Questi sono i 10 dipinti paesaggistici più sublimi di tutti i tempi

Wanderer Above Sea Fog di Caspar David Friedrich, 1817, via Kunsthalle Hamburg (a sinistra); White Night di Edvard Munch, 1901, via The National Museum of Art, Architecture of Design, Oslo (a destra)

I sublimi dipinti di paesaggi sono uno dei soggetti più teatrali ed emotivi della storia dell'arte, che combinano in egual misura bellezza, dramma e devastazione. Il termine 'sublime' è stato definito dal filosofo Edmund Burke Un'indagine filosofica sull'origine delle nostre idee del sublime e del bello in 1757 come bellezza intrecciata con qualcosa in più, un certo pericolo, paura o orrore, o come lui chiamava: tutto ciò che è in qualche modo terribile o conosce oggetti terribili o opera in modo analogo al terrore. Burke ha anche definito sublime non meno dell'emozione più potente che la mente possa provare: non c'è da stupirsi che gli artisti fossero desiderosi di adottare lo stile!

Sublime pittura di paesaggio attraverso la storia

Sebbene il termine sublime possa descrivere vari soggetti, i dipinti di paesaggi sublimi sono stati tra i più duraturi e accattivanti di tutti. Anche prima del famoso testo di Burke, i pittori fin dal medioevo hanno innalzato vorticose nuvole temporalesche, pareti rocciose aguzze e montagne frastagliate con cime innevate per trasmettere una meraviglia e un terrore travolgenti al pubblico affascinato. Perdiamoci in alcuni dei dipinti paesaggistici più maestosi e sublimi di tutti i tempi, dall'era rinascimentale ai tempi moderni e contemporanei.

1. Pieter Bruegel il Vecchio, Paesaggio con la fuga in Egitto, 1563

Paesaggio con la fuga in Egitto Pieter Bruegel il Vecchio , 1563, via The National Gallery, Londra

Pieter Bruegel il Vecchio, Paesaggio con la fuga in Egitto, 1563 caratterizza la sublime pittura di paesaggio del Rinascimento settentrionale , combinando paesaggi mozzafiato con narrativa religiosa. Le minuscole figure di Maria e Giuseppe barcollano lungo una pericolosa parete rocciosa in primo piano, in fuga dalle persecuzioni a Betlemme. Lo scenario è strettamente legato alla loro storia poiché uno scenario pallido e distante rappresenta la terra familiare che si stanno lasciando alle spalle, mentre il primo piano oscuro e inquietante verso il quale si dirigono è avvolto dall'oscurità e dal pericolo dell'ignoto. Breughel ha cercato di contrastare le aree di immobilità e movimento all'interno di questa singola immagine, dipingendo le rocce e le montagne come una costante costante e immobile, rispetto al movimento costante dell'acqua, delle persone e degli uccelli. Questo equilibrio di opposti tra oscurità/luce, fragilità/permanenza e immobilità/movimento è il motivo per cui questo sublime dipinto di paesaggio è diventato una delle immagini più durature di tutti i tempi.

2. Philip James De Loutherbourg, Una valanga nelle Alpi, 1803

Una valanga nelle Alpi Filippo Giacomo De Loutherbourg , 1803, via Tate, Londra

Dipinse il britannico Philip James De Loutherbourg, nato in Francia Una valanga nelle Alpi nel 1803, in un'epoca pittoresca ma pericolosa Alpi francesi erano un'incarnazione sempre più popolare del paesaggio sublime. Oltre che come pittore, De Loutherbourg ha lavorato al chiaro di luna come scenografo teatrale, un ruolo che gli ha permesso di investire un dramma travolgente nelle sue tele attraverso luci, profondità e movimento. Qui le lontane montagne francesi stanno cominciando a sgretolarsi in una valanga, gettando spaventosamente enormi nuvole di polvere e fumo fluttuanti sulla scena e oscurando il cielo sopra. Un lampo di luce bianca al centro attira la nostra attenzione sui minuscoli, terrorizzati spettatori che sono minuscoli di fronte alle rocce che cadono intorno a loro, che presto saranno distrutti dalle forze elementari della natura.

Ti piace questo articolo?

Iscriviti alla nostra newsletter settimanale gratuitaGiuntura!Caricamento in corso...Giuntura!Caricamento in corso...

Controlla la tua casella di posta per attivare l'abbonamento

Grazie!

3. Joseph Mallord William Turner, Tempesta di neve: Annibale e il suo esercito attraversano le Alpi, 1812

Tempesta di neve: Annibale e il suo esercito attraversano le Alpi di Joseph Mallord William Turner , 1812, via Tate, Londra

JMW di Turner Tempesta di neve: Annibale e il suo esercito attraversano le Alpi, 1812, caratterizza la straziante bellezza del il romanticismo era , con nubi temporalesche mostruose e arcuate che volano sopra le piccole persone sottostanti. Dedicato ad Annibale Barca, Comandante di l'esercito cartaginese nel 200-100 a.C., il dipinto ritrae i soldati di Annibale che tentano di attraversare le Alpi nel 218 a.C., con le tribù salassiane che combattono la retroguardia di Annibale. Qui la tempesta diventa una potente metafora di una lotta pericolosa per la vita mentre nuvole nere e arrabbiate formano un terrificante vortice vorticoso che respinge i minuscoli soldati indifesi. In lontananza, il sole è una sfera luminosa di luce ipnotizzante, un barlume di speranza in mezzo alla tragedia della guerra. Ma al di là dei riferimenti narrativi, questo sublime paesaggio di Turner è in definitiva una riflessione sulla brutalità pura e distruttiva della natura, che minaccia di inghiottire insensibile le persone sottostanti.

4. Caspar David Friedrich, Vagabondo sopra la nebbia del mare, 1817

Vagabondo sopra la nebbia del mare Caspar David Friedrich , 1817, via Kunsthalle Hamburg

Uno dei paesaggi più iconici e sublimi di tutti i tempi, il pittore tedesco Caspar David Friedrich, Vagabondo sopra la nebbia del mare, 1817, racchiude lo spirito sognante idealistico di Romanticismo europeo . In piedi da solo su un'alta roccia scura, una figura solitaria contempla il suo posto nell'universo, mentre la foschia brulica sulle valli lontane e sulle montagne al di là. Friedrich trasmette qui il paesaggio sublime come un terreno inospitale e inconoscibile, che riflette il fascino del diciannovesimo secolo per la natura selvaggia e sfrenata.

In contrasto con altri artisti dell'epoca che tendevano a creare piccole figure per enfatizzare la grandezza del paesaggio, Friedrich attribuisce alla sua figura un ruolo centrale ma se visto da dietro mantiene il suo anonimato di 'vagabondo' astratto, fungendo da simbolo per tutti sognatori malinconici del diciannovesimo secolo e oltre. La scena è una visione immaginaria della campagna montuosa della Germania; per creare tali luoghi mistici Friedrich cercò dentro di sé, scrivendo: Chiudi il tuo occhio fisico, in modo che tu possa vedere prima la tua immagine con l'occhio spirituale. Quindi porta ciò che hai visto nel buio nella luce, affinché abbia effetto sugli altri, risplendendo dall'esterno verso l'interno.

5. Karl Eduard Biermann, Il Wetterhorn, 1830

Il Wetterhorn Karl Eduard Biermann , 1830, via Alte Nationalgalerie, Berlino

di Karl Eduard Biermann Il Wetterhorn, 1830, racchiude il sublime stile di pittura paesaggistica del pittore tedesco, con un terreno vasto e accidentato immerso in una drammatica illuminazione teatrale. Il primo piano scosceso è dipinto con cura in ricchi toni scuri di verde e marrone, che ci guidano verso una fascia di alberi e rocce che scompaiono nell'ombra nera. Sullo sfondo un'epica catena montuosa è illuminata da un raggio di sole, sottolineando le sue gelide e appuntite guglie come un luogo mistico e irraggiungibile, mentre le nuvole sciamano sopra come se minacciassero di scatenare una tempesta. Come molti pittori romantici, Biermann sottolinea lo stupore, la meraviglia e la dimensione terrificante della scena ponendo in primo piano due minuscole figure che ci permettono di immaginarci nel mezzo della scena. Tentano di arrampicarsi su rocce irregolari ed erba paludosa, mentre una cascata arrabbiata sgorga oltre di loro e cattura la luce come un lampo, spezzando il loro pericoloso viaggio.

6. Arnold Böcklin, L'isola dei morti, 1880

L'isola dei morti di Arnold Böcklin , 1880, tramite The Metropolitan Museum of Art, New York

Uno dei dipinti paesaggistici più inquietanti e sublimi mai realizzati, quello del pittore tedesco Arnold Bocklin L'isola dei morti, 1880, racconta un'isola immaginaria che sorge dal mare contro un cielo cupo e minaccioso. Il dipinto è stato commissionato da Marie Berna, recentemente rimasta vedova, che ha richiesto solo un quadro su cui sognare. Rispondendo alla sua richiesta, Bocklin ha investito la sua immagine con allusioni alla morte e al lutto. In primo piano, una figura bianca spettrale è guidata verso l'isola su una piccola barca a remi accanto a un oggetto che ricorda una bara. Il vogatore è stato paragonato all'antico carattere greco di Caronte il barcaiolo , che traghettò le anime dei morti attraverso il fiume Stige nell'Ade. Lungo l'isola ci sono file di cipressi minacciosamente scuri tradizionalmente associati ai cimiteri, mentre le rocce frastagliate e luminose al di là sono tagliate da porte e finestre sepolcrali. In contrasto con molti paesaggi sublimi, l'immobilità spettrale pervade la scena, conferendole un silenzio inquietante; Lo stesso Bocklin ha persino descritto il lavoro come così silenzioso che ti saresti spaventato quando bussava alla porta.

7. Edvard Munch, Notte Bianca, 1901

notte Bianca Edvard Munch , 1901, via The National Museum of Art, Architecture and Design, Oslo

Edvard Munch fatto Notte Bianca, 1901 nella sua successiva carriera, in un momento in cui aveva abbandonato la figurazione a favore di paesaggi suggestivi, ma rimaneva la stessa pervadente ansia della sua arte precedente. Questo sublime dipinto di paesaggio ritrae la sua nativa Norvegia nel cuore dell'inverno, guardando un fiordo ghiacciato attraverso alberi minacciosamente scuri. Una foresta di abeti forma un bordo frastagliato affilato come il bordo di una sega, un avvertimento del pericoloso ghiaccio al di là. Gli alberi neri in primo piano suggeriscono volti o creature fantasma ma sono appena riconoscibili sotto il mantello del calar della notte. Combinando la scintillante luce lunare con queste qualità di pericolo e minaccia, la scena invernale notturna di Munch cattura la sublime bellezza dell'inverno norvegese. Riflettendo sui modi in cui le sue scene di paesaggio potrebbero fondere le osservazioni con la mente interiore, Munch ha scritto: La natura non è solo tutto ciò che è visibile agli occhi... ma include anche le immagini interiori dell'anima.

8. Akseli Gallen-Kallela, Lago Keitele, 1904

Lago Bollire di Akseli Gallen-Kallela , 1904, via The National Gallery, Londra

Askeli Gallen-Kallela Lago Keitele, 1904, trasmette il famoso lago Finish come un affascinante specchio di luce attraversato da correnti di vento a zig zag. Il dipinto è stato realizzato in un momento in cui un crescente desiderio di indipendenza si sentiva in tutta la Finlandia. Celebrando la grande natura selvaggia incontaminata del paese, questo sublime dipinto di paesaggio è diventato un potente simbolo del nazionalismo e dell'orgoglio finlandese. Sebbene non vi sia alcun segno di vita umana, le correnti naturali di movimento viste scorrere attraverso l'acqua erano una caratteristica ben nota del lago. Queste striature di movimento erano così storicamente note che nell'antica cultura finlandese erano legate al carattere mitologico di Väinämöinen , che si diceva lasciasse increspature mentre attraversava il lago. Queste sottili rappresentazioni del movimento contenevano un grande simbolismo nazionalista per Gallen-Kallela, celebrando la bellezza misteriosa ed enigmatica dell'antica cultura finlandese e i suoi stretti legami con la terra. Li ha descritti come, strisce argentate sulla superficie dell'acqua serena sono le onde che annunciano la passione a venire.

9. Tommaso Moran, Il Grand Canyon del Colorado, 1904

Il Grand Canyon del Colorado di Tommaso Moran , 1904, tramite Christie's

Da Thomas Moran Il Grand Canyon del Colorado, 1904, la vasta estensione di questo famoso parco nazionale viene trasmessa su un'enorme scala panoramica di sette piedi per dieci. Leader sia della Hudson River che della Rocky Mountain Schools, il pittore americano Moran è rimasto così affascinato dal terreno incontaminato pericolosamente bello del Colorado che si è immerso profondamente in un paesaggio in cui pochi si erano avventurati prima di lui, dipingendo più di trenta scene catturando questo paesaggio unico e sublime . Osservando affascinato il grande spazio aperto dietro di lui, scrisse, la sua straordinaria architettura riempie di meraviglia e ammirazione, e il suo colore, le sue forme e l'atmosfera sono così incantevoli che, per quanto si possa viaggiare, si apre un nuovo mondo a lui quando guarda nel Grand Canyon.

Questa scena trasmette una visione idealizzata e romanzata del Grand Canyon mentre rocce aguzze cadono dentro e fuori dalla luce prima di svanire nel lontano orizzonte, mentre una tempesta invadente si fa strada sopra di noi. Il pubblico è rimasto così abbagliato dai ritratti di Moran della grande regione selvaggia americana che oggi è accreditato di aver influenzato la creazione di il sistema dei parchi nazionali che ha preservato l'integrità del paesaggio sublime dell'America.

10. Peter Doig, Giacca da sci, 1994

Giacca da sci di Peter Doig , 1994, via Tate, Londra

Pittore scozzese di Peter Doig Giacca da sci, 1994, è una raffica di energia e movimento con picchi di neve. Basato su un'immagine fotografica con studenti di sciatori sparsi su una montagna giapponese, Doig distorce e sconvolge deliberatamente l'immagine originale, tagliandola in due parti al centro e rimontandola per creare un'immagine stranamente specchiata Rorschach effetto. Doig è noto per la fusione di materiale fotografico con segni pittorici, consentendo ai due stili in conflitto di giocare l'uno sull'altro come si vede in questa immagine, dove gli alberi accuratamente dipinti sono circondati da lavaggi a strati di rosa, bianco e verde. Questi passaggi acquosi di pittura suggeriscono le qualità fredde e scivolose del ghiaccio e della neve che permeano l'immagine e le conferiscono una pericolosa incertezza, rafforzando la paura dei piccoli sciatori che lottano contro il terreno insidiosamente ripido che li circonda.

Eredità della pittura di paesaggio sublime

Il sublime fu dichiarato 'obsoleto' nel 19° secolo, svanendo a favore dell'impressionismo francese. Tuttavia, la pittura di paesaggio sublime è tornata alla ribalta nel 20° secolo, quando gli espressionisti astratti hanno esplorato gli stessi temi esistenzialisti e trascendenti nella loro pittura. Artisti come Mark Rothko, Clyfford Still e Robert Smithson hanno tutti utilizzato elementi del sublime nel loro lavoro.