L'arte più scioccante e controversa mai realizzata

Stuart Brisley, And For Today … Nothing, 1972, performance, Gallery House, Goethe Institute, Londra

Nel corso della storia gli artisti hanno cercato modi per scuotere la tradizione e mettere in discussione il ruolo dell'arte. Il loro coraggio si è aperto eccitante nuovi percorsi nell'art , e ha cambiato il nostro modo di vedere il mondo in modi sorprendenti e inaspettati. Ma rischiare ha un costo e non sempre ripaga, almeno non durante la vita dell'artista. Alcuni degli artisti più rivoluzionari di tutti i tempi sono stati pubblicamente svergognati, mandati in prigione o quasi morti in nome della grande arte. Diamo un'occhiata nel corso della storia dell'arte ad alcune delle opere d'arte più scioccanti e controverse mai realizzate.

1. Michelangelo, Il Giudizio Universale, La Cappella Sistina, 1541

Michelangelo, Il Giudizio Universale (particolare), 1541, via Posta di New York

Dal momento della sua scoperta nel 1541, il groviglio selvaggiamente caotico di corpi umani nudi in di Michelangelo Il Giudizio Universale pubblico stupito e inorridito in egual misura. I corpi nudi erano già apparsi nell'arte in precedenza Michelangelo, ma ciò che più ha scioccato i visitatori è stata l'ampia esibizione di nudità su tutta la linea, dalla gente comune ai santi e ai martiri. Per finire, includeva anche genitali completamente scoperti e grafici, spingendo il cardinale Oliviero Carafa ad accusarlo di oscenità immorale. Foglie di fico e perizomi sono stati dipinti su parti del corpo esposte, cambiando la natura dell'opera d'arte originale. Sono rimasti su questa controversa opera d'arte fino a un restauro del cappella Sistina centinaia di anni dopo, negli anni '80. Ma a quel punto, l'esibizione rivoluzionaria della carne umana di Michelangelo aveva già avuto un profondo impatto sulla storia dell'arte, dal manierista e Barocco decadenza alla nudità non filtrata della contemporaneità.

2. Edouard Manet, Olimpia, 1863

Olympia di Edouard Manet, 1863, via Musée d'Orsay

Pittore realista francese L'iconico Edouard Manet Olimpia , Il 1865 scosse la società nel profondo. Visualizzato per la prima volta al Salone di Parigi nel 1865, il dipinto di Manet raffigura una modella nuda sdraiata su un divano mentre una serva le presenta dei fiori. Manet ha deliberatamente imitato la composizione di di Tiziano famoso Venere di Urbino, 1534, ma ha dato alla sua versione una serie di aggiornamenti controversi. Lo sguardo diretto e conflittuale del suo modello ha scioccato il pubblico che era abituato a vedere donne passive e pudiche. Anche il fatto che Manet avesse usato una vera modella, Victorine Meurent, piuttosto che una musa mitologica era abbastanza scioccante, ma ha suggerito che fosse una prostituta: il nome Olympia era comunemente associato alle prostitute nella Parigi del 1860, mentre lei l'ambiente riecheggiava lo stile di un boudoir parigino. Il gatto nero arcuato alla base del letto di Olimpia era anche un noto simbolo di promiscuità sessuale. Edouard Manet è stato evitato dal Salon parigino, ma le sue scoperte hanno portato una generazione di impressionisti e modernisti a seguire.

3. Pablo Picasso, Le dame di Avignone, 1907

Pablo Picasso, Le giovani donne di Avignone, 1907, via MoMA

Picasso tenuto Le dame di Avignone , 1907, nascosto a lungo nel suo studio. Anche i suoi stessi amici furono inorriditi quando finalmente lo videro. I frammenti aggressivi di colore spigoloso e artificiale e la prospettiva spezzata e distorta sono stati abbastanza scioccanti, ma una volta rivelata la vera portata del suo argomento, il pubblico è rimasto inorridito. Un gruppo nudo di cinque donne sono in posa come nudi classici, ma queste non sono bellezze idealizzate. Invece li dipinge con volti esagerati ispirati alle maschere africane che ha visto a Parigi Museo Etnografico. Ridurre i loro corpi in una serie di forme taglienti e minacciose conferisce loro una qualità minacciosa, così come i loro sguardi freddi e incrollabili. Avignone era una strada ben nota nel quartiere a luci rosse parigino, senza lasciare dubbi sul fatto che queste donne fossero prostitute. Scontro angolare Cubista forme e argomenti conflittuali, Picasso da solo ha infranto le convenzioni e ha inaugurato una nuova ondata di arte contemporanea . Scrive il critico d'arte Jonathan Jones, Les Demoiselles d'Avignon è la spaccatura, la rottura che divide passato e futuro.

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4. Marcel Duchamp, Fontana, 1917

Marcel Duchamp, Fontana, 1917 (replica 1964), via Tate, Londra

dato sperimentatore di Marcel Duchamp Fontana , Il 1917 ha fatto la storia, guidando l'alba dell'arte concettuale. Per creare l'opera Duchamp semplicemente comprò un orinatoio da una fabbrica, lo firmò con lo pseudonimo di R. Mutt e lo presentò alla Society of Independent Artists. La società è stata profondamente offesa dall'opera, definendola indecente e immorale, affermando: La fontana può essere un oggetto molto utile al suo posto, ma il suo posto non è in una mostra d'arte e non è, per definizione, un'opera d'arte . A dispetto di Duchamp aveva Fontana fotografato professionalmente dal famoso fotografo Alfred Stieglitz in una galleria, mentre un editoriale anonimo molto probabilmente scritto da Duchamp è stato pubblicato sul periodico di sinistra Il cieco discutendo, se il signor Mutt ... abbia fatto la fontana non ha importanza. L'HA SCELTO. Prese un normale articolo di vita... e... creò un nuovo pensiero per quell'oggetto. Questa argomentazione secondo cui qualsiasi oggetto potrebbe diventare un'opera d'arte ha rivoluzionato le pratiche artistiche e continua ad avere ripercussioni oggi.

5. Carole Schneeman, Carne Gioia, 1964

Carolee Schneemann, Meat Joy, 1964, documentazione della performance

Artista performativo americano di Carole Schneemann Carne Gioia , 1964, ha sfidato gli stereotipi misogini con la nudità frontale completa e le esibizioni contorte di carne erotica. Combinando quella che ha definito una lista della spesa di ingredienti, tra cui pesce crudo, pollo e salsicce, insieme a vernice, plastica lucida e corda, ha riunito un gruppo di donne nude che si rotolavano in queste sostanze come perse in un'estasi orgasmica. Le reazioni furono estreme; un membro del pubblico era così infuriato che ha persino cercato di strangolare Schneemann, mentre un altro ha dichiarato, non so cosa sia, ma non è arte. Ma l'arte sessualmente liberata di Schneemann ha rivelato al pubblico un nuovo tipo di femminilità senza vincoli, aprendo la strada a un'ondata di artisti femministi negli anni '70.

6. Stuart Brisley, E per oggi... Niente, 1972

Stuart Brisley, E per oggi... Niente, 1972, performance, Gallery House, Goethe Institute, Londra

Artista performativo britannico di Stuart Brisley E per oggi... Niente , 1972, è stato messo in scena nelle profondità di un edificio fatiscente e squallido a Londra. Un bagno sporco era pieno fino all'orlo di acqua nera e carne in decomposizione, dove mosche e larve si consumavano. Brisley giaceva nuda in questo sporco pasticcio ogni giorno per due settimane, con la testa posizionata appena abbastanza lontano dall'acqua da poter respirare ancora. Piccoli gruppi di visitatori sono stati quindi invitati ad entrare nell'edificio e ad osservarlo in questo stato vulnerabile e mezzo morto. Sottoponendo il suo corpo a una situazione quasi intollerabile, Stuart Brisely ha attirato l'attenzione degli spettatori sul fragile confine tra la vita e la morte, un atteggiamento che avrebbe un profondo impatto sulla arte contemporanea che seguì. Questa performance faceva parte di una mostra collettiva alla Gallery House, Goethe Institution, Londra, ma l'odore dell'acqua fredda piena di frattaglie in decomposizione divenne così disgustoso che tutti gli altri artisti lo costrinsero ad andarsene.

7. Judy Chicago, La cena, 1974-9

Judy Chicago, The Dinner Party, 1974–79, Brooklyn Museum, dono della Elizabeth A. Sackler Foundation. Foto: Donald Woodman

La monumentale installazione di Judy Chicago La cena , 1974-9, è un simbolo iconico del femminismo degli anni '70. Viene allestito un enorme banchetto triangolare con 39 coperti, ciascuno in omaggio a donne influenti nel corso della storia. Immaginato come un'alternativa femminile all'ultima cena, è lungo 48 piedi su ciascun lato e ci sono voluti più di cinque anni per essere completato. L'aspetto di gran lunga più scioccante del lavoro è stata la rappresentazione palese dei genitali femminili; ogni piatto è decorato o modellato in una variazione di una forma vulvare. L'opera è stata presentata a Museo di arte moderna di San Francisco e attirò in gran numero, ma le reazioni furono al vetriolo, etichettando l'opera come pornografica e offensiva. Destinato a un tour negli Stati Uniti, altri musei si sono affrettati a cancellare. Ci sono voluti decenni prima che il mondo dell'arte si affezionasse a questo lavoro e ne riconoscesse la radicalità, ma oggi ha una casa permanente nel Sackler Center del Brooklyn Museum .

8. Marc Quinn, Se stesso, 1991

Marc Quinn, Self, 1991, immagine tramite Marc Quinn

artista britannico di Marc Quinn Se stesso , 1991 è un'intera replica a grandezza naturale della sua testa nel suo stesso sangue congelato. Sono state necessarie dieci pinte del suo sangue per completare la scultura, che può esistere solo in uno stato permanentemente congelato. Quinn ha realizzato la sua prima versione di questo lavoro in un momento di lotta personale quando soffriva di alcolismo; paragonando la sua dipendenza dall'alcol al bisogno della testa di essere congelata, la scultura è diventata una potente riflessione sulla dipendenza umana. Ha continuato a fare di più nella serie, riflettendo sul suo volto mutevole mentre il processo di invecchiamento ha spostato sia il suo aspetto esteriore che gli organi interni. Galleggiando in uno stato sospeso e senza vita, il sangue rappreso si raccoglie sulla superficie di questa testa disincarnata, rendendo la visione cupa. I critici lo hanno accusato di poco più che di sensazionalismo vampirico, mentre altri hanno visto il posto dell'opera in una lunga tradizione di autoritratti, da Rembrandt a Cindy Sherman. In ogni caso, l'esplorazione di un materiale così intimo e scomodo ha aperto una ricchezza di nuove possibilità nell'arte contemporanea.

9. Rivolta della figa, Preghiera punk: Madre di Dio, scaccia Putin, 2012

Pussy Riot, Preghiera punk: Madre di Dio, allontana Putin, 2012

Gruppo di protesta punk russo Pussy Riot Preghiera punk: Madre di Dio, scaccia Putin , Il 2012 è stato uno spettacolo di guerriglia nella Cattedrale di Cristo Salvatore di Mosca. Irrompono sul pulpito della chiesa indossando abiti sgargianti e passamontagna, saltano, ballano, si inginocchiano e si segnano finché le guardie di sicurezza non li hanno sequestrati e rimossi dall'edificio. Più tardi, lo stesso giorno, a questo filmato è stata aggiunta una colonna sonora bruciante, con testi che attaccavano il regime oppressivo di Putin e i suoi legami con la chiesa ortodossa russa, prima che chiedessero a Maria, madre di Dio (di) scacciare Putin! Postato sui social media, il video si è diffuso a macchia d'olio, raggiungendo in pochi giorni un pubblico internazionale. I funzionari russi erano così infuriati che hanno condannato a due anni di prigione due membri di spicco del gruppo Nadezhda Tolokonnikova e Maria Alyokhina, accusandoli di teppismo motivato dall'odio religioso. Sono seguite discussioni in tutto il mondo sulla dura punizione delle Pussy Riot mentre voci famose hanno chiesto senza successo il loro rilascio. Nonostante il loro orribile trattamento in prigione, l'esperienza ha trasformato la coppia in celebrità di tutto il mondo che continuano a fare arte di successo oggi.

10. Maurizio Cattelan, Comico, 2019

Maurizio Cattelan, Comico, 2019, Banana attaccata a un muro , venduto per $ 120.000. Foto: RHONA WISE, EPA-EFE

Etichettato come il ragazzaccio dell'arte italiana, Maurizio Cattelan 'S Comico , il 2019 ha preso in giro le pretese che circondano il mondo dell'arte di oggi ed è ora riconosciuto come l'opera d'arte iconica dell'anno. All'Art Basel Miami Beach, Cattelan gaffer ha attaccato una banana al muro, valutandola a $ 120.000 sbalorditivi. Dopo che è stato venduto, l'artista David Datuna ha staccato il nastro grigio, ha tirato fuori la banana e l'ha mangiata, distruggendo l'originale. Facilmente rifatta, l'opera è stata successivamente rimossa dalla galleria per impedire che si svolgessero altri scherzi. Ma un artista ha visto un'altra opportunità, graffiando lo spazio vuoto dove c'erano state le parole che Epstein non si era ucciso. Cattelan sarebbe il primo a sostenere che ogni nuova svolta nel suo racconto aggiunge valore al suo concetto, dimostrando che al giorno d'oggi quasi tutto può essere un'opera d'arte.