Questo è espressionismo astratto: il movimento definito in 5 opere d'arte

Composizione di Willem de Kooning, 1955; insieme a Sic Itur ad Astra (Tale è la via delle stelle) di Hans Hofmann, 1962; e Luna del deserto di Lee Krasner, 1955

Espressionismo astratto è uno dei più celebri e significativi movimenti artistici del 20thsecolo . Emerse dalla New York del dopoguerra negli anni '40 e '50, la libertà spontanea e l'ambizione su vasta scala degli espressionisti astratti trasformarono gli Stati Uniti in una superpotenza mondiale dell'arte. Sebbene diversi nello stile, questi artisti erano uniti nel loro approccio alla pittura dallo spirito libero e spavaldo, che rifiutava la rappresentazione tradizionale per l'improvvisazione e l'espressione delle emozioni interiori.

Questi atti di autoespressione erano spesso pieni di angoscia e aggressività, catturando le ansie e i traumi ampiamente sentiti in tutta la società sulla scia della guerra e il desiderio di sfuggire alla realtà per un regno superiore. Dall'azione pittorica gestuale di Jackson Pollock e Helen Frankenthaler alla tremante risonanza emotiva di Mark Rothko, esaminiamo cinque dei dipinti più profondi che arrivarono a definire l'espressionismo astratto. Ma prima, ricapitoliamo la storia che ha aperto la strada.

La storia dell'espressionismo astratto

Sic Itur ad Astra (Tale è la via delle stelle) di Hans Hofmann , 1962, tramite The Menil Collection, Houston

Nei primi anni 20thsecolo, l'Europa era l'epicentro ribollente delle tendenze artistiche internazionali, ma tutto questo era destinato a cambiare. Le idee rivoluzionarie dall'Europa iniziarono a diffondersi negli Stati Uniti nel corso degli anni '30, prima attraverso una serie di mostre d'indagine che celebravano avanguardie -ismi tra cui dadaismo e surrealismo, seguiti da presentazioni personali su artisti tra cui Pablo Picasso e Wassily Kandinsky. Ma fu quando gli artisti iniziarono a emigrare dall'Europa negli Stati Uniti durante la guerra tra cui Hans Hofmann, Salvador Dalì, Arshile Gorkij, Massimo Ernesto e Piet Mondrian che le loro idee cominciarono davvero a prendere piede.

Il pittore tedesco Hans Hofmann si sarebbe dimostrato particolarmente influente. Avendo lavorato a fianco Pablo Picasso, Giorgio Braque e Henri Matisse, era ben posizionato per portare nuove idee in tutto il continente. Anche l'arte surrealista di Max Ernst e Salvador Dali, incentrata sull'espressione della mente interiore, influenzò senza dubbio l'emergere dell'espressionismo astratto.

Jackson Pollock nel suo studio di casa insieme a sua moglie Lee Krasner , tramite il New Orleans Museum of Art

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Insieme a queste influenze dall'Europa, negli Stati Uniti molti artisti che sono diventati espressionisti astratti hanno iniziato la loro carriera dipingendo murales di arte pubblica e figurativa su larga scala influenzati da Realismo sociale e il Movimento Regionalista. Queste esperienze hanno insegnato loro come fare arte sulla base dell'esperienza personale e hanno dato loro capacità di lavorare su vaste scale che sarebbero arrivate a definire l'espressionismo astratto. Jackson Pollock, Lee Krasner e Willem de Kooning furono tra i primi a creare un nuovo marchio di pittura americana ambiziosa ed espressiva che si rivelò estremamente influente, prima a New York, prima di diffondersi negli Stati Uniti. Alla fine degli anni '40 tutti gli occhi erano puntati sugli Stati Uniti, dove un nuovo marchio d'arte audace e coraggioso parlava di creatività e libertà inesplorate, di un'espressione di sé potente e emotiva e dell'alba di una nuova era.

1. Jackson Pollock, Isole gialle, 1952

Isole gialle di Jackson Pollock , 1952, via Tate, Londra

Il famoso pittore di New York Jackson Pollock's Isole gialle, 1952, caratterizza lo stile pionieristico dell'artista di 'Pittura d'azione' un filone di espressionismo astratto che ha coinvolto l'intero corpo dell'artista nella sua realizzazione, legandolo strettamente arte performativa . Quest'opera appartiene alla serie di 'colate nere' di Pollock, in cui Pollock applicava gocce di pittura annacquata su una tela stesa sul pavimento mentre muoveva le mani e le braccia in una serie di schemi ritmici fluidi e fluidi. Paint è costruito in una serie di reti intricate e complesse simili a reti che si sovrappongono, creando profondità, movimento e spazio.

Lavorare direttamente sul pavimento ha permesso a Pollock di camminare intorno al dipinto, creando un'area che ha chiamato 'l'arena'. il centro dell'opera, aggiungendo maggiore consistenza, movimento e forze di gravità all'opera.

2. Lee Krasner, Luna del deserto, 1955

Luna del deserto di Lee Krasner , 1955, via LACMA, Los Angeles

pittore americano Lee Krasner 'S Luna del deserto, 1955 è stato realizzato come una di una serie di opere a tecnica mista che combinavano collage e pittura in immagini singole, influenzate dalle idee europee in Cubista e dadaista arte. Come molti espressionisti astratti, Krasner aveva una vena autodistruttiva e spesso strappava o faceva a pezzi vecchi dipinti e usava i frammenti rotti per costruire nuove immagini fresche. Questo processo le ha permesso di combinare le linee pulite e le striature bianche dei bordi tagliati o strappati con segni pittorici fluidi e appiccicosi. Krasner ha anche adorato il sorprendente impatto visivo che potrebbe essere creato combinando insieme contrasti di colore stridenti: in questo lavoro vediamo frammenti taglienti e rabbiosi di nero, rosa acceso e lilla che striano su uno sfondo arancione iridescente, adagiati in modo giocoso e improvvisato per creare vivace dinamismo e movimento.

3. Willem De Kooning, Composizione, 1955

Composizione di Willem de Kooning , 1955, via Guggenheim Museum, New York

In Willem de Kooning 'S Composizione, 1955 sfregamenti espressivi e lastre di pittura sono aggrovigliati insieme in un vortice selvaggio di intensa attività. Come Pollock, de Kooning è stato soprannominato un 'Pittore d'azione' a causa delle sue pennellate frenetiche e gestuali che richiamano il movimento energico coinvolto nella loro realizzazione. Questo lavoro ha caratterizzato la fase matura della sua carriera quando aveva in gran parte abbandonato il suo precedente Cubista strutture e figure femminili a favore di un'astrazione più fluida e sperimentale. La realtà viene completamente abbandonata per il gioco improvvisato di colore, consistenza e forma, evocando le emozioni interiori e piene di angoscia dell'artista. In questo lavoro, de Kooning ha anche integrato sabbia e altre sostanze granulose alla pittura per darle un corpo più viscerale e muscoloso. Dà anche all'opera una trama che proietta verso l'esterno dalla tela nello spazio al di là, sottolineando ulteriormente la natura aggressiva e conflittuale dell'opera.

4. Helen Frankenthaler, La natura detesta il vuoto, 1973

La natura detesta il vuoto di Helen Frankenthaler, 1973, tramite la National Gallery of Art, Washington DC

pittore americano Helen Frankenthaler 'S La natura detesta il vuoto, 1973, mostra i rivoli sensuali di puro colore che hanno definito la sua pratica. Conosciuto come un espressionista astratto di 'seconda generazione', il metodo di lavoro di Frankenthaler è stato fortemente influenzato da Jackson Pollock; anche lei ha lavorato con la tela distesa sul pavimento, versando passaggi acquosi di pittura acrilica direttamente su tela grezza e senza primer. Ciò gli ha permesso di immergersi in profondità nella trama del tessuto e di formare pozze intense di colori vividi carichi di risonanza emotiva. Lasciare la tela grezza ha portato una freschezza leggera e ariosa nei suoi dipinti, ma ha anche enfatizzato la piattezza dell'oggetto dipinto, facendo eco alle idee del critico d'arte americano Clemente Greenberg, che ha sostenuto che i veri pittori modernisti dovrebbero concentrarsi sul 'purezza' e fisicità dell'oggetto dipinto.

5. Mark Rothko, Rosso su marrone, 1959

Rosso su marrone di Mark Rothko , 1959, via Tate, Londra

Uno dei dipinti più noti dell'era dell'Espressionismo Astratto, Marco Rothko 'S Rosso su marrone, 1959, è permeato di colore intenso e dramma minaccioso. In contrasto con il macho 'Action Painting' di Pollock e de Kooning, Rothko apparteneva a un ramo di espressionisti astratti che erano più interessati a trasmettere emozioni profondamente sentite in sottili schemi di colori e passaggi espressivi di pittura. Rothko sperava che le sue pennellate tremanti e i sottili veli di colore dipinti su tele grandi come pareti potessero trascendere la vita ordinaria e portarci nel regno spirituale superiore del sublime, influenzato dagli effetti atmosferici nell'arte del Romantico e Rinascimento periodi.

Questo particolare dipinto è stato realizzato come parte di una serie nota come The Seagram Murals, originariamente progettata per il Four Seasons Restaurant di L'edificio Seagram di Mies van Der Rohe a New York. Rothko ha basato la combinazione di colori della serie Seagram sul vestibolo di Michelangelo nel Biblioteca Medicea Laurenziana di Firenze , che visitò nel 1950 e nel 1959. Lì fu sopraffatto da un senso oscuro e onnicomprensivo di claustrofobia, una qualità che prende vita nell'atmosfera lunatica e torva di questo dipinto.

Eredità dell'espressionismo astratto

Onement VI di Barnett Newman , 1953, tramite Sotheby's

L'eredità dell'espressionismo astratto raggiunge in lungo e in largo, continuando a plasmare gran parte della pratica pittorica contemporanea di oggi. Per tutti gli anni '50 e '60, il Movimento del campo colore è nato dall'espressionismo astratto, estendendo le idee di Mark Rothko intorno alle risonanze emotive del colore in un linguaggio più pulito e puro, come dimostrato dai dipinti 'zip' minimali e lisci di Barnett Newman e dalle colonne scultoree di colore iridescente di Anne Truitt.

Senza titolo di Cecilia Brown , 2009, tramite Sotheby's

L'espressionismo astratto è stato in gran parte sostituito da Minimalismo e Arte concettuale negli anni '70. Tuttavia, negli anni '80 il Neoespressionista movimento in Europa e negli Stati Uniti guidato dal pittore tedesco George Baselitz e dall'artista americano Julian Schnabel ha combinato la pittura astratta con la figurazione narrativa. La pittura disordinata ed espressiva è tornata fuori moda negli anni '90, ma nel complesso regno di oggi arte contemporanea , vari approcci alla pittura astrazione e l'espressione sono più prevalenti e popolari che mai. Piuttosto che concentrarsi esclusivamente sul funzionamento interno della mente dell'artista, molti dei pittori espressivi più importanti di oggi combinano pittura fluida e acquosa con riferimenti alla vita contemporanea, colmando il divario tra astrazione e rappresentazione. Gli esempi includono le astrazioni erotiche e semi-figurative di Cecily Brown e i mondi strani e inquietanti di Marlene Dumas, popolati da scenari bizzarri e inquietanti.