Arte espressionista astratta per manichini: una guida per principianti

Donne I di Willem de Kooning, 1950-52; Senza titolo di Mark Rothko, 1947; Composizione di Joan Mitchell, 1960; Il cancello di Hans Hofmann, 1950

L'arte espressionista astratta è emersa nell'era del secondo dopoguerra, con sede a New York City. Dati gli sconvolgimenti in Europa causati dalla guerra e la chiusura mentale politica, molti artisti dall'Europa emigrarono negli Stati Uniti, in particolare a New York, per sfuggire alla persecuzione personale e alle restrizioni sul loro metodo creativo. Ciò significava che New York sarebbe stata imbevuta delle idee di astrazione del modernismo europeo come si vede nelle idee artistiche di Cubismo e l'ingegno dietro gli approcci artistici, come si può vedere in Surrealismo .

Isole gialle di Jackson Pollock , 1952, via Tate, Londra

New York City divenne, allora, un luogo di sperimentazione artistica. Si sentiva che era necessario un nuovo stile di pittura per esprimere l'ambiente sociale. L'economia statunitense potrebbe aver iniziato a prosperare dopo la seconda guerra mondiale, ma questo non significa che lo spirito del tempo fosse di gioia. Infatti, dopo le atrocità della guerra, sembrava offensivo dipingere in maniera tradizionalista; era necessario qualcos'altro per ringiovanire la mancanza di significato spirituale nella vita del dopoguerra.

Donne I di Willem de Kooning , 1950-52, via MoMA, New York

Questo desiderio di esprimere, e il desiderio di ringiovanimento spirituale, è stata la caratteristica fondamentale dell'arte espressionista astratta. Pittori con questo titolo come Jackson Pollock e Marco Rothko cercavano di accedere a un modo di dipingere che influenzasse la natura primaria della creatività, della spontaneità e del sentimento umano; qualcosa che tutti abbiamo condiviso. Hanno gestito questo metodo attraverso l'ingegnosità stilistica che speravano avrebbe trasceso la loro individualità.

Contestualizzare l'arte espressionista astratta

Uomo nudo con coltello di Jackson Pollock , 1938-40, via Tate, Londra; insieme a Il cancello di Hans Hofmann , 1950, tramite il Guggenheim Museum, New York

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Molti degli artisti espressionisti astratti stavano emergendo negli anni '30, uscendo dalla Grande Depressione. I due principali movimenti artistici americani erano Regionalismo e Realismo sociale . Questi movimenti erano troppo esplicitamente politici e culturalmente isolati per quello che stavano cercando i fiorenti espressionisti astratti.

I movimenti modernisti dall'Europa avevano iniziato ad essere esposti a New York all'inizio degli anni '30. Questi movimenti includevano il cubismo, l'espressionismo tedesco, dadaista e Surrealismo . Alla fine degli anni '30 fu allestito un museo per esporre dipinti non oggettivi, come quelli di Wassily Kandinsky . Anche gli espatriati dall'Europa stavano iniziando a venire e insegnare aspetti dell'arte moderna, come Hans Hofmann.

Il volo di un uccello sulla pianura III di Joan Mirò , 1939; insieme a Il bacio di Max Ernst , 1927, tramite il Guggenheim Museum, New York

Gli emigrati surrealisti dall'Europa furono particolarmente influenti nella formazione dell'espressionismo astratto; André Breton , il fondatore del Surrealismo, Salvador Dalì e Massimo Ernesto tutti erano emigrati negli Stati Uniti. La filosofia e le tecniche del Surrealismo hanno influenzato il modo in cui gli espressionisti astratti avrebbero formato la loro arte.

L'attenzione dei surrealisti sulla mente inconscia e la primalità delle emozioni umane si adattano alla missione degli espressionisti astratti. La tecnica surrealista per 'attingere' alla mente inconscia, Automatismo psichico , giocherebbe un ruolo importante nell'estetica dell'arte espressionista astratta.

La seconda guerra mondiale divenne la spinta definitiva alla formazione dei sentimenti dell'arte espressionista astratta. La guerra è arrivata come uno spettro terrificante di ciò che si nascondeva nel cuore dell'umanità. Era difficile conciliare tele chiare e realistiche con l'orrore dell'omicidio santificato in tutto il mondo.

La formazione dell'espressionismo astratto

Paesaggio gotico di Lee Krasner , 1961, via Tate, Londra

Gli anni del dopoguerra negli Stati Uniti furono un periodo di conservatorismo politico e paranoia. Era iniziata la Guerra Fredda che ha portato a una caccia alle streghe comunista da parte del senatore Giuseppe McCarthy . Gli aspetti della vita degli Stati Uniti sembravano dorati da un'economia fiorente e dalla vita suburbana mentre il cuore della materia rimaneva insicuro e fragile.

Le tensioni create in questo periodo sono riscontrabili nella musica e nella letteratura dell'epoca. Jazz, soprattutto Jazz be-bop , emergente negli anni '50, offriva un'esperienza uditiva di improvvisazione simile alla libertà. Qualcosa di simile stava accadendo anche nella poesia con il Batti il ​​movimento che ha cercato di replicare il jazz e la spontaneità nei loro versi. Possiamo vedere ora che la mancanza di libertà e il rilascio dalla tensione frustrata permeavano le arti in questo momento.

Merione di Franz Kline , 1960-61, via Tate, Londra; insieme a Composizione di Joan Mitchell , 1960, tramite il Guggenheim Museum, New York

Non c'è quindi da stupirsi che il surrealismo fosse intrigante per gli espressionisti astratti. Il surrealismo voleva liberare la psiche sintetizzando la mente inconscia con la mente conscia; liberare l'individuo dalla sua obbedienza repressa. L'espressionismo astratto desiderava esprimere e indurre liberamente lo stesso nei suoi spettatori. Tuttavia, c'è una notevole differenza tra il surrealismo e l'espressionismo astratto in termini di filosofia in quanto il primo salutava Sigmund Freud mentre il secondo era più interessato a Carlo Jung e la sua teoria dell'Inconscio Collettivo.

L'Inconscio Collettivo ha cercato di mostrare che condividiamo tutti una comunanza di significato simbolico nella nostra mente inconscia; questi simboli hanno un significato così potente per noi perché indicano la natura primordiale dell'essere umano. D'ora in poi, i primi lavori dell'Espressionismo astratto cercavano ispirazione da forme arcaiche per evocare questo senso di primordiale. Questi artisti stavano esplorando e, in quell'esplorazione, hanno creato opere d'arte. Cercavano l'immediatezza e un'immagine di spontaneità nella loro pittura che speravano rivelasse il significato simbolico a se stessi e allo spettatore.

Il metodo dell'arte espressionista astratta

Senza titolo (verde argento) di Jackson Pollock , 1949, via Guggenheim Museum, New York

Una svolta nella tecnica si è verificata nell'arte espressionista astratta quando il pittore Jackson Pollock ha iniziato a creare composizioni gocciolando vernice diluita su una tela. I dipinti sembravano privi di oggetto, soggetto e tecnica. La tela era enorme e piena delle gocce di vernice spontanee di Pollock.

Pollock non era solo, pittori contemporanei come Willem de Kooning , Lee Krasner e Franz Kline, stavano anche esplorando metodi per produrre dipinti che non solo imitassero la spontaneità, ma fossero essi stessi rappresentativi della spontaneità. Questo stile di pittura sarebbe diventato noto come pittura gestuale o d'azione; il dipinto non esprimeva più un oggetto ma l'azione del pittore stesso. Questo stile nasce dal desiderio di un'espressione e un'immagine autentica dell'interiorità.

Un'altra metodologia è nata dalla ricerca di una forma d'arte di significato intrinseco. Mark Rothko e Barnett Newman, per citarne due, hanno aperto la strada a un modo di usare il colore e le forme per raggiungere questo scopo; uno stile pittorico che sarebbe descritto come 'campo di colore'. Artisti come Rothko hanno creato campi di colore ampi, formali e semplicistici per evocare un'esperienza meditativa per lo spettatore.

Adamo di Barnett Newman , 1951, via Tate, Londra; insieme a Rosso di Mark Rothko , 1968, via Guggenheim Museum, New York

L'impulso alla base di questi campi di colore semplicistici è stato quello di creare una dinamica di sublimità per lo spettatore; per indurre uno stato d'animo riflessivo, e per liberare l'arte da ogni materia obsoleta che ora, negli anni del dopoguerra, non rifletteva lo stato d'animo culturale. Sia lo stile di pittura 'azione' che quello 'campo di colore' sono stati eseguiti su tele molto grandi. L'idea era quella di mostrare queste opere in uno spazio relativamente piccolo in modo che lo spettatore fosse sopraffatto dall'immagine, restringendo l'attenzione sul dipinto per isolare una connessione personale.

Trovare un significato in nessun significato

Oceano grigio di Jackson Pollock , 1953, via Guggenheim Museum, New York

L'arte espressionista astratta sembrerà stridente, incongrua e, per alcuni, scioccante. È facile trovare opinioni derisorie su questo tipo di opera d'arte perché non sembra dirci nulla nella sua rappresentazione. Questa è precisamente l'introduzione che desideravano gli espressionisti astratti. Volevano, subito, interrogare la nozione di rappresentazione nell'arte e indurre lo spettatore a mettere in discussione ciò che vede.

L'arte espressionista astratta era un invito per un individuo a creare un significato per se stesso. Il fatto che il dipinto non abbia alcun 'significato' intrinseco non ha nulla a che fare con il caso. I pittori dell'Espressionismo Astratto hanno capito che il processo di interpretazione è un atto creativo, e quindi dipingendo queste grandi tele cercavano di stimolare la creatività dello spettatore; lo spettatore condivide l'azione del dipinto da come viene influenzato.

1948 di Clyfford Still ; insieme a Senza titolo di Mark Rothko , 1947, via Guggenheim Museum, New York

Questa era una parte fondamentale della filosofia dell'Espressionismo Astratto. Ho menzionato le loro inclinazioni verso Carl Jung e la sua teoria dell'inconscio collettivo, ma erano anche in sintonia con la filosofia dell'esistenzialismo, resa popolare da Jean Paul Sartre e Martin Heidegger . L'esistenzialismo postulava che la mente non può essere ridotta a nessuna idea sulla mente; l'individuo si fa la vita per se stesso.

In linea con questo pensiero esistenzialista, possiamo vedere che spetta all'individuo creare un significato per se stesso. L'arte espressionista astratta attirava l'attenzione su questo costringendo lo spettatore a essere creativo. Volevano che lo spettatore apprezzasse un diverso tipo di percezione. Questo genere di cose è ovvio quando ascoltiamo la musica; possiamo apprezzare un bel pezzo di musica senza capirlo, e non ha bisogno di parole per dirci nulla. Il confronto con la musica funziona bene per capire come entrare in contatto con l'arte espressionista astratta; possiamo apprezzare una linea, un campo di colore, come un'armonia in una canzone, apprezzandolo per come ci muove.

L'eredità dell'arte espressionista astratta

sfogo di Judit Reigl , 1956, via Guggenheim Museum, New York

Il movimento dell'Espressionismo Astratto a New York sposterebbe con successo il fulcro delle arti negli Stati Uniti. È stato rapidamente salutato come una nuova forza nel mondo dell'arte e il loro lavoro è stato esposto in mostre itineranti in tutta Europa e nel resto degli Stati Uniti.

'Cos'è l'arte espressionista astratta?' è la domanda che ha attirato molti alle loro mostre. Il loro equilibrio tra tele energiche, entropiche e calme e riflessive ha aperto la strada a molti artisti che lottano per trovare un modo significativo di rappresentazione negli anni del dopoguerra. Pop Art e Minimalismo fiorirà negli anni '60 grazie all'esempio dell'espressionismo astratto.