10 artisti LGBTQIA+ che dovresti conoscere

Romanzo giamaicano di Felix d'Eon, 2020 (a sinistra); insieme a Amore a caccia di Felix d'Eon, 2020 (a destra)

Nel corso della storia e nel presente, l'arte ha funzionato come fonte di solidarietà e liberazione per le persone nella comunità LGBTQIA+. Non importa da dove provengano l'artista o il pubblico nel mondo o quali ostacoli possano aver dovuto affrontare come persone LGBTQIA+, l'arte è il ponte per riunire persone di ogni ceto sociale. Ecco un assaggio di dieci straordinari artisti LGBTQIA+ che usano la loro arte per connettersi al loro pubblico queer ed esplorare le proprie identità uniche.

Per prima cosa, diamo un'occhiata a cinque artisti deceduti che hanno aperto la strada agli artisti LGBTQIA+ di oggi. Indipendentemente dal clima sociale o politico che li circonda, hanno superato quegli ostacoli per creare arte che parlasse alla loro identità e al pubblico LGBTQIA+.

Artisti LGBTQIA+ del XIX secolo

Simeone Salomone (1840-1905)

Simeone Salomone , tramite The Simeon Solomon Research Archive

Considerato da alcuni studiosi come il Preraffaellita Dimenticato , Simeon Solomon era un artista ebreo in Inghilterra alla fine del XIX secolo. Solomon era una persona straordinaria che, nonostante le numerose sfide che ha dovuto affrontare, ha continuato a produrre bellissime opere d'arte che avrebbero esplorato la sua identità unica e sfaccettata.

In Saffo ed Erinna , una delle opere più famose di Salomone, il Saffo poeta greco , una persona leggendaria che è diventata sinonimo della sua identità lesbica, sta condividendo un momento tenero con l'amante Erinna. I due condividono esplicitamente un bacio: questa scena morbida e romantica non lascia molto spazio a interpretazioni eterosessuali.

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Saffo ed Erinna in un giardino a Mitilene di Simeone Salomone , 1864, via Tate, Londra

Sensuale vicinanza fisica, figure androgine e ambienti naturali sono tutti elementi utilizzati dal Preraffaelliti , ma Solomon ha usato questo stile estetico per rappresentare persone come lui e per esplorare il desiderio omoerotico e il romanticismo. Alla fine Salomone sarebbe stato arrestato e imprigionato per tentata sodomia, e in questo momento sarebbe stato rifiutato dall'élite artistica, inclusi molti degli artisti preraffaelliti a cui era arrivato a guardare. Per molti anni ha vissuto in povertà ed esilio sociale, tuttavia ha realizzato opere d'arte con temi e figure LGBTQIA+ fino alla sua morte.

Violet Oakley (1874-1961)

Dipinto di Violet Oakley , via The Norman Rockwell Museum, Stockbridge

Se hai mai camminato per le strade e visitato i siti storici della città di Filadelfia, in Pennsylvania, molto probabilmente ti sei trovato faccia a faccia con una serie di opere di Violet Oakley . Nato nel New Jersey e attivo a Filadelfia all'inizio del XX secolo, Oakley è stato un pittore, illustratore, muralista e artista del vetro colorato. Oakley è stato ispirato dai preraffaelliti e dal Movimento Arti e Mestieri , attribuendo la sua gamma di abilità.

Oakley è stato incaricato di realizzare una serie di murales per l'edificio del Campidoglio della Pennsylvania che avrebbe richiesto 16 anni per essere completato. Il lavoro di Oakley faceva parte di altri importanti edifici di Filadelfia, come la Pennsylvania Academy of Fine Arts, la First Presbyterian Church e la Charlton Yarnell House. La Charlton Yarnell House, o La casa della saggezza , come veniva chiamato, contiene una cupola in vetro colorato e murales tra cui Il bambino e la tradizione .

Il bambino e la tradizione di Violet Oakley , 1910-1911, via Woodmere Art Museum, Filadelfia

Il bambino e la tradizione è un perfetto esempio di Oakley lungimiranza prospettiva presente in quasi tutte le sue opere. Murales contenenti visioni di un mondo femminista in cui uomini e donne esistono allo stesso modo e in cui una scena domestica come questa è rappresentata in una luce intrinsecamente strana. Due donne allevano il bambino e sono circondate da figure allegoriche e storiche che simboleggiano un'educazione diversificata e progressiva.

Nella vita di Oakley, avrebbe ricevuto alte medaglie d'onore, ricevuto importanti commissioni e insegnato alla Pennsylvania Academy of Fine Arts, diventando la prima donna a fare molte di queste cose. Ha fatto tutto questo e molto altro con il supporto del suo compagno di vita, Edith Emerson , altro artista e docente al PAFA. L'eredità di Oakley è quella che definisce la città di Filadelfia fino ad oggi.

Artisti LGBTQIA+ del XX secolo

Claude Caun (1894-1954)

Senza titolo (Autoritratto con specchio) di Claude Cahun e Marcel Moore , 1928, tramite il San Francisco Museum of Modern Art

Claude Caun è nata a Nantes, in Francia, il 25 ottobre 1894 come Lucy Renee Mathilde Schwob. All'inizio dei vent'anni, avrebbe preso il nome di Claude Cahun, scelto per la sua neutralità di genere. Nel XIX e inizio XX secolo , la Francia era ricca di persone che mettevano in discussione le norme sociali, come l'identità di genere e la sessualità, dando a persone come Cahun lo spazio per esplorare se stesse.

Cahun si è occupata principalmente di fotografia, sebbene abbia anche recitato in opere teatrali e varie performance artistiche. Surrealismo ha definito gran parte del suo lavoro. Usando oggetti di scena, costumi e trucco, Cahun avrebbe preparato il terreno per creare ritratti che avrebbero sfidato il pubblico. In quasi tutti gli autoritratti di Cahun, guarda direttamente lo spettatore, come in Autoritratto con specchio , dove prende un motivo stereotipicamente femminile di uno specchio e lo evolve in un confronto sul genere e sul sé.

Claude Cahun [sinistra] e Marcel Moore [destra] al lancio del libro di Cahun Aveux non Avenus , tramite Daily Art Magazine

Negli anni '20, Cahun si trasferì a Parigi con Marcel Moore, il suo compagno di vita e collega artista. La coppia avrebbe collaborato per il resto della loro vita nell'arte, nella scrittura e nell'attivismo. Durante la seconda guerra mondiale, quando i tedeschi iniziarono ad occupare la Francia, i due si trasferirono a Jersey, dove combatterono instancabilmente contro i tedeschi scrivendo poesie o stampando notizie britanniche sui nazisti e collocando questi volantini in luoghi pubblici perché i soldati nazisti potessero leggerli.

Beauford Delaney (1901-1979)

Beauford Delaney nel suo studio , 1967, tramite il New York Times

Beauford Delaney era un pittore americano che ha usato il suo lavoro per comprendere e far fronte alle sue lotte interne che circondano la sua sessualità. Nato a Knoxville, nel Tennessee, la sua visione artistica lo avrebbe portato a New York durante il Rinascimento di Harlem , dove avrebbe fatto amicizia con altri creativi come lui, come James Baldwin.

Ho appreso della luce da Beauford, dice Delaney Baldwin in un'intervista per la rivista Transizione nel 1965 . La luce e l'oscurità giocano un ruolo importante in Delaney's Espressionista dipinti, come questo Auto ritratto del 1944. In essa si nota subito lo sguardo suggestivo. Gli occhi di Delaney, uno nero e uno bianco, sembrano richiamare la tua attenzione e costringerti a contemplare le sue lotte e i suoi pensieri, e rivelano al pubblico un luogo trasparente e vulnerabile.

Autoritratto di Beauford Delaney, 1944 tramite The Art Institute of Chicago

Delaney ha usato la sua arte anche per discutere di questioni universali. Ha realizzato dipinti della figura chiave dei diritti civili Rosa Parks, nella sua serie Rosa Parks. In uno dei primi schizzi di uno di questi dipinti, Parks è seduto da solo su una panchina di un autobus e ha scritto accanto a lei le parole Non mi commuovo. Questo potente messaggio risuona in tutte le opere di Delaney e continua a plasmare la sua eredità ispiratrice.

Tove Jansson (1914-2001)

Trove Jansson con una delle sue creazioni , 1954, tramite The Guardian

Tove Jansson era un'artista finlandese nota soprattutto per lei Mumin fumetti, che seguono le avventure dei troll di Moomin. Sebbene i fumetti siano più adatti ai bambini, le storie e i personaggi affrontano una serie di temi per adulti, rendendoli popolari tra i lettori di tutte le età.

Jansson ha avuto relazioni con uomini e donne nella sua vita, ma quando ha frequentato a Festa di Natale nel 1955 , ha incontrato la donna che sarebbe stata la sua compagna di vita, TuulikkiPietilä. Pietilä era lei stessa un'artista grafica e insieme avrebbero fatto crescere il mondo dei Moomin e avrebbero usato il loro lavoro per parlare della loro relazione e delle lotte per essere queer in un mondo non così accomodante.

Moomintroll e Too-ticky in Moominland Winter di Tove Jansson , 1958, tramite il sito web ufficiale di Moomin

Ci sono molti parallelismi tra i personaggi di Moominvalley e le persone nella vita di Jansson. Il personaggio Moomintroll [a sinistra] rappresenta la stessa Tove Jansson e il personaggio Too-Ticky [a destra] rappresenta il suo partner Tuulikki.

Nella storia Moominland inverno , i due personaggi parlano della strana e insolita stagione invernale e di come alcune creature possano uscire allo scoperto solo durante questo periodo tranquillo. In questo modo, la storia descrive abilmente l'esperienza LGBTQIA+ universale di essere chiusi, uscire allo scoperto e avere la libertà di esprimere la propria identità.

Ora, diamo un'occhiata a cinque artisti impenitenti che usano la loro arte oggi per dire le loro verità. Puoi scoprire di più e persino supportare alcune di queste persone nei link incorporati di seguito.

Artisti LGBTQIA+ contemporanei che dovresti conoscere

Mickalene Thomas (New York, USA)

Nato a Camden, New Jersey e attivo ora a New York, Mickalene Thomas Collage, murales, foto e dipinti audaci mostrano persone LGBTQIA+ nere, in particolare donne, e cercano di ridefinire il mondo dell'arte spesso bianco/maschile/eterosessuale.

Pranzo sull'erba: le tre donne nere di Mickalene Thomas , 2010, tramite il sito web di Mickalene Thomas

La composizione di Le tre donne nere potrebbe sembrarti familiare: quello di Édouard Manet Pranzo sull'erba, o Pranzo sull'erba , è un'immagine speculare del dipinto di Thomas. Portare opere d'arte nel corso della storia che sono considerate capolavori e creare arte che parli a un pubblico più diversificato è una tendenza nell'arte di Thomas.

In un colloquio con il Seattle Art Museum, Thomas dice:

Stavo guardando figure occidentali come Manet e Courbet per trovare una sorta di connessione con il corpo in relazione alla storia. Perché non stavo vedendo il corpo nero scritto sull'arte storicamente, in relazione al corpo bianco e al discorso, non c'era nella storia dell'arte. E quindi l'ho messo in dubbio. Ero solo molto preoccupato per quello spazio particolare e per come fosse vuoto. E volevo trovare un modo per rivendicare quello spazio, per allineare la mia voce e la storia dell'arte ed entrare in questo discorso.

Mickalene Thomas davanti al suo lavoro , 2019, tramite Town and Country Magazine

Thomas prende soggetti come il nudo femminile, uno che è spesso sotto lo sguardo maschile, e li restituisce. Fotografando e dipingendo amici, familiari e amanti, Thomas crea una vera connessione con le persone a cui cerca l'ispirazione artistica. Il tono del suo lavoro e dell'ambiente in cui lo crea non è di obiettività, ma piuttosto di liberazione, celebrazione e comunità.

Zane Muholi (Umlazi, Sud Africa)

Somnyama Ngonyama II, Oslo di Zane Muholi , 2015, via Seattle Art Museum

Un artista e attivista , Muholi utilizza la fotografia intima per creare acquisizioni affermative e avviare discussioni oneste su persone transgender, non binarie e intersessuali. Che si tratti di una scena di risate e semplicità, o di un ritratto crudo dell'individuo impegnato in rituali esplicitamente transgender come la legatura, queste foto danno luce alla vita di queste persone spesso cancellate e messe a tacere.

Vedendo le foto di persone trans, non binarie e intersessuali che sono semplicemente se stesse e svolgono la routine quotidiana, gli altri spettatori LGBTQIA+ possono provare solidarietà e convalida nelle loro verità visive.

Crisi dell'identità , da Solo metà dell'immagine serie di Zanele Muholi , 2003, via Tate, Londra

Crisi dell'identità mostra un individuo impegnato nella pratica dell'associazione, a cui molte persone trans e non binarie possono relazionarsi. Muholi cattura spesso questo tipo di atti e, in questa trasparenza, illumina l'umanità delle persone trans ai loro spettatori, indipendentemente da come si identifichino. Muholi crea nel loro lavoro una rappresentazione onesta, vera e rispettosa, e quel tipo di lavoro è fondamentale. L'arte di Zanele Muholi è stata esposta in importanti musei come il Tate , il Guggenheim , e il Museo d'Arte di Johannesburg.

Kjersti Faret (New York, USA)

Kjersti Faret lavora nel suo studio , tramite il sito web di Cat Coven

Kjersti Faret è un'artista che si guadagna da vivere vendendo le sue opere d'arte su abbigliamento, toppe, spille e carta, tutte serigrafate a mano. Il suo lavoro è in gran parte ispirato da manoscritti medievali, Art Nouveau , la sua eredità norvegese, l'occulto e, in particolare, i suoi gatti. Utilizzando un'estetica ispirata ai movimenti artistici del passato e con un tocco magico, Faret crea scene di incanto, umorismo e, spesso, rappresentazione queer.

Nella sua pittura, Amanti , Faret crea una scena da favola stravagante di una storia d'amore lesbica con un'arpia. Faret condivide i suoi pensieri sul dipinto sulla sua pagina Instagram @cat_coven :

È iniziato come un taglio di carta sperimentale, solo dell'arpia marrone dorato. Una volta che aveva quasi finito, volevo creare un ambiente in cui ambientarla. Ho anche sentito il bisogno di fare dell'arte gay, e così è nato il suo amante. Ho lasciato che il mio subconscio mi guidasse nel viaggio per finire l'illustrazione. Spontaneamente ho creato piccole creature per abitare il mondo, per tifare gli amanti. Immagino questo come il momento dopo la loro epica storia d'amore in cui finalmente finiscono insieme, quel momento prima che si baciano e The End scarabocchi sullo schermo. Una celebrazione dell'amore omosessuale.

Amanti di Kjersti Faret , 2019, tramite il sito Web di Kjersti Faret

L'anno scorso, Faret ha ospitato una sfilata di moda e arte a Brooklyn con altri creativi queer chiamati the Serraglio mistico .Sulla passerella sono stati esposti abiti e costumi fatti a mano ispirati all'arte medievale, e c'erano anche stand per decine di artisti locali per esporre e vendere le loro opere. Faret continua ad aggiornarla negozio d'arte regolarmente, creando di tutto, dal primo schizzo al pacco stravagante che arriva nella tua casella di posta.

Shock McDaniel (Florida, USA)

Shock McDaniel , tramite il sito web di Shock McDaniel

Shoog McDaniel è un fotografo non binario che crea immagini straordinarie che ridefiniscono la grassezza e celebrano corpi di tutte le dimensioni, identità e colori. Portando i modelli in vari ambienti esterni, come un deserto roccioso, una palude della Florida o un giardino di fiori, McDaniel trova parallelismi armoniosi nel corpo umano e nella natura. Questa potente azione afferma che il grasso è naturale, unico e bello.

In un colloquio con Teen Vogue, McDaniel condivide i suoi pensieri sul parallelo tra gente grassa/queer e natura:

In realtà sto cercando di lavorare su questo libro sui corpi chiamati Corpi come oceani ... Il concetto è che i nostri corpi sono vasti e belli e, come un oceano, sono pieni di diversità. Fondamentalmente è solo un commento su ciò che attraversiamo ogni giorno e sulla bellezza che abbiamo e che non si vede. Questo è ciò che metterò in evidenza e le parti del corpo, farò foto dal basso, farò foto di lato, mostrerò le smagliature.

Tocco di Shoog McDaniel , tramite il sito Web di Shock McDaniel

Tocco , una delle tante foto di McDaniel che ritraggono modelli sott'acqua, mostra il gioco di gravità dei corpi grassi che si muovono naturalmente nell'acqua. Puoi vedere i rotoli, la pelle morbida e il tira e molla mentre le modelle nuotano. La missione di McDaniel di catturare persone grasse/queer in ambienti naturali produce a dir poco opere d'arte magiche che danno solidarietà alle persone grasse LGBTQIA+.

Felice d'Eon (Città del Messico, Messico)

Felice d'Eon , tramite Nailed Magazine

Felix d'Eon è un artista messicano dedito all'arte dell'amore queer, (da il suo Instagram bio) e veramente, il suo lavoro rappresenta l'ampio spettro di persone LGBTQIA+ provenienti da tutto il mondo. Un pezzo potrebbe essere di a persona Shoshone a due spiriti , una coppia ebrea gay o un gruppo di satiri e fauni trans che si divertono nei boschi. Ogni dipinto, illustrazione e disegno è unico e, indipendentemente dal tuo background, identità o sessualità, sarai in grado di ritrovarti nelle sue opere.

C'è sicuramente una consapevolezza della storia dell'arte nell'arte di d'Eon. Ad esempio, se sceglie di dipingere una coppia giapponese del 19° secolo, lo farà nello stile di Ukiyo-E stampe xilografiche. Realizza anche fumetti in stile metà secolo, con supereroi gay e cattivi. A volte prenderà un personaggio storico, forse un poeta e crea un pezzo basato su una poesia che hanno scritto. Una grande sfaccettatura del lavoro di d'Eon è di messicano tradizionale e folclore e mitologia azteca, e di recente ha creato un intero mazzo di tarocchi aztechi.

La serenata di Felix d'Eon

Felix d'Eon crea arte che celebra tutte le persone LGBTQIA+ e le colloca in ambienti contemporanei, storici o mitologici. Ciò consente al suo pubblico LGBTQIA+ di vedersi all'interno della narrativa della storia dell'arte. Questa missione è vitale. Dobbiamo esaminare l'arte del passato e ridefinire l'arte del presente per creare un futuro artistico onesto, inclusivo e accettante.