4 Caratteristiche chiave dell'arte simbolista
Il simbolismo è un movimento artistico che ha avuto origine in Europa durante l'era dell'industrializzazione. Sebbene i tipici artisti simbolisti dipingessero scene mitologiche oniriche, la loro arte esprimeva profondi sentimenti di disillusione nei confronti del mondo contemporaneo. Il simbolismo era essenzialmente una reazione conservatrice ai movimenti artistici più progressisti che stavano accadendo in quel momento. Ecco quattro caratteristiche chiave dell’arte simbolista che dovresti conoscere.
1. L’arte simbolista è nata dalla letteratura
Quella di Charles Baudelaire Pubblicazione del 1857 I fiori malvagi fu il punto di partenza del Simbolismo come movimento coerente. L'opera fu anche il primo pezzo veramente simbolista che diede il tono alle successive generazioni di artisti e scrittori. Il lavoro di Baudelaire affrontava la disillusione in corso, l’amoralità dell’epoca presente e la solitudine che schiacciava gli abitanti di Parigi.
Tre decenni dopo, il poeta greco Jean Moreas pubblicò il suo Manifesto simbolista , proclamando i suoi colleghi artisti nemici dei sentimenti sbagliati e della descrizione oggettiva. Questa idea migrò dalla letteratura alle arti visive, con gli artisti simbolisti che si concentravano sull’emozione e sulle qualità estetiche piuttosto che sul realismo e sull’obiettività. Nella letteratura simbolista, la trama e lo sviluppo dei personaggi erano molto meno rilevanti delle descrizioni dettagliate dei loro sentimenti e dell'ambiente circostante. La pittura simbolista funzionava utilizzando essenzialmente la stessa formula.
Dalla base di Arte simbolista era letteratura, il suo linguaggio visivo era altamente descrittivo, con scene dettagliate e decorazioni elaborate. Non c'è molto movimento o dinamismo nelle composizioni e nessuna azione dietro la cornice: un dipinto simbolista è limitato dai bordi della tela, senza alcuna profondità implicita del mondo su di esso. Gli artisti associati al movimento utilizzavano per lo più sfondi scuri e colori saturi per ottenere la stessa sensazione di tristezza e suspense presente nelle opere scritte.
Un'altra Bibbia dei simbolisti era un romanzo decadente Indietro ( Contro Natura ), scritto da Joris-Karl Huysmans. Un giovane aristocratico Des Esseintes, stanco e disilluso dalla vita nonostante la sua età, si stabilisce recluso nella sua villa e cerca di costruire una realtà artificiale che gli porti solo piaceri. Trascorre giorni interi sperimentando come piegare la natura al suo volere, ma i suoi esperimenti finiscono sempre male. Ad esempio, coltiva un giardino di fiori velenosi e uccide una tartaruga incrostando pietre preziose nel suo guscio.
Tra le altre attività essenzialmente inutili di Des Esseintes c'è la contemplazione della sua collezione d'arte, che comprende artisti ora conosciuti come i principali simbolisti, Gustave Moreau e Odilon Redon . Uno dei dipinti preferiti di Des Esseintes, quello di Gustave Moreau Salomè balla davanti a Erode , diventa oggetto della lunga riflessione del personaggio, durante la quale spiega la natura intrinsecamente vile e malvagia delle donne. Questo argomento diventerebbe una delle idee centrali dell’arte simbolista dominata dagli uomini.
2. Gli artisti simbolisti erano conservatori che fuggivano dalla realtà
Lo sviluppo del simbolismo è avvenuto parallelamente alla graduale defigurazione dell'arte e al suo rapido passaggio da forme realistiche verso l'astrazione. In molti modi, il simbolismo era un movimento contrario all’impressionismo. Mentre agli impressionisti piace Renoir O Molti concentrati sui paesaggi urbani odierni e sulla vita quotidiana in rapido cambiamento, i simbolisti ne rimasero sconvolti. Mentre alcuni artisti elogiavano la nuova era, altri consideravano l’industrializzazione e le città in crescita come l’era della spiritualità abbandonata e della decadenza. Invece di rappresentare la realtà spiacevole, i simbolisti scelsero di affrontare il regno dei miti e degli archetipi.
Mentre le forme d’arte d’avanguardia abbandonavano la realtà per concentrarsi su concetti intangibili e sentimenti soggettivi, i simbolisti – ironicamente – fecero essenzialmente lo stesso. Hanno scambiato il presente con un passato immaginario inesistente, simboli eterni, sogni ed estetismo. Alcuni saloni simbolisti bandirono esplicitamente scene banali, ritratti e dipinti storici. Un’opera veramente simbolista avrebbe dovuto esprimere “verità universali” come la spiritualità cristiana e la bellezza ideale, utilizzando il linguaggio di simboli e metafore universalmente riconosciuti. Naturalmente, la parola “universale” non si riferiva alla conoscenza comune condivisa da ogni gruppo sociale dell’epoca, ma alle informazioni disponibili agli uomini colti delle classi superiori. I pittori simbolisti si rivolgevano all'antico Mitologia greca e romana , così come le storie dell'Antico Testamento.
Il movimento artistico del Simbolismo era piuttosto diffuso e ebbe l’impatto più notevole in Francia, Belgio, Germania e Russia. Il ramo russo del simbolismo aveva un insieme distintivo di argomenti e forme basati sul folklore e sulla letteratura dell'Europa orientale. Tuttavia, indipendentemente dalle differenze culturali e regionali, la tendenza generale all’evasione è rimasta permanente.
Nonostante il loro conservatorismo, in un certo senso, i simbolisti si avvicinarono ad alcuni aspetti della loro arte in modo simile agli artisti più d’avanguardia. Ad esempio, una delle loro preoccupazioni era la musica e i modi in cui si poteva tradurla in linguaggio visivo. Il grande simbolista tedesco Arnold Böcklin ha esplorato questo concetto nella sua pittura Interruttori dell'oceano , cercando di interpretare il suono delle onde ruggenti e il canto della sirena attraverso elementi dipinti. Artisti astratti come Piet Mondrian e Vasilij Kandinskij avrebbero poi trattato la musica in modo simile nelle loro opere astratte. Kandinsky fu allievo di un altro celebre simbolista tedesco, Franz von Stuck. Secondo gli appunti di Kandinsky, Von Stuck notò l’eccezionale lavoro del suo allievo con il colore e lo esortò a dipingere solo in bianco e nero per diversi anni. L'obiettivo era che Kandinsky sviluppasse una comprensione più profonda della linea, della composizione e delle qualità espressive.
3. I dipinti simbolisti avevano spesso sfumature morbose
Il simbolismo nell'arte e nella letteratura aveva una connessione inseparabile con il movimento decadente. I Decadenti celebravano l’artificiosità e l’eccesso, ma questa celebrazione era tutt’altro che ottimistica. La vittoria degli uomini sulla natura non fu il punto di partenza della nuova era, come alcuni credevano, ma la fine della civiltà. La morte, il decadimento e la malattia erano gli argomenti principali per gli artisti e gli scrittori decadenti. Questi argomenti trovarono spazio anche nell'opera simbolista, esprimendo gli orrori della natura umana e la morale caduta.
Sebbene i due movimenti avessero caratteristiche distintive, molti artisti simbolisti dell’epoca rientravano nella categoria dei decadenti. Uno dei Decadenti più famosi fu l'illustratore inglese Aubrey Beardsley . Beardsley è meglio conosciuto per la sua serie di illustrazioni dell'opera di Oscar Wilde Salomè , pieno di morboso erotismo.
Sebbene il simbolismo affrontasse spesso argomenti inquietanti e scomodi, raramente toccava aspetti morbosi dell’esistenza fisica. In un dipinto simbolista non si incontrerebbero mai raffigurazioni accurate di malattia o lesioni. I corpi simbolisti oltrepassavano i limiti della fisicità: il loro decadimento era più morale che fisico, indicato dalle tonalità della pelle pallide e verdastre.
L’eccessiva sessualizzazione delle figure umane (per lo più femminili) era un altro indicatore della preoccupazione dei simbolisti per il declino della morale del loro secolo. La maggior parte degli artisti associati al movimento consideravano la graduale liberazione sessuale delle donne un segno della degenerazione del genere umano. Le sfumature sessuali delle loro opere non avevano alcuna connessione con sentimenti di gioia, ma erano invece associate al peccato e ai desideri carnali che allontanavano gli uomini dal loro scopo spirituale.
4. Le donne erano i soggetti principali nell'arte simbolista
Le figure femminili erano uno dei soggetti più apprezzati dagli artisti simbolisti, ma non avevano quasi nulla in comune con le donne vere. Una donna nell'arte simbolista era solo un altro simbolo, a significare i pericoli del progresso e del cambiamento sociale. Una donna nell'ideologia simbolista equiparata alla natura, morbida e nutriente se imbrigliata da un uomo, ma incontrollabile, selvaggia e distruttiva se lasciata incustodita. Questa idea ha prodotto due immagini opposte: la musa eterea idealizzata, obbediente e pura, e quella selvaggia e incontrollabile. Donna fatale .
IL Donna fatale espresse la disapprovazione simbolista del progresso e dell'emancipazione. Era una donna senza padrone, senza dio e senza bussola morale, guidata esclusivamente dal suo appetito sessuale e dal desiderio di distruzione. I simbolisti esprimevano la loro fede nella natura intrinsecamente malvagia di una donna indipendente attraverso un insieme distintivo di eroine mitologiche e bibliche come Medusa , Cassandra, Circe , Salome e altri. La stessa sorte toccò a Giuditta. Sebbene originariamente descritta nell’Antico Testamento come l’eroina patriottica, i simbolisti equipararono Giuditta alla crudele e sanguinaria Salomè solo sulla base delle teste mozzate dei loro nemici. Sebbene donne fatali Erano evidenti antagonisti delle storie simboliste, erano quasi sempre altamente sessualizzati e nudi, affrontando sia le paure più profonde che le fantasie più oscure degli uomini che li dipingevano e li osservavano nelle gallerie d'arte.
I simbolisti esprimevano spesso la natura selvaggia e pericolosa delle donne creando mostri come sirene o sfingi con artigli e denti affilati, che aspettano il momento giusto per attaccare il protagonista. Associando donne forti e incontrollabili a bestie selvagge, i simbolisti dipingevano ulteriormente l'immagine dell'anormalità di queste donne. Allo stesso tempo, mettevano in risalto la purezza dei loro soggetti maschi, che sembravano e si comportavano in modo completamente umano.
Non molte donne furono associate al movimento simbolista, ma quelle che superarono i confini di genere trattarono l'argomento Donna fatale diversamente. Essendo in grado di relazionarsi con questi personaggi, le donne simboliste spesso rivendicavano quelle immagini come simboli del potere femminile e dell'intolleranza del mondo che le circondava. L'attrice e scultrice Sarah Bernhardt si dipinse come una chimera, mentre la scultrice Camille Claudel incorporò il suo autoritratto nella testa mozzata di Medusa.
Il genere era una preoccupazione importante per i simbolisti. In molti dipinti simbolisti, il protagonista, che è sempre un giovane bianco, ha tratti androgini distintivi. Sebbene sembrasse inconfondibilmente maschile, i suoi tratti femminili erano evidenti e lungi dall'essere semplicemente una scelta estetica. L’idea dominante nei circoli simbolisti dell’epoca era che gli uomini fossero dotati della virtù della ragione, mentre le donne avessero il dono dell’intuizione e della connessione con il mondo non fisico. L'essere umano ideale avrebbe dovuto possederli entrambi, superando i limiti del proprio corpo fisico e del proprio genere. Così nasce il protagonista simbolista, spesso dipinto come il leggendario poeta Orfeo o Principe Edipo , non era un semplice mortale ma l'essere umano perfetto che ottenne entrambi maschile ragione e femminile spiritualità.