Cosa puoi imparare dai modi di vedere di John Berger?

Nella sua serie Modi di vedere , John Berger pone alcune importanti domande relative all'arte. Per chi sono fatti i dipinti? Chi dovrebbe guardarli? Chi dovrebbe goderseli? Dove, quando e in quali circostanze è stata guardata un'immagine e in che modo ciò influenza il modo in cui viene percepita? La serie Modi di vedere ha introdotto argomenti importanti come la teoria dell'arte femminista. Ha anche discusso le teorie su come la pittura fosse correlata alla proprietà e alla pubblicità.

Chi era John Berger?

Il critico d'arte, romanziere e poeta Giovanni Berger è nato a Londra nel 1926. Dopo aver studiato alla Central School of Arts and Crafts (ora conosciuta come Central Saint Martins), aver prestato servizio nell'esercito britannico durante la seconda guerra mondiale e aver studiato arte alla Chelsea School of Art, Berger ha finalmente iniziato a lavorare come critico d'arte. Ha scritto pezzi per pubblicazioni come il Nuovo statista E Nuova Società . Ha anche scritto diversi romanzi. Nel 1972, la BBC ha prodotto il suo programma televisivo chiamato Modi di vedere . Un libro di Berger è stato successivamente pubblicato con lo stesso nome. Nel 1974 si trasferisce in un paesino delle Alpi, dove vive per 40 anni. Nel 2017 è morto ad Antony, in Francia, all'età di 90 anni.

Quali sono i suoi Modi di vedere ?

Con Modi di vedere , John Berger voleva sfidare lo status elitario e mistificato dell'arte che trascurava gli aspetti politici, sociali e ideologici che hanno plasmato il modo in cui guardiamo all'arte. Nel 1972, la BBC ha prodotto Modi di vedere come una serie composta da quattro episodi di 30 minuti. Basato sulla serie televisiva, è stato successivamente pubblicato come libro contenente sette saggi. Mentre tre dei saggi includono solo immagini, gli altri quattro usano immagini e testo. Il libro è stato co-scritto da Sven Blomberg, Chris Fox, Michael Dibb e Richard Hollis. Divenne un'opera essenziale per l'educazione storica dell'arte. La serie televisiva è stata descritta come rivoluzionaria per l'epoca da Tom Lubbock in L'indipendente e ha influenzato artisti, scrittori e curatori sin da quando è stato trasmesso. Continua a leggere per vedere un riassunto di ogni episodio della famosa serie televisiva.

Episodio 1: Contesto e tempo

Il primo episodio inizia con John Berger che ritaglia il volto di una donna da un dipinto. La sua azione anticipa il tema dell'episodio che ruota attorno a come il cambiamento del contesto di un dipinto, la visualizzazione di riproduzioni di esso e la visualizzazione di sezioni solo in determinate circostanze influenzino il modo in cui vediamo un'immagine. Ci sono alcuni fattori che tocca nell'episodio che dovrebbero cambiare il modo in cui vediamo l'arte. Il tempo è uno di quei fattori. Ora vediamo i dipinti in modo diverso rispetto alle persone nei secoli precedenti.

Anche il contesto e la posizione sono fattori significativi. I dipinti murali nelle chiese, ad esempio, hanno avuto un effetto diverso sulle persone che li hanno visti solo sul posto e in combinazione con l'intero interno della chiesa, un edificio con una connotazione altamente sacra. C'è una differenza se guardiamo di Giotto Lamento come riproduzione digitale su Internet o presso la Cappella dell'Arena di Padova, Italia di persona. L'invenzione della macchina fotografica ha portato alla possibilità di creare riproduzioni d'arte, che potevano poi essere visualizzate in qualsiasi momento e in qualsiasi luogo del mondo.

Berger ha anche menzionato come il significato dell'arte possa essere manipolato dal movimento e dal suono. Lo zoom avanti sul volto di una figura allegorica, ad esempio, può trasformarlo in una rappresentazione di un volto attraente, che può essere utilizzato per altri scopi. Se immagini e dipinti vengono estrapolati dal contesto e trasformati in riproduzioni che possiamo esporre nelle nostre case, il loro significato può cambiare completamente. Secondo Berger, il significato di un'immagine può cambiare anche a seconda di quale programma televisivo abbiamo visto prima o dopo aver visto un quadro. Un programma serio cambia il tono dell'immagine proprio come può fare uno spensierato. Alla fine dell'episodio, ricorda allo spettatore che lui, John Berger, sta controllando l'uso delle immagini mostrate e discusse nel programma, quindi incoraggia gli spettatori a essere scettici.

Episodio 2: Il nudo femminile e lo sguardo maschile

Il secondo episodio di John Berger Modi di vedere è stato forse il più influente. Sulla base di opere esistenti di autrici femministe, Berger ha parlato dell'oggettivazione e della sessualizzazione delle donne nella storia dell'arte, in particolare attraverso raffigurazioni di nudi femminili. Ha distinto tra il termine nudo e nudo.

Per Berger essere nudi significa essere se stessi, ma essere nudi significa essere visti dagli altri nudi come un oggetto. In numerose raffigurazioni di nudi femminili nella storia dell'arte, la rappresentazione della sessualità femminile è inesistente ei corpi delle donne sono ridotti a oggetti passivi per il piacere maschile. Questa idea è stata ulteriormente discussa da Laura Mulvey nel suo saggio fondamentale Piacere visivo e cinema narrativo . Mulvey ha coniato il termine sguardo maschile , che da allora è stato spesso discusso in femminista teorie.

Nella seconda metà dell'episodio, vediamo cinque donne parlare dell'argomento. Invece di mostrare le donne come passive e mute oggetti , Berger intendeva includere le loro voci come agenti attivi. La maggior parte delle donne che hanno partecipato alla discussione facevano parte del movimento femminista di seconda ondata . Una di loro, Eva Figes, ha scritto un libro intitolato Atteggiamenti patriarcali nel 1970. Un'altra donna che partecipò alla discussione fu l'accademica e attivista per i diritti dei lavoratori Jane Kenrick.

Episodio 3: L'influenza dell'acquirente

Il terzo episodio di John Berger Modi di vedere sostiene che i dipinti ad olio venivano spesso usati per mostrare la ricchezza dell'acquirente. Lo stesso dipinto a olio era un oggetto di valore che solo alcune persone potevano permettersi, ma le raffigurazioni di oggetti e materiali di valore sottolineavano la ricchezza del proprietario. Un esempio di questo atteggiamento nei confronti della pittura ad olio è il lavoro L'arciduca Leopoldo Guglielmo e l'artista nella pinacoteca arciducale di Bruxelles di David Teniers II. L'arciduca è mostrato accanto al suo pittore di corte David Teniers II nella sua galleria piena di dipinti preziosi. L'immagine mostra come può fisicamente possedere e vendere dipinti ad olio, cosa che li distingue dalle poesie o dalla musica.

John Berger ha anche collegato la necessità di possedere qualcosa con la colonizzazione che era caratterizzata dal desiderio di conquistare, possedere e vendere cose ed esseri umani. Le nature morte servivano come rappresentazione di cibo costoso, gli animali erano ridotti a una rappresentazione di preziose scorte di vita, le raffigurazioni di edifici servivano come rappresentazioni di proprietà e i paesaggi venivano mostrati dipingendo i proprietari terrieri davanti alla loro terra. Secondo Berger, acquistare un dipinto significava anche acquistare la rappresentazione dei suoi soggetti. La pittura a olio, quindi, serviva come modo per celebrare la proprietà privata.

Episodio 4: Arte e pubblicità

Nel quarto e ultimo episodio, John Berger ha parlato di pubblicità, pubblicità e consumismo. Gli spot pubblicitari creano immagini glamour. Secondo Berger, i modelli visti in queste pubblicità hanno sostituito le dee. Sostiene che l'idea di glamour è nuova. È anche il risultato dell'invidia sociale. Quando lo status delle persone è determinato dalla famiglia e dall'ambiente in cui sono nate, esiste meno invidia. Berger spiega che l'invidia è un prodotto di una società che non ha raggiunto la vera democrazia.

In queste circostanze, tutti possono essere ricchi, famosi e far parte della classe superiore in teoria. Ma in realtà, questo è vero solo per pochissime persone. La rappresentazione di Andy Warhol di Marilyn Monroe può essere visto come un esempio di questo. Monroe rappresenta uno stile di vita e un aspetto esclusivi che le persone avrebbero dovuto desiderare e invidiare.

John Berger ha anche paragonato le immagini commerciali ai dipinti ad olio. Le pubblicità spesso imitano i dipinti, la loro atmosfera, le ambientazioni e le pose. Gli spot pubblicitari usano anche dipinti ad olio per generare un aspetto prestigioso. Un'altra somiglianza tra le pubblicità e il loro uso della fotografia a colori e dei dipinti ad olio è che fanno sembrare gli oggetti tangibili. Mentre i dipinti ad olio illustrano la ricchezza di cui già gode il proprietario, il colore fotografia mostra uno stile di vita a cui lo spettatore dovrebbe aspirare. Entrambi non mostrano i modi di sfruttamento e non così affascinanti attraverso i quali le persone benestanti acquisiscono la loro ricchezza.

L'impatto di John Berger Modi di vedere

Secondo Olivia Laing, che ha scritto un articolo su John Berger Modi di vedere per Il guardiano , il programma ha portato nuove idee a un pubblico mainstream. Le idee femministe e postcoloniali che John Berger ha brevemente affrontato sono ora una parte essenziale del modo in cui consideriamo e parliamo di cultura. Nel suo articolo per L'indipendente Tom Lubbock ha descritto il contenuto dello spettacolo come rivoluzionario. Ha scritto che la discussione di Berger su argomenti come la rappresentazione del nudo femminile, le immagini commerciali e il modo in cui la pittura si relaziona alla proprietà privata e al potere hanno creato un agenda culturale che ormai è quasi l'aria che respiriamo .