Winslow Homer: percezioni e dipinti durante la guerra e il risveglio

Guardando gli interruttori di Winslow Homer , 1891, via il Museo Gilcrease, Tulsa (a sinistra); insieme a Ritratto di Winslow Homer , 1880, tramite la National Gallery of Art, Washington D.C. (al centro); e Casa dolce casa di Winslow Homer , 1863, tramite la National Gallery of Art, Washington D.C. (a destra)

Winslow Homer è un pittore americano noto per aver creato immagini della Guerra Civile e dipinti sereni estivi di donne e bambini che si rilassano in riva al mare. Tuttavia, Omero ha creato una vasta gamma di opere che provocano ancora discussioni oggi. Le capacità illustrative e l'esperienza di corrispondenza di Homer lo avrebbero aiutato a prepararlo per il suo lavoro di narratore che descrive diverse prospettive della vita delle persone durante 19thsecolo America.

Immagini della guerra civile: illustrazioni settimanali di Harper di Winslow Homer

Le nostre donne e la guerra di Winslow Homer , in Harper's Weekly, 1862, via Smithsonian American Art Museum, Washington D.C. (a sinistra); insieme a Giorno del Ringraziamento nell'esercito-dopo cena : Il desiderio-bon di Winslow Homer , in Harper's Weekly 1864, via Yale University Art Gallery, New Haven (a destra)

Durante Guerra civile americana , immagini e rapporti dalla prima linea della battaglia sono diventati una fonte pionieristica di notizie. Winslow Homer ha iniziato a lavorare come illustratrice freelance per riviste a metà degli anni 19thsecolo. Ha lavorato per Settimanale di Harper durante la Guerra Civile come artista-reporter. Ha creato illustrazioni di scene di guerra meno rappresentate, come donne che agiscono come infermiere o che scrivono lettere per i soldati, così come carrettieri afroamericani al lavoro oa riposo. Sono queste diverse percezioni della guerra che influenzeranno notevolmente il pittore americano nelle sue opere successive durante la vita del dopoguerra.

Invece di concentrarsi su immagini drammatiche del campo di battaglia, il lavoro di Winslow Homer raffigurava anche immagini della vita quotidiana dei soldati. Le sue illustrazioni includevano immagini come soldati che celebrano il Ringraziamento o giocano a calcio, o vivono in caserma e mangiano pasti. Come gli uomini che ha raffigurato, Omero ha dovuto soffrire di climi rigidi, mancanza di cibo, condizioni di vita scomode e ha visto gli eventi violenti e le conseguenze della battaglia. Questo senso di cameratismo con i suoi colleghi corrispondenti e soldati gli ha permesso di avere una prospettiva diversa della vita durante la guerra. Ciò si è tradotto nel dare agli spettatori un'esperienza di prima mano e l'ha resa più facilmente riconoscibile per gli spettatori a casa.

Pittore americano della guerra civile

L'esercito del Potomac: un tiratore scelto in servizio di picchetto di Winslow Homer , in Harper's Weekly, 1862, via Smithsonian American Art Museum, Washington D.C. (a sinistra); insieme a Tiratore scelto di Winslow Homer , 1863, via Carter Museum of American Art, Fort Worth (a destra)

Winslow Homer I viaggi con l'esercito gli diedero riconoscimento e divennero un catalizzatore per la sua carriera di pittore americano. Il dipinto sopra intitolato Tiratore scelto originariamente era un'illustrazione per la rivista, ma divenne l'immagine per il suo primo dipinto ad olio. Lo spettatore è posizionato sotto il soldato su un ramo più basso, guardando un cecchino, che è pronto a sparare. L'immagine è circondata dalle foglie e dai rami dell'albero come se lo spettatore fosse immerso nel fogliame con il cecchino. Il suo viso è parzialmente nascosto dal cappello e dalla posizione armata, che dà un'emozione fredda e distaccata.

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Il fucile consentiva ai soldati di uccidere da lontano, non a distanza ravvicinata, cosa che Winslow Homer fu testimone e usò per aggiungere un elemento orribile al suo lavoro. Non è chiaro se il cecchino prenderà una vita o ne salverà una. A differenza di altre scene di battaglia, Homer raffigura un soldato solitario in un ambiente più calmo.

Prigionieri del fronte di Winslow Homer , 1866, The Metropolitan Museum of Art, New York

Il dipinto sopra è Prigionieri del fronte e mostra l'ufficiale dell'Unione (il generale di brigata Francis Channing Barlow) che cattura gli ufficiali confederati su un campo di battaglia. Questa è una delle immagini più famose della guerra di Winslow Homer e raffigura la città di Pietroburgo, Virginia presa dall'Unione. Pietroburgo è stata fondamentale per vincere la guerra a causa delle sue linee di rifornimento ed è stata una delle ultime grandi città ad essere catturata.

Qui appare quasi una landa desolata con ceppi d'albero e ramoscelli sparpagliati per terra. Il soldato confederato di mezzo è vecchio e smunto in piedi accanto a un soldato eretto e orgoglioso che è ancora provocatorio. Parla di entrambe le tragedie causate dalla guerra mentre mostra un momento decisivo che ha significato la fine della guerra. Winslow Homer completò questo dipinto dopo la fine della guerra e questo potrebbe aver avuto un impatto sul modo in cui ha scelto di illustrare questa scena poiché i raggi X mostrano che ha cambiato l'immagine più volte.

Ritorno al sud: le conseguenze della guerra

Vicino ad Andersonville di Winslow Homer , 1865-66, tramite il Newark Museum of Art

Piace Prigionieri del fronte , molte delle illustrazioni della Guerra Civile di Winslow Homer sono servite da ispirazione per le opere create dopo la fine della guerra. Vicino ad Andersonville è uno dei dipinti di Omero che riflette l'arresto dei popoli precedentemente ridotti in schiavitù. Qui una donna è in piedi tra una porta buia nella brillante luce del giorno. È una metafora di un passato oscuro e di un passo avanti verso un futuro pieno di speranza e più luminoso. L'ambientazione è nel campo di prigionia confederato ad Andersonville, in Georgia. Sullo sfondo, Confederato i soldati portano i soldati dell'Unione catturati in prigione. È un contrasto tra le parti ottimiste dopo la fine della guerra e la realtà che c'erano ancora cose oscure in corso nel sud.

Accanto alla porta ci sono zucche da bere che crescono con viti che germogliano verdi. Fa riferimento alla costellazione dell'Orsa Maggiore, che è anche conosciuta come a bere la zucca ed è un simbolo di libertà . Le uniche altre fonti di colore oltre alle viti verdi sono il velo rosso della donna e il rosso del frocio confederato a sinistra dell'immagine. Come gli altri suoi dipinti, il rosso è usato nei momenti di pericolo, poiché il rosso può significare un avvertimento di una minaccia imminente.

Una visita della vecchia padrona di Winslow Homer , 1876, via Smithsonian American Art Museum, Washington DC

Winslow Homer tornò nel sud negli anni '70 dell'Ottocento in Virginia. Ciò che è emerso da un'America del dopoguerra civile ha ispirato alcuni di Omero opere d'arte più perspicaci. Una visita della vecchia padrona è un dipinto di quattro popoli precedentemente ridotti in schiavitù che fissano la loro ex padrona.

La donna afroamericana è all'altezza degli occhi e guarda direttamente la sua vecchia padrona. Definisce le tensioni tra gli ex Maestri/Padrone rispetto alla ritrovata libertà dei popoli precedentemente ridotti in schiavitù. La scena simboleggia il limbo tra l'abolizione della schiavitù e le lotte per definire un nuovo modo di vivere per le persone nel dipinto. Winslow Homer contrappone fortemente la rigida donna del sud, simbolo del passato, al gruppo di donne che guardano al futuro. Homer raramente creava ritratti e invece ritraeva persone nel mezzo di un'azione facendo sentire lo spettatore come se si fosse imbattuto nella scena e la stesse guardando da un'altra prospettiva.

Domenica mattina in Virginia di Winslow Homer , 1877, via Cincinnati Art Museum

Questo dipinto intitolato Domenica mattina in Virginia raffigura un insegnante con tre studenti e una donna anziana in una capanna di schiavi. Qui Winslow Homer contrappone la nuova generazione alla vecchia. Un'insegnante è seduta con tre bambini rannicchiati intorno a lei mentre insegna da una Bibbia. L'abbigliamento della donna indica che è un'insegnante, non un membro della famiglia perché contrasta con gli abiti logori indossati dai suoi alunni. Il contrasto dell'abbigliamento di Homer mostra i progressi possibili per le generazioni future mentre mostra anche le circostanze e le lotte attuali che la nazione deve affrontare. Homer in seguito si concentrò su argomenti di insegnanti, scolari e scuola. Dimostra come il potere dell'educazione abbia giocato un ruolo importante per le generazioni future.

Un altro contrasto è la donna anziana seduta accanto al gruppo di bambini. Nonostante sia fisicamente vicina, c'è ancora un senso di distacco e distanza rappresentato. Affronta l'apprendimento dei bambini. La sua età indica l'istruzione che le è stata negata e sottolinea ulteriormente il doloroso passato non molto tempo fa. Indossa anche un vivace scialle rosso e simile ad altri dipinti che Winslow Homer usa il rosso durante le situazioni precarie. Tuttavia, lo sottomette anche con immagini di rinascita e speranza. Il posizionamento intenzionale di Homer dei popoli più giovani precedentemente ridotti in schiavitù indica possibilità per una società più equa, ma riconosce il potenziale pericolo.

Le avventure marittime dei dipinti oceanici di Omero

L'avviso di nebbia di Winslow Homer , 1885, tramite il Museo delle Belle Arti di Boston

Soprattutto, Winslow Homer è un narratore e questo è dimostrato in particolare nei suoi dipinti marittimi. Ha usato la sua esperienza di giornalista e narratore per rappresentare scene epiche di sopravvivenza e morte. Durante i suoi viaggi in Europa e ritorno in America, Homer divenne ispirato ai racconti/miti dell'oceano . Si recò in Inghilterra all'inizio degli anni 1880 e fu testimone della vita e delle attività delle persone nel villaggio di pescatori di Cullercoats fino a stabilirsi a Prout's Neck, nel Maine, cosa che influenzò notevolmente la sua materia.

Un esempio di questo è L'avviso di nebbia nella foto sopra che raffigura la nebbia invadente che viene a minacciare un pescatore. Winslow Homer usa sfumature scure per aumentare la suspense della scena. Invece di blu vibranti e cieli calmi, le onde dell'oceano sono di un indaco intenso mentre il suo cielo è di un grigio acciaio. Non è chiaro se il pescatore abbia o meno il tempo di tornare in salvo, poiché la nave è lontana in lontananza. C'è un intrinseco senso di terrore per il pescatore poiché il suo destino è rimasto sconosciuto. Homer enfatizza questo dramma con le nuvole di nebbia che spuntano contro le onde che si schizzano in una violenta schiuma nebbiosa che si scontra contro l'orizzonte. È la nitidezza delle onde che appare mortale e minacciosa. Anche l'angolo diagonale della barca si presta a questo perché le linee diagonali sono naturalmente irregolari causando vertigini e disorientamento.

La linea della vita di Winslow Homer , 1884, via Philadelphia Museum of Art

Il dipinto di Winslow Homer La linea della vita raffigura una situazione pericolosa di un salvataggio durante una tempesta. Mostra le due figure su una boa di calzoni, dove una carrucola trasferirebbe le persone da un relitto alla salvezza. Questa era una nuova forma di tecnologia marina e Homer la usa in una situazione apparentemente confusa e caotica. Il volto dell'uomo è oscurato da una sciarpa rossa e il vestito da donna è piegato tra le loro gambe, rendendo difficile distinguere tra i due. La sciarpa rossa è l'unico colore contrastante all'interno della scena e attira immediatamente l'attenzione dello spettatore verso la donna che è in conflitto.

Winslow Homer è stato ispirato da Stampe xilografiche giapponesi e li ha usati per studiare il colore, la prospettiva e la forma. Li ha usati come ispirazione non solo per i suoi dipinti marittimi, ma anche per altri suoi dipinti sulla natura. Simile alle stampe giapponesi, ha utilizzato linee asimmetriche per le onde, che praticamente coprono l'intera immagine. Il mare avvolge i soggetti e attira gli spettatori nel bel mezzo della tempesta tempestosa, accentuando il senso di urgenza della scena.

Raccolta di un nuovo futuro: il passato agrario americano

Il veterano in un campo nuovo di Winslow Homer , 1865, tramite The Metropolitan Museum of Art, New York

Dai dipinti marini di Winslow Homer alle sue scene del Guerra civile e ricostruzione , si è occupato di temi di vita, morte e moralità. Il cambiamento delle stagioni, dei tempi e della politica della nazione sono temi coerenti di Omero. Nel dipinto sopra, un contadino miete un campo di grano sullo sfondo di un cielo azzurro. Tutto sembra idealistico con un semplice contadino e un campo di grano a significare il percorso verso il cambiamento in America dopo la guerra civile.

Tuttavia, ci sono altri simboli contraddittori in questa immagine. Il contadino porta una falce e guarda lontano dallo spettatore. Questo oggetto fa venire in mente un Grim Reaper che semina le piante appena raccolte, e il fatto che lo spettatore non veda il suo volto non fa che aumentare questo mistero. Può anche significare le difficoltà che deve affrontare una nazione divisa. Mostra anche l'interesse di Homer per le immagini agrarie e la creazione di immagini che assomigliavano a uno stile di vita passato. Questi tipi di immagini nostalgiche divennero popolari durante quest'epoca e divennero alcuni dei dipinti di maggior successo commerciale di Omero.

Scatta la frusta di Winslow Homer , 1872, tramite The Metropolitan Museum of Art, New York

Molti dei dipinti di Winslow Homer dopo la guerra civile si sono concentrati su immagini di bambini e donne in età scolare sia in ambienti scolastici che circondati dalla natura. Si è concentrato su questa visione idealistica della giovinezza e del ringiovanimento, che sono diventati soggetti popolari per ispirare un pubblico pronto ad andare avanti. Qui sceglie di illustrare gli scolari che giocano durante la ricreazione. È uno dei dipinti più amati di Omero poiché mostra la dolce innocenza dell'infanzia. La scuola rossa di una stanza sullo sfondo è un desiderio per l'aspetto dell'America rurale perché questi tipi di scuole erano meno popolari a causa della crescente quantità di persone che si trasferivano nelle città urbane.

Rispetto ai dipinti di guerra o marini di Winslow Homer, i colori che ha usato qui sono vibranti e vivaci. I campi verde salvia sono pieni di fiori di campo primaverili e c'è un cielo azzurro infinito pieno di morbide nuvole bianche. Questi colori diventano più frequenti nelle sue opere rispetto ai suoi lavori precedenti. I suoi dipinti della Guerra Civile hanno un tono tenue a causa della distruzione della fauna selvatica per creare trincee e campi di battaglia durante la guerra. Ha sperimentato il colore e il soggetto nei dipinti della fauna selvatica che ha completato verso la fine della sua vita.

L'esame della caccia di Winslow Homer

Sul sentiero di Winslow Homer , 1892, tramite la National Gallery of Art, Washington D.C.

Un altro mezzo in cui Winslow Homer eccelleva era l'acquerello, che usava per le immagini dell'oceano e della terraferma. Più tardi nella sua carriera come an pittore americano, è passato alla registrazione di soggetti di caccia in particolare nelle montagne Adirondack di New York. Come i suoi dipinti sull'oceano, Omero raffigura l'uomo contro la natura e lo mette in mostra raffigurando uomini che cacciano cervi nelle foreste di New York. Sul sentiero mostra un uomo con i suoi cani da caccia alla ricerca della loro preda. Anche durante questa caccia, Omero circonda ancora il cacciatore con una foresta prevalente di foglie e cespugli. Questi elementi consumano completamente l'immagine e lo dimostrano, qualunque cosa accada; la natura prevale sempre ed è una forza più grande degli uomini.

Destra e sinistra di Winslow Homer, 1909, tramite la National Gallery of Art, Washington D.C.

Ecco un esempio di uno dei dipinti di animali di Winslow Homer di due anatre nel mezzo della morte. Questo è diventato un soggetto che l'artista americano ha utilizzato nel suo naturalistico dipinti verso la fine della sua vita. Non ci sono prove di un cacciatore o della sua arma, ma le drammatiche posizioni di agitazione degli uccelli portano a questa conclusione. Sulla papera sinistra c'è una piccola quantità di vernice rossa, ma è ancora incerto se le papere siano state colpite o meno o stiano volando via. Il loro movimento irregolare è esemplificato dalle onde appuntite dell'acqua sotto di loro. Questa immagine mostra anche lo studio di Homer sulle xilografie giapponesi. L'influenza di L'arte giapponese è cresciuta in Europa durante il 1800 e può aiutare a spiegare la continua scelta di Omero in materia relativa al mondo naturale.

Caccia alla volpe di Winslow Homer , 1893, tramite l'Accademia di Belle Arti della Pennsylvania, Filadelfia

Winslow Homer La caccia alla volpe è uno dei suoi ultimi dipinti. Qui mostra la volpe alla ricerca di cibo mentre viene inseguita dai corvi che cacciano durante l'inverno. Simile a Il cecchino Homer usa la prospettiva per aumentare ulteriormente la tensione e la suspense. Lo spettatore è posizionato all'altezza degli occhi con la volpe in modo che i corvi appaiano più grandi mentre incombono sulla volpe. La volpe è inclinata in diagonale, il che sottolinea la lotta della volpe che si muove attraverso la fitta neve.

La pelle rossa della volpe contrasta fortemente anche con i bianchi e i neri/grigi dell'immagine. Le altre macchioline rosse sono le bacche poste a sinistra che indicano l'arrivo della primavera e della nuova vita. L'uso della moralità da parte di Winslow Homer è significativo in questi dipinti della natura proprio come nelle altre sue opere. Ha creato scene che sono a volte scomode da guardare, eppure riesce ad attirare lo spettatore con il suo uso magistrale del disegno e della narrazione.