomini erano interessati. Tuttavia, il risultato fu lo stesso per Tomassoni. La violenza che si è verificata quella notte ricorda la violenza che mostra nelle sue opere d'arte.

Giuditta decapita Oloferne è una scena di una storia biblica. Giuditta è una bellissima donna ebrea che vive nella città di Betulia, assediata dagli Assiri. Lascia la città, fingendo di fuggire per salvarsi la vita e dicendo al generale assiro, Oloferne, che è destinato alla vittoria. Incuriosito, lui la invita nella sua tenda, dove lei procede ad attaccarlo e a tagliargli la testa per riportarla al sovrano della sua città, aprendo la strada alla vittoria ebraica e salvando il suo popolo dalla distruzione dell'esercito assiro.

Quello di Caravaggio il dipinto è una rappresentazione eccezionalmente sanguinosa dell'evento. Giuditta e la sua ancella sembrano calme, quasi serene nelle loro espressioni, mentre l'espressione di Oloferne è inorridita dalla sua ingenuità che segnerebbe il suo destino. Il sangue sgorga dalla ferita, proiettandosi sulle lenzuola bianche. L'angolo in cui sono posizionate le sue braccia suggerisce il panico, un riconoscimento della sua sorpresa per il fatto che una donna apparentemente innocua con parole incoraggianti potesse commettere un atto così violento.

Quando Caravaggio uccise Tomassoni, fu costretto a fuggire da Roma o ad affrontare l'esecuzione. Si recò a Napoli e poi a Malta, dove ritrovò il successo artistico, nonostante l'esilio. Mentre era a Malta, gli fu commissionato di dipingere dall'Ordine dei Cavalieri di Malta La decollazione di San Giovanni Battista . Il dipinto è violento, lunatico e oscuro nel tipico stile di Caravaggio. Il movimento congelato della scena offre tensione allo spettatore mentre Giovanni Battista viene trattenuto dal suo carnefice e gli altri guardano con orrore la violenza che si verifica davanti a loro.

Ad una donna viene ordinato di appoggiare a terra una grande ciotola e viene vista nell'atto di posarla, creando un senso di tensione tra un momento e l'altro. La donna accanto a lei tiene la testa tra le mani in segno di dolore. Il sangue comincia a raccogliersi accanto al corpo di San Giovanni, già sgozzato, rendendo ancora più violenta la decapitazione che sta per avvenire, poiché la morte è già compiuta.

In cambio dell'incarico gli fu data l'appartenenza all'Ordine dei Cavalieri di Malta. La sua appartenenza creò la speranza che un giorno potesse essere graziato dal Papa per i suoi crimini. Tuttavia, queste speranze non si realizzarono a Malta quando fu espulso dall'ordine per aver avuto uno scontro fisico con un suo compagno cavaliere. Di nuovo, Caravaggio è stato costretto a trasferirsi. Viaggiò per tutta la Sicilia, accettando commissioni lungo il percorso, fino a quando tornò finalmente a Napoli. Non sorprende che mentre era a Napoli il suo carattere causò più problemi.

Nonostante i problemi di Caravaggio, i suoi dipinti non si allontanarono dai soggetti religiosi. In Le sette opere di misericordia , dipinto nel 1607, Caravaggio raffigura tutte le opere di beneficenza previste da chi segue la fede cattolica. La fede cattolica credeva che la carità e le buone opere portassero le persone in Paradiso, mentre i protestanti credevano che solo la fede avrebbe consentito l’ingresso in Paradiso.

Caravaggio giocava ancora un ruolo nella controriforma e sperava ancora nel perdono papale. Le buone opere sono elencate nel Libro di Matteo (25, 35-36): «Perché ho avuto fame e mi avete dato da mangiare, ho avuto sete e mi avete dato da bere, ero straniero e mi avete invitato avevo bisogno di vestiti e mi avete vestito, ero malato e mi avete curato, ero in carcere e siete venuti a trovarmi».

È un dipinto impressionante. Le figure del dipinto hanno tutte un ruolo nel rappresentare le buone opere richieste ai cattolici per raggiungere il Paradiso. Sullo sfondo, due uomini trasportano un cadavere verso la tomba, che secondo la credenza cattolica tutti i cristiani dovrebbero avere. Una donna allatta con il seno un prigioniero, alludendo all'antica storia di Pero, che fa visita al padre in prigione e lo mantiene in vita allattandolo. Un locandiere indirizza un cliente verso la sua locanda per fornire rifugio allo straniero, che si dice sia Cristo sotto mentite spoglie. In primo piano San Martino di Tours ha donato la veste a un uomo nudo con una gamba storta. In fondo alla scena, Sansone, figura biblica dotata di forza fisica ma debolezza morale, beve a sazietà. È possibile che Caravaggio si sia visto nel personaggio di Sansone.

La tragica fine della vita di Caravaggio

Verso la fine della sua vita, Caravaggio desiderava ritornare a Napoli ma per farlo aveva bisogno di rientrare nelle grazie del Gran Maestro. Gli ha mandato un dipinto, Salomè con la testa di San Giovanni Battista, sperando che il Gran Maestro approvasse il suo ritorno. Si tratta di un dipinto macabro che mostra Salomè che presenta a suo fratello Erode, re di Giudea, la testa del santo su un piatto lucente. Prende la testa disincarnata per i capelli, un'espressione di compiaciuta vittoria sul viso. Invece di essere accolto dal Gran Maestro per il suo dono, Caravaggio fu circondato da uomini d'arme, picchiato e gli fu squarciato il volto da una lama. Sfigurato dall'incidente, Caravaggio ricevette finalmente la notizia della sua grazia dal Papa. Finalmente poteva tornare a Roma.

Tuttavia Caravaggio non sarebbe mai arrivato a Roma. Dopo aver ricevuto la notizia della sua grazia, salpò per Roma. All'atterraggio, però, è stato arrestato per errore. La guardia spagnola aspettava un altro cavaliere, ma Caravaggio fu invece arrestato e tenuto prigioniero per un breve periodo. È stato rilasciato subito ma nella confusione aveva perso tutti i suoi effetti personali. Cercò freneticamente le sue cose sotto il sole cocente, correndo fino alla città di Porto Ercole. Fu qui che si ammalò di febbre, probabilmente malaria, e morì nel luglio del 1610.

Caravaggio visse una vita discreditata, ma nonostante le sue abitudini sgradevoli e la propensione alla violenza, era un grande e noto pittore le cui opere hanno resistito alla prova del tempo. La sua violenza era una colpa nella sua vita personale. Tuttavia, ha permesso alla sua mente di creare scene meravigliosamente violente per far divertire e riflettere i suoi clienti, affascinando continuamente coloro che le guardano.